패트 스티어의 작품이 아트 마켓에서 어떻게 정점에 올랐는가

갤러리 대표성은 예술 시장에서 존재감을 가지려는 모든 예술가에게 핵심적입니다. 하지만 갤러리는 예술가에게 정확히 무엇을 해줄까요? 그리고 예술가들은 어떻게 자신에게 가장 좋은 대표성을 제공할 갤러리에 합류할 수 있을까요? Pat Steir의 이야기가 이러한 고대 질문에 대한 답을 밝히는 데 도움이 될 수 있습니다. Steir는 수십 년 동안 미국 회화계의 저명한 인물입니다. 그녀의 작품은 특이하고, 개념적으로 뛰어나며, 미적으로 놀랍습니다. 하지만 그녀는 동급의 다른 예술가들 사이에서 판매 수치가 낮은 편이었습니다. 그러나 그녀는 예술 시장에 늦게 진입한 것이 아닙니다. 권력자들은 즉시 그녀의 능력을 인식했습니다. 그녀가 Pratt Institute에서 BFA를 졸업한 해에, 그녀는 첫 번째 그룹 전시회를 가졌습니다. 그것은 갤러리가 아닌, 아틀란타의 High Museum of Art에서 열린 것으로, 동남부 미국에서 가장 중요한 미술관이라고 할 수 있습니다. 다음 해에는 필라델피아 미술관과 뉴욕의 MoMA에서 그룹 전시회를 가졌습니다. 그 이후로 Steir는 매년 흔들림 없이 활동해왔습니다. 그녀의 작품은 항상 그 존재감, 힘, 복잡성으로 관객을 놀라게 했습니다. 그리고 그녀는 프린스턴, 파슨스, 칼 아트와 같은 미국의 가장 영향력 있는 교육 기관에서 가르칠 시간도 찾았습니다. 그래서 질문은, 왜 Pat Reid는 예술가로서의 중요성과 일치하는 방식으로 그녀의 성공에 대해 재정적으로 보상을 받지 못했을까요? 그 답은, 보이는 것처럼, 대표성과 관련이 있는 것 같습니다.

첫 번째 갤러리

패트 스티어는 1940년에 태어났습니다. 1964년까지 그녀의 작품은 세 개의 박물관 전시에 포함되었고, 그녀는 뉴욕시의 테리 딘텐파스 갤러리에서 첫 번째 개인 전시회를 제안받았습니다. 테리 딘텐파스는 뉴저지주 애틀랜틱 시티 출신이었습니다. 그녀는 당시 최고의 해변 리조트였던 트레이모어 호텔 로비에 첫 번째 미술관인 D Contemporary를 열었습니다. 그러나 애틀랜틱 시티의 인기가 하락하자, 딘텐파스는 D Contemporary를 닫고 맨해튼으로 이사하여 새로운 갤러리를 열기로 결정했습니다. 그렇게 함으로써 그녀는 뉴욕에서 여성 갤러리스트의 증가하는 물결의 일원이 되었습니다. 그녀는 당시의 만연한 사회적 또는 정치적 편견으로 인해 다른 방식으로 과소 대표된 예술가들을 대표하는 가장 진보적인 인물 중 하나였습니다.

패트 스티어가 테리 딘텐파스에서 선보인 작품은 당시의 지배적인 미학적 경향과는 그리 일치하지 않았다. 미니멀한 작업이 더 유행할 때, 그녀의 작품은 형상화 쪽으로 기울어졌다. 놀랍지 않게도, 이 전시는 그녀가 출판사 하퍼 & 로우에서 아트 디렉터로서의 일에서 벗어날 만큼의 판매를 생성하지 못했다. 그 후 10년 동안 스티어는 뉴욕에서 자신의 작품을 계속 전시했지만, 재정적 보상은 계속해서 그녀를 피했다. 물론 그녀에게 그것이 중요한 점은 아니었다. 스티어는 돈보다 더 중요한 것을 추구하고 있었다. 그녀는 화가로서 자신의 목소리를 확립하고, 예술가로서 진정한 무언가를 성취하고자 했다.

Pat Steir - Blue, 2007, Oil on canvas, 36 × 36 in, 91.4 × 91.4 cm, photo credits Bentley Gallery, Phoenix

바다의 변화

1970년대 초, Steir는 뉴멕시코로 여행을 떠나 Agnes Martin과 시간을 보냈습니다. Martin과의 대화는 Steir에게 그녀가 하려는 일의 영적 측면과 연결되는 것의 중요성을 강화시켰습니다. 그녀는 동아시아의 철학과 예술 전통을 공부하기 시작했습니다. 그녀는 그들의 교훈을 자신의 미적 경향과 연결지었으며, 이는 추상 표현주의 기법에 내재된 자동성과 자아 상실과 일치했습니다. 이러한 영향은 Steir에게 일종의 새로운 명료함으로 절정에 달했으며, 1970년대 초 그녀는 그녀의 첫 번째 상징적인 작품 시리즈인 소위 장미 그림을 창작했습니다. 장미를 연상시키는 형태가 포함된 추상화로, 그 형태는 그 후에 지워졌습니다. 이 작품에서 그녀가 이루고자 했던 것을 설명하면서 Steir는 "나는 이미지를 상징으로서 파괴하고 싶었다...이미지는 없지만, 동시에 끝없는 이미지"라고 설명했습니다.

다음 10년 동안, Steir가 시작한 이 철학적 과정은 그녀를 가장 잘 알려진 작품군인 폭포 그림으로 이끌었습니다. 이 작품들은 통제권을 포기하는 완벽한 개념적 시연이자, 계획과 뉘앙스의 완벽한 표현입니다. 시각적으로, 이들은 캔버스 앞쪽으로 쏟아진 물감처럼 보이며, 마치 폭포와 같습니다. Steir는 늘어놓지 않은 캔버스를 벽에 걸고 사다리를 타고 올라가서 표면에 물감을 조심스럽게 쏟습니다. 물감을 놓으면 중력과 시간이 작용하기 시작합니다. 그녀는 이 과정을 지배합니다. 그녀는 언제, 어디서, 얼마나 많은 물감을 쏟을지를 선택합니다. 그녀는 색상을 선택합니다. 그녀는 점도를 선택하고 추가적인 붓 자국이나 튀김을 추가할지를 결정합니다. 이는 인간이 자연과 협력하는 간단하면서도 심오한 표현입니다. 이 과정은 조화롭고, 그림들도 마찬가지입니다.

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, Color direct gravure printed on gampi paper chine colle, 31 × 39 in, 78.7 × 99.1 cm, photo credits Crown Point Press, San Francisco

화학 및 독서

1990년대 말까지, Steir는 화가로서의 숙련도를 달성하였고, 뉴욕에서 가장 영향력 있는 현대 미술 갤러리 중 하나인 Cheim & Read에 의해 대리 representation을 제안받았다. Chelsea 지역에 위치한 Cheim & Read는 1997년 설립 이후 글로벌 현대 미술 씬의 고정물로 자리잡아왔다. 어떤 예술가라도 이러한 갤러리에 의해 대리 representation을 받는 기회를 믿을 수 없는 기회로 여길 것이다. 그러나 Pat Steir에게 그 기회는 기대만큼의 성과를 내지 못했다. 그녀의 작품이 팔리지 않았다는 것은 아니다. 수만 달러에 팔렸다. 그러나 그녀의 동시대 예술가들은 그 금액의 10배를 받고 있었다. 다시 말해, 이익이 그녀의 동기가 아니었다는 것은 아니다. 그러나 미국에서는 판매 수치가 예술가가 박물관과 비엔날레에서 정기적으로 소개되고, 미술사 수업의 커리큘럼에 추가되는 중요한 예술가의 정전에 수용되는지에 깊은 영향을 미친다.

스위스 태생의 미술 딜러 도미니크 레비가 등장합니다. 레비는 패트 스티어가 첫 번째 개인 전시회를 연 지 3년 후에 태어났습니다. 그녀는 제네바 대학교에서 예술 사회학이라는 매혹적인 주제로 석사 학위를 받았습니다. 1980년대 후반과 90년대 내내 그녀는 크리스티 경매 하우스, 소더비 경매 하우스에서 일한 후 다시 한 번 크리스티에서 근무했습니다. 그리고 2003년, 그녀는 도미니크 레비 파인 아트라는 자신의 미술 자문 서비스를 열었습니다. 2년 후, 그녀는 현재 미국 재무부 장관의 아버지인 로버트 므누친과 함께 L&M 아트를 열었습니다. 그리고 2013년, 그녀는 맨해튼과 런던에 도미니크 레비 갤러리를 열었습니다. 그곳에서 그녀는 이브 클라인의 유산과 프랭크 스텔라, 피에르 술라주와 같은 아티스트들을 대표했습니다. 그리고 2016년, 그녀는 패트 스티어와 계약을 체결했습니다.

Pat Steir - Moment, 1974, Oil on canvas, 84 × 84 in, 213.4 × 213.4 cm, photo credits Cheim & Read, New York

이름에는 무엇이 들어있나요?

Pat Steir와 계약을 체결한 직후, Dominique Lévy는 영국 미술상 Brett Gorvy와 파트너십을 맺고 새로운 갤러리인 Lévy Gorvy를 설립했습니다. Lévy Gorvy는 현재 Pat Steir를 대표하고 있습니다. 그리고 그 합병 이후, 2년이 채 안 되는 기간 동안 Steir의 작품 가격이 급등했습니다. 지난 6개월 동안, 경매에서 그녀의 작품 3점이 예상가를 초과했습니다. Sotheby’s는 Four Yellow Red Negative Waterfall (1993)를 £200,000의 예상가에 비해 £680,750에 판매했으며, Misty Mountain Waterfall (1991)과 Silver Moon Beam (2006)도 각각 £113,250의 예상가에 비해 각각 £299,400에 판매되었습니다. 또한, Lévy Gorvy는 Steir의 새로운 작품을 각각 50만 달러 이상에 판매하고 있으며, 이는 2004년의 무제 Steir 그림이 $550,000에 판매된 Chicago EXPO에서 도달한 가격대입니다.

그래서 무슨 일이 있었던 걸까요? 만약 Steir가 이러한 가격을 받을 수 있었다면, 왜 Cheim & Read는 그것을 실현하지 않았을까요? 그 대답은 인맥으로 귀결될 수 있습니다. 모든 갤러리스트는 네트워크를 가지고 있습니다. 아마도 Lévy와 Gorvy는 단순히 다른 사람들을 알고 있을 것입니다. 아니면 타이밍일 수도 있습니다. 어쩌면 Steir를 대표하는 사람이 누구든지 간에 이런 일이 일어날 운명이었을지도 모릅니다. 또는 신뢰 문제일 수도 있습니다. 아마도 Lévy와 Gorvy는 주요 구매자들이 믿고 있는 실적을 가지고 있을 것입니다. 하지만 Cheim & Read와 Lévy Gorvy 웹사이트에서 Pat Steir의 갤러리 페이지를 살펴본 후, 차이는 이해의 문제일 수 있다고 생각합니다. Lévy Gorvy가 만든 마케팅 자료는 단순히 더 현대적이고 포괄적일 뿐만 아니라, 그들이 전하는 이야기도 더 공감할 수 있습니다. 제가 생각하기에, 아티스트가 적합한 갤러리를 찾았는지 여부를 결정짓는 가장 중요한 요소는 그 갤러리에서 일하는 사람들이 그 작품을 이해하는지 여부입니다. 누군가를 속여서 예술을 사게 하는 것은 불가능합니다. 하지만 갤러리스트가 자신이 판매하는 작품을 진정으로 믿는다면, 그것은 판매가 아니라 사람들과 그들에게 중요한 예술을 연결하는 문제로 변하게 됩니다. 이는 구매자, 갤러리스트, 아티스트, 그리고 그 작품이 어떤 이유로든지 마음의 같은 언어를 말하기 때문에 가능한 업적입니다.

Pat Steir - Set of Four Lines, 2015, A set of four screenprints with hand-painting, 72 × 96 in, 182.9 × 243.8 cm, Unique

특집 이미지: Pat Steir - Triptych D, 2015, 손으로 채색한 세 개의 스크린 프린트 세트, 72 × 108 인치, 182.9 × 274.3 cm, 유일무이, 사진 제공 Pace Prints

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.

필립 Barcio