획기적이지만 잊혀진 - 마크 토비의 예술

올 여름 이탈리아 베니스에 있는 페기 구겐하임 컬렉션에서는 20년 만에 처음으로 마크 토비의 회화에 대한 주요 유럽 회고전이 열립니다. 마크 토비: 빛의 실타래라는 제목의 이 전시회에는 1920년대 후반부터 1970년대 초반까지 토비가 제작한 66점의 주요 작품이 포함되어 있습니다. 이 작품 선정은 토비가 인간 존재의 보편성을 표현할 방법을 찾는 과정에서 겪었던 다양한 진화를 강조하고자 합니다. 그는 상업 일러스트레이터이자 초상화 화가로 경력을 시작한 후 30대에 회화로 전환했습니다. 그는 인물화로 시작했지만 곧 새로운 미적 관점을 개발하는 방법에 대한 모더니스트 대화에 참여하게 되었습니다. 이 점에서 그의 궁극적인 성취는 엄청났으며, 오늘날 많은 사람들이 토비를 완전히 잊어버리거나 그에 대해 들어본 적이 없다는 사실이 더욱 이상하게 만듭니다. 얼마 전만 해도 그는 세계에서 가장 중요하고 영향력 있는 화가 중 한 명으로 여겨졌습니다. 이러한 사실은 현재 전시회의 시기와 장소가 특히 적절하다는 것을 의미합니다. 이 전시회는 2017년 베니스 비엔날레와 동시에 열리며, 1958년 이전의 베니스 비엔날레에서 마크 토비가 역사를 만들었다는 미묘한 상기시킴이 됩니다. 토비는 그 전시회에서 마크 로스코와 함께 미국을 대표했습니다. 그러나 로스코가 오늘날 미국에서 훨씬 더 많은 명성을 누리고 있는 반면, 1958년 베니스 시상식에서 회화 부문 금상을 수상한 것은 염소자리라는 토비의 작품이었습니다. 이는 1895년 첫 번째 베니스 비엔날레 이후 처음으로 금상이 미국 화가에게 돌아간 것입니다.

열린 마음

마크 토비는 1890년 위스콘신주 센터빌이라는 중서부 미국 마을에서 태어났습니다. 그는 곧 위스콘신을 떠났지만, 그곳을 애정 어린 기억으로 간직하고 초기 그림에서 그 풍경을 자주 언급했습니다. 그러나 뉴욕에서만 살고 일하는 것을 선호했던 그의 세대의 많은 미국 추상 화가들과는 달리, 마크 토비는 성인 생활의 대부분을 시애틀에서 살고 일하기로 선택했습니다. 아마도 그 운명적인 선택이 그의 예술가로서의 발전을 정의하는 많은 자유와 열린 마음으로 이어졌던 것 같습니다. 또 다른 시애틀의 자주 거주자였던 무술가 브루스 Lee는 마크 토비와 비슷한 인생관을 가지고 있었습니다. Lee는 "스타일이 없는 스타일"이라고 설명한 지트 쿤 도라는 전투 접근 방식을 창립했으며, 이는 전투자가 교리를 거부하고 가능한 모든 것을 배우는 데 열려 있어야 하며, 효과가 있는 것은 유지하고 효과가 없는 것은 버려야 한다는 의미입니다. "스타일이 없는 스타일"은 Lee가 처음으로 선불교를 공부하면서 배운 가르침에서 비롯되었으며, 이는 마크 토비가 수년 전에 그림에 대해 개발한 접근 방식과 놀라울 정도로 유사합니다.

토비는 1930년대에 처음으로 아시아를 여행했다. 그 여행은 그가 화가로서 공간에 대해 무엇을 해야 할지 고민하던 시기에 이루어졌다. 그는 자신의 작품에서 깊이와 차원을 추구할 것인지, 아니면 그것을 포기하고 평면성을 받아들일 것인지 결정을 내리지 못했다. 일본, 상하이, 홍콩을 방문하는 동안 그는 아시아 예술가들이 역사적으로 그들의 작품에서 공간을 다루는 다양한 방식에 대한 새롭고 깊은 이해를 얻었다. 그는 1920년대 시애틀에 살면서 이미 중국 서예의 기법을 배웠지만, 이번 여행은 그에게 글쓰기와 상징이 아시아 예술의 더 큰 미학적 접근 방식에 어떻게 맞아떨어지는지에 대한 보다 완전한 인식을 제공했다. 이 깨달음은 토비에게 자신의 문화가 예술을 만드는 방식을 연구하는 것뿐만 아니라, 모든 다른 문화가 예술을 만드는 방식에 대해 가능한 모든 것을 배우는 데 열려 있어야 한다는 생각을 열어주었다.

마크 토비 - 결정화, 1944, 스탠포드 대학교 아이리스 및 B. 제럴드 칸토르 시각 예술 센터, 메이블 애슐리 키저 기금, 멜리타와 렉스 본의 기증, 현대 및 현대 미술 수집 기금

전체 페인팅

아시아에서 돌아온 직후, 토비는 그의 가장 영향력 있는 그림 중 하나인 "브로드웨이"를 만들었습니다. 이 작품은 뉴욕의 유명한 거리의 형태, 색상 및 빛을 다소 형상적으로 표현한 것입니다. 그러나 접근 방식에서 변형적입니다. 구성은 수백 개의 작은, 제스처 화이트 마크로 이루어져 있습니다. 글쓰기와의 유사성은 분명하지만, 이 표시는 구체적인 내용을 나타내지 않으며, 실제 세계의 형태를 직접적으로 나타내지도 않습니다. 그들은 감정적이고 시적입니다. 이 그림은 오늘날 마크 토비가 그의 경력 전반에 걸쳐 다양하게 추구할 미학적 스타일의 전조로 여겨지며, 그는 이를 "화이트 라이팅"이라고 불렀습니다.

브로드웨이는 1936년에 그려졌습니다. 그 이후 몇 년 동안 토비는 그 작품을 정의하는 접근 방식을 계속 발전시켰습니다. 그는 자신의 서예적 표식을 알아볼 수 없을 정도로 추상화하였고 곧 모든 구상 형태를 포기했습니다. 그는 단순한 이미지를 넘어서 감정을 전달하는 데 전념하게 되었습니다. 가장 중요한 것은 그의 캔버스 전체 표면을 특정 영역에 우선권을 주지 않는 구성으로 덮는 것을 강조했다는 점입니다. 이 아이디어는 1940년대에 잭슨 폴록이 만들고 있던 "올-오버 그림"을 설명할 때 미술 비평가 클레멘트 그린버그에 의해 나중에 강조되었습니다. 그러나 이 접근 방식을 개척한 것은 몇 년 전 폴록이 본 토비의 그림을 가진 마크 토비였습니다.

마크 토비 - 스레딩-라이트, 1942, 현대 미술관, 뉴욕

학교 없는 학교

마크 토비는 확실히 잭슨 폴록과 뉴욕 스쿨의 다른 모든 예술가들과 알고 지냈습니다. 토비의 작품은 1946년 뉴욕 현대 미술관에서 열린 14명의 미국인 전시회에 포함되었으며, 이 전시회에는 아르시레 고르키와 로버트 마더웰도 포함되었습니다. 그러나 뉴욕의 예술가들과 그들의 지지자인 그린버그가 그들이 본질적으로 미국적인 예술의 출현의 일부라는 신화를 받아들인 반면, 토비는 그 개념을 거부했습니다. 그는 예술이 그렇게 좁은 기준으로 정의되어서는 안 되며, 민족주의, 정치, 문화 또는 지리와 같은 사소한 개념에 의해 제한되어서는 안 된다고 주장했습니다. 그는 자신의 작업이 그 구성원들의 아이디어에 명백히 선구적임에도 불구하고 뉴욕 스쿨이라는 개념과 자신을 연관짓기를 거부했습니다.

대신, 토비는 브루스 Lee가 나중에 설명한 것과 같은 접근 방식을 채택했다. 이를 무학교의 학교라고 부르자. 토비는 여행하고, 읽고, 실험하고, 가능한 한 많은 다양한 접근 방식을 배우고, 그 중 효과가 있는 것은 유지하고 효과가 없는 것은 버렸다. 그는 심지어 선불교를 연구하고 일본의 수묵화(Sumi-e)를 마스터했다. 그의 개방성과 탐구는 마크 토비: 빛의 실을 엮다에 포함된 작품 선택에서 분명히 드러나며, 여기에는 그의 수묵화 작품과 함께 이 기법에서 발전한 다양한 그림들이 포함되어 있다. 예를 들어, 도시의 반영은 튀겨진 검은 잉크를 직접적으로 포함하고 있으며, 목재 바론들은 더 섬세하게 수묵화를 참조하여 흰색 글쓰기와 더 연결된 방식으로 표현하고 있다.

마크 토비 - 와일드 필드, 1959, 현대 미술관, 뉴욕, 시드니와 해리엇 자니스 컬렉션

보편적인 미학 언어

그의 민족주의적 또는 지역적 라벨에 대한 경멸을 제외하고, 일부 비평가들이 마크 토비가 미국 미술사에서 많은 작가들에게 궁극적으로 잊혀진 이유 중 또 다른 주요 이유는 그의 명백한 영성에 관한 것이다. 미국 미술계가 비영적인 장소라는 것은 아니다: 분명히 그것은 사실이 아니다. 그러나 마크 토비가 지지한 특정한 영성의 형태는 그를 예술가, 큐레이터, 갤러리스트, 비평가들부터 예술 세계 밖의 사람들까지 거의 모든 사람과 대립하게 만들었다. 토비는 바하이 신앙에 속해 있었다. 일신론적 바하이 종교의 핵심 신념은 모든 인간 종교의 가치와 존엄성에 대한 지속적인 존중이며, 회원들의 목표는 모든 사람의 단합을 통한 지속적인 평화이다. 이것은 합리적인 사람에게 논란의 여지가 없어 보일 수 있지만, 이 종교는 또한 모든 종교가 하나의 신성한 출처에서 나왔으며, 모든 예언자가 동일한 신의 발현이라는 것을 주장한다. 이러한 신념은 기독교, 유대교, 이슬람교를 포함한 거의 모든 주요 종교의 핵심 교리와 모순된다.

미국 미술계에 관해서는, Wassily Kandinsky와 Piet Mondrian이 분명히 그랬듯이 정신에 대해 이야기하는 것이 좋고; Agnes Martin과 많은 다른 이들이 그랬듯이 보편성에 대해 이야기하는 것도 좋으며; Mark Rothko가 그랬듯이 초월과 관조에 대해 이야기하는 것은 훌륭하다. 그러나 종교라는 단어는 사람들을 두렵게 한다. 미국의 기관들은 상업적으로 위협이 될 수 있는 것들을 피한다. 비록 지금은 상황이 다를 수 있지만, 20세기 중반에는 노골적인 종교적 의제가 일반적으로 사업에 좋지 않다고 여겨졌다. 그러나 Mark Tobey는 그런 것에 신경 쓰지 않았다. 그는 자신의 종교적 신념을 언급하는 것을 주저하지 않았고, 그의 예술을 통해 인류가 통일과 평화를 이루는 데 기여할 수 있는 보편적 언어의 창조에 기여하는 것이 그의 목표라고 자주 고백했다. 그러나 이것이 그가 미국에서 소외된 이유인지 여부는 단지 추측일 뿐이다. 다행히도, 고향에서의 무시에도 불구하고 Tobey는 특히 유럽에서 오랜 시간 동안 결실 있는 경력을 누렸으며, 그의 생전에는 존경받았고 오늘날에는 Tachisme와 Art Informel과 같은 운동의 창시자로 여겨진다. Mark Tobey: Threading Light 전시가 이탈리아 베니스의 Peggy Guggenheim Collection에서 2017년 9월 10일까지 열리고 있다.

마크 토비 - 세계, 1959, 개인 소장, 뉴욕

특집 이미지: 마크 토비 - 제목 없음, 수묵 드로잉 (세부), 1944, 알브라이트-녹스 미술관, 버팔로, NY의 마사 잭슨 컬렉션

필립 Barcio