엘스워스 켈리 회화의 추상성과 자연

예술가가 특정 유형의 작품으로 유명해지면, 그 유형의 대표적인 작품들이 예술가의 작품 목록에서 가장 가치 있는 작품이 되는 경향이 있습니다. 아마도 그래서 많은 엘스워스 켈리의 그림이 박물관 소장품에서 켈리가 만든 기이한 형태의 단색 작품을 예시로 보여주는 것일 것입니다. 일반 관람객들은 켈리가 만든 유일한 예술 유형이 그것이라고 가정할 수 있습니다. 그들은 또한 이러한 작품의 의미가 순전히 추상적이라고 생각할 수도 있습니다. 켈리의 단색화는 기하학적 추상, 하드 엣지 회화, 개념 미술, 색면 미술 또는 미니멀리즘의 표현으로 쉽게 오해될 수 있습니다. 그리고 그러한 경향 중 일부가 실제로 켈리의 경력 어느 시점에서 그에게 영향을 미쳤을 수 있지만, 그 분야에서 활동하는 예술가들이 그에게 영향을 받았다고 말하는 것이 더 정확할 것입니다. 켈리는 혁신가였습니다. 그리고 많은 사람들이 알지 못하는 사실은 그의 그림이 순전히 추상적이지 않고, 그가 자연에서 발견한 형태의 표현이었다는 것입니다.

엘스워스 켈리의 자연적 뿌리

켈리는 자연과의 개인적인 연결 속에서 자랐습니다. 그는 1923년 뉴욕주 뉴버그의 이상적인 허드슨 강 마을에서 태어났으며, 맨해튼에서 북쪽으로 60마일 떨어져 있습니다. 숲과 구릉, 강으로 둘러싸인 그는 이웃 야생의 식물과 동물에 대한 조기 감사를 발전시켰습니다. 프랫에서 2년 동안 미술과 디자인을 공부한 후, 켈리는 군에 입대했습니다. 여러 다른 예술가들과 함께 켈리는 제2차 세계 대전에서 유령 군대의 일원이 되었으며, 이 부대는 적군을 유럽 시골에서 오도하기 위해 위장 작전을 구상하고 실행하는 역할을 맡고 있었기 때문에 그에게 특히 잘 맞았습니다.

 

엘스워스 켈리 - 1949년 파리 튈르리 정원의 연필 드로잉 

 

전쟁 후, 켈리는 파리에서 몇 년을 보내며 그의 미술 교육을 계속했습니다. 그의 초기 관심은 인물 화가들에 있었지만, 그는 곧 자신의 개인적인 미적 관심이 화려한 인물 작품에 전혀 있지 않다는 것을 깨달았고, 심지어 그림 그리기에도 꼭 필요하지 않다는 것을 알게 되었습니다. 오히려 그는 주변에서 보이는 사물의 단순한 형태에 끌리게 되었습니다. 그는 창문, 건축 요소, 꽃, 관목, 나무, 잎사귀 및 과일과 같은 다양한 자연 요소와 같이 그에게 흥미로운 형태의 기본 스케치를 만들었습니다.

 

오늘의 튈르리 정원 

 

엘스워스 켈리 드로잉

그가 스케치한 주제와 관계없이, 켈리는 그의 관심 대상들을 가장 단순한 형태로 축소시켰습니다. 그는 형태에 대한 연구를 하고 이를 그의 예술에서 표현하기 시작했습니다. 그의 경력 전반에 걸쳐, 그가 젊은 시절에 만든 스케치들은 수많은 그림, 조각, 스크린 프린트 및 기타 미적 객체에 영감을 주었습니다. 그가 만든 작품들은 종종 감정이 없는, 미니멀리스트의 무의미한 형태의 추상으로 인식되지만, 사실 그들은 켈리가 영감을 받은 자연 형태의 특정하고 실제적인 언어를 참조합니다.

 

엘스워스 켈리 - 야생 포도, 1960, 두 장의 종이에 연필, 28 1/2 x 45 인치, MoMA 컬렉션

 

1960년대에 그는 다양한 야생 과일, 정원 채소, 나무, 가지 및 다양한 다른 식물의 잎과 꽃에 대한 일련의 그림을 그렸습니다. 그의 1960년 그림 야생 포도는 야생 포도 식물의 잎을 가장 단순한 형태로 축소합니다. 그의 1962년 그림 빨간색 흰색에서 켈리는 그 정확한 형태를 가져와 흰색 캔버스에 반전시킵니다.

 

엘스워스 켈리 - 레드 화이트, 1962, 캔버스에 유채, 80 1/8 x 90 1/4 인치, SFMOMA 컬렉션

 

그의 1965년 드로잉 자몽 (아래에 리토그래프로 표시됨)에서 켈리는 잘 익은 자몽의 이미지와 가지에서 매달린 여러 잎을 축소합니다. 이러한 요소들이 나타내는 형태의 집합체와 개념적 색상 범위는 같은 해 그의 리토그래프 파랑과 노랑과 빨강-주황에 나타납니다.

 

엘스워스 켈리 - 자몽 (Pamplemousse), 1965, 열두 점의 리토그래프 시리즈 중 하나, 23 7/16 x 20 인치, MoMA 컬렉션

 

켈리의 또 다른 관심사는 예술이 제시되는 공간과 관객의 관계에 있었다. 이 미적 경험의 측면을 다루기 위한 그의 탐구에서, 켈리는 그를 유명하게 만든 상징적인 시각 스타일로 이어지는 작업에서 돌파구를 마련했다: 벽에 걸린 형태의 단색 객체들. 이 객체들은 실제로 그림이 아니었고, 더 조각적인 성격을 지니고 있었으며, 켈리는 이러한 구분을 무의미하다고 여겼다. 이러한 유형의 작업의 초기 예는 노란 조각이다. 이 작품의 형태는 그의 자연적 영감과 제조된 미적 현상을 창조하는 과정의 결합을 성숙하게 표현한 것이다.

 

엘스워스 켈리 - 파랑과 노랑과 빨강-오렌지 (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, 리토그래프, 25 3/8 x 13 13/16 인치.

 

엘스워스 켈리 그림

노란 조각은 켈리의 다른 형태의 작품들과 함께 주요 개념적 도약을 나타냅니다. 캔버스를 형태로 만들면서 켈리는 벽과 주변 건축을 재맥락화했습니다. 캔버스가 이미지의 배경 역할을 하는 것이 아니라, 벽 자체가 작품을 지지하는 역할을 하게 되었습니다. 예술이 관람되는 비연관적이고 주변적인 환경이 아니라, 건축은 관람자의 경험의 필수적인 부분이 되었습니다. 이렇게 켈리는 자신의 영감을 완벽하게 표현했습니다. 그는 갤러리를 자연 환경으로 만들었습니다. 그의 예술은 환경의 일부로, 그로부터 자생하고, 그것에 의해 지지받고, 그것에 의해 향상되며, 그것을 향상시켰습니다. 관람자들은 정원이나 들판에서 나뭇잎, 꽃, 줄기 또는 다른 자연 요소를 만나는 것과 같은 방식으로 그것을 만났습니다.

 

엘스워스 켈리 - 옐로우 피스, 1966, 합성 폴리머 페인트로 캔버스에, 75 x 75 인치.

 

그의 형태가 있는 일부 작품은 공간 미적 관계에 대한 탐구를 더욱 확장시켜 일종의 층이 있는 콜라주 같은 요소를 도입했습니다. 이른바 "부조" 작품은 다층적이고 다면적인 객체로, 입체성과 형태가 있는 캔버스를 결합한 것입니다. 이러한 작품은 객체와 관람자 사이의 공간으로 바깥으로 확장되어, 관람자와 예술 작품 사이에 개인적이고 거의 의인화된 관계가 형성되도록 초대합니다. 이 관계에 필수적인 것은 관람자와 작품 사이의 형식적 차이가 진정으로 무엇인지에 대한 질문입니다.

 

엘스워스 켈리 - 블랙 오버 블루, 1963, 페인티드 알루미늄, 81 ¾ x 64 ¼ 인치 x 6 인치, SFMOMA 컬렉션

 

조각품

켈리는 전통 조각 작품의 다작 작가이기도 했다. 그의 조각은 다른 작품들과 동일한 미적 언어를 따르며, 그의 자연 스케치에서 나타나는 자연 형태와 구성들을 참조한다. 켈리의 2002년 조각 화이트 커브스에서는 1966년 리토그래프 모란에서 포착된 목련 꽃의 단일 꽃잎 형태가 다시 나타나는 것을 볼 수 있다.

 

엘스워스 켈리 - 화이트 커브스, 2002, 화이트 알루미늄, 스위스 리헨에 위치한 파운데이션 베이엘러의 조각 정원

 

다음 번에 Ellsworth Kelly의 작품을 접하게 된다면, 그가 스스로 표현한 영감의 관점에서 고려해 보세요. 그의 작품을 감정이 없는 순수한 추상 기하학적 객체로 상호작용하기보다는, 우리 주변에 존재하는 자연의 시각적 언어의 표현으로 생각해 보세요. Kelly가 말했듯이, “식물을 그리는 것은 항상 내 그림과 조각으로 나를 이끌었습니다. 내 모든 작업은 인식에서 비롯됩니다. 나는 기하학적 예술가가 아닙니다.”

 

특집 이미지: 엘스워스 켈리 모란, 1966, 리토그래프, 24 1/4 x 34 3/4" 모든 이미지 © 엘스워스 켈리, 모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됩니다.
필립 Barcio