서예와 추상 사이의 훌륭한 관계

서예는 기호와 제스처가 만나는 곳입니다. 서예의 본질은 글쓰기입니다. 서예는 작가의 전통적인 도구인 펜과 잉크, 또는 붓과 물감을 사용합니다. 그러나 글쓰기의 목적은 표준 언어 형식을 통해 미리 정해진 의미를 전달하는 것입니다. 서예가는 고정된 생각을 전달하기 위해 단순히 단어를 쓰지 않습니다. 서예가는 펜이나 붓을 온몸과 온 정신의 연장으로 사용합니다. 서예의 흔적은 물리적인 것뿐만 아니라 형이상학적인 것을 전달해야 합니다. 정신은 몸에 영향을 미쳐야 하며, 몸은 통일된 제스처로 움직여야 하며, 몸과 정신의 에너지를 팔로, 손으로, 펜으로, 그리고 마지막으로 흔적에 전달해야 합니다. 서예는 수천 년 동안 존재해 왔으며, 전 세계 여러 문화에서 독립적으로 나타났습니다. 일부 문화에서는 서예에 대해 매우 경건한 존경이 주어져, 서예적 글쓰기와 신성한 힘 사이에 직접적인 연결이 이루어집니다. 객관적인 의미를 넘어 미지의 영역으로 의미를 전달하는 전통을 가진 서예가 많은 추상 예술가들에게 매력적으로 다가온 것은 놀라운 일이 아닙니다. 특히 제스처와 선의 소통력에 관심이 있는 예술가들에게 더욱 그렇습니다.

고대의 의미와 제스처

서예를 생각하는 단순한 방법은 그것이 매우 장식적인 글쓰기의 한 형태라는 것입니다. 많은 서예가들은 사실 고전 영어 글쓰기, 고대 라틴 글쓰기, 아랍 글쓰기 또는 동아시아 글쓰기와 같은 특정 화려한 글꼴 스타일을 전문으로 합니다. 그러나 서예적 제스처 뒤에 있는 정신은 단순히 기존의 글꼴이나 폰트를 복사하는 것이 아닙니다. 그것은 장식적일 수 있지만 쉽게 읽을 수 있는 글자를 쓰는 타이포그래피의 영역입니다. 서예는 개인적인 제스처와 기호 자체에 내재된 것 이상의 의미를 글쓰기를 통해 표현하는 것에 더 가깝습니다.

4세기 라틴어 서예, 베르길리우스의 아이네이스 사본, 사진 제공: 바티칸 도서관

서예 전통이 미지의 것을 표현하려는 정도는 그것이 유래한 문화에 따라 다릅니다. 고대 라틴 서예는 표현적인 예술 형태라기보다는 전통적인 서체에 더 가깝습니다. 그러나 라틴 서예의 각 글자에는 기호의 끝에 부착된 세리프, 즉 작고 표현적인 선이 포함되어 있습니다. 세리프는 페이지에서 펜의 끝을 빠르게 들어올리는 물리적 제스처에 의해 생성됩니다. 세리프에는 서예가의 미세하지만 중요한 개인적 표현이 담겨 있습니다. 그 미세함을 아랍 서예의 표현적인 매력과 비교해 보십시오. 아랍 서예의 다섯 가지 뚜렷한 형태 중 가장 극적인 모습은 Thuluth로, 이는 대략 "삼분의 일"로 번역되며, 쓰여진 기호의 비율과 관련이 있습니다. Thuluth와 관련된 가장 위대한 예술가는 무스타파 라킴(1757–1826)으로, 그의 서예 작품은 비례적 이상을 달성하여 큰 정밀성을 보여주면서도 최대의 에너지를 표현했습니다.

무스타파 라킴의 쿨루스 스타일 아랍 서예 예시

제스처 추상화

고대 전통에 기반하여, 서예 전통이 추상 예술가들에게 관련성을 지니는 것은 자연스러운 일이다. 추상의 시작부터, 적어도 서구 전통에서, 많은 추상 예술가들의 작업에서 반복적으로 나타나는 두 가지 보완적이지만 뚜렷한 경향이 있었다. 하나의 경향은 정밀함을 향하는 것으로, 기하학적 추상, 격자, 수학적 패턴 등이 있다. 다른 경향은 자유로움을 향하는 것으로, 충동적인 흔적, 직관적인 제스처, 무의식적인 글쓰기, 생물형태 등이 있다. 서예는 이 두 가지를 모두 포함하는 공간에 존재한다. 그것은 체계적이면서도 직관, 충동성, 무의식적인 개입을 초대한다.

바실리 칸딘스키의 많은 추상화는 어떤 의미에서 서예적 정신의 완벽한 표현입니다. 이들은 보편적인 기하학적 형태와 모양을 포함하고 있기 때문에 때때로 기하학적 추상화라고 불립니다. 또한 자발적이고 자유로운 생물형 선의 사용 덕분에 서정적 추상화와 제스처 추상화라고도 불립니다. 그들의 곡선과 표시는 특히 동아시아와 아랍 전통의 고대 서예에서 볼 수 있는 것과 상관관계가 있습니다. 그들의 기하학적 요소는 안정성과 통제를 표현하는 반면, 그들의 제스처적이고 서정적인 요소는 미지의 에너지와 인간 정신의 역동성을 표현합니다.

Wassily Kandinsky - Transverse Line, 1923, Oil on canvas, 55.1 × 78.7 in, 140.0 × 200.0 cm © Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Germany

서예와 추상 표현주의자들

제2차 세계 대전 이후, 내면의 자아와 더 깊은 연결을 형성하는 아이디어는 많은 예술가들에게 중대한 관심사였다. 특히, 추상 표현주의와 관련된 예술가들은 자신을 더 깊고, 더 직관적이며, 더 정직한 방식으로 표현할 수 있게 해줄 철학이나 전통을 조사하는 데 관심이 있었다. 서예의 전통은 이러한 예술가들이 만든 작업의 많은 부분에 영향을 미쳤으며, 이는 신체성, 감정, 정신 및 고대의 사고를 물리적 표출의 표현으로 결합하는 틀을 제공했다.

프란츠 클라인은 서예에서 가장 직접적으로 영감을 받은 추상 표현주의 화가로 두드러집니다. 그는 전화번호부 페이지에 검은 잉크로 주제를 무수히 스케치한 것으로 알려져 있습니다. 스케치는 잉크로 빠르게 그려졌으며, 동아시아 서예의 한자와 여러 면에서 유사했습니다. 전설에 따르면, 그의 친구인 화가 윌렘 드 쿠닝이 그의 작은 그림 중 하나를 프로젝터로 확대했습니다. 클라인은 확대된 자국의 힘을 보고 서예적 자국의 내재된 에너지와 소통 가능성을 이해했습니다. 그의 자국은 더 이상 주제와 관련될 필요가 없었고, 그 자체로 감정적인 힘이 될 수 있었습니다. 그 이후로 클라인은 대작을 작업하며 빠르게 만들어진 것처럼 보이는 자국의 웅장한 그림을 만들었지만, 사실 그것은 긴 시간에 걸친 신중한 과정의 결과였습니다. 서예적 자국의 에너지를 힘든 과정을 통해 전달하는 그의 능력은 그의 경력에서 가장 놀라운 성취 중 하나로 남아 있습니다.

Franz Kline - Mahoning, 1956, Oil and paper on canvas, 80 3/8 × 100 1/2 in, 204.2 × 255.3 cm, Courtesy of the Whitney Museum of Art © Franz Kline, Artists Rights Society (ARS), New York

신화적 글쓰기

많은 다른 추상 예술가들이 기본적인 서예 기법을 분해하여 새로운 신화적 글쓰기 형태를 창조하는 혁신적인 방법을 발견하고 계속해서 발견하고 있습니다. 제스처, 선, 에너지 및 패턴을 사용하여 그들은 다양한 감정 상태를 불러일으키고 전달할 수 있는 새로운 시각 언어를 만듭니다. 여기 우리의 좋아하는 것들 중 일부가 있습니다:

Cy Twombly - Untitled I (Bacchus), 2005, Acrylic on canvas, © Cy Twombly

사이 톰블리

미국 화가 Cy Twombly는 서예의 전통을 사용하여 글쓰기의 이미지 생성 가능성을 해체했습니다. 그의 그림은 쓰여진 선을 사용하여 때때로 낙서와 한자의 일부처럼 보이는 의사소통 이미지를 만들어내지만, 모두 제스처와 감정으로 가득 차 있습니다. 이 기법을 탐구하는 초기에는 자신의 흔적의 상징적 성격에 더 집중하여 구조화된 구성을 만들었습니다. 그가 더 자유롭고 실험적으로 변해감에 따라, 그는 서예적 충동이 더 추상적인 필기체 스타일로 나타나도록 허용했으며, 이것이 그의 상징적인 "낙서"로 알려지게 되었습니다.

Cy Twombly - Untitled, 1951, Acrylic on canvas, © Cy Twombly

브라이스 마든

1970년대 중반에 단색화 화가로 이미 유명했던 브라이스 마든은 시가가 적힌 두루마리의 중국 서예를 접한 후 자신의 미학을 재창조했습니다. 콜드 마운틴 페인팅스라는 시리즈에서 마든은 추상 기호의 직관적인 서예 기둥을 만들었습니다. 9세기 콜드 마운틴 시를 쓴 한산이라는 중국 승려가 그의 미학적 접근에 영감을 주었습니다. 이 그림들은 시처럼 자유, 본능, 자연과의 연결, 조화로운 시스템의 아름다움을 표현합니다.

Melissa Meyer

3세대 추상 표현주의 화가 Melissa Meyer는 그녀의 구성에서 서예의 정신과 미학을 통합하여 추상 기호의 층을 통해 구조와 본능의 상호 보완적인 힘을 드러냅니다. 각 표식과 제스처는 기호, 형태 및 패턴으로 읽힐 수 있는 것을 향해 쌓여갑니다. 그러나 작품의 에너지와 움직임이 전면에 드러납니다. 그녀의 제스처 표식에 대한 해석은 궁극적으로 역동적인 힘과 균형의 감정적 번역을 요구합니다.

Melissa Meyer - Regale, 2005, Oil on canvas, © Melissa Meyer

Margaret Neill

곡선과 선의 요소는 모든 서예 예술의 기초를 형성하며, 미국 예술가 Margaret Neill의 작업의 기초도 형성합니다. 그녀의 그림은 서예적 표식의 가장 표현적인 요소인 서정적 제스처를 고립시키고, 이를 공간의 선으로 이루어진 층이 있는 구성의 창조에 통합합니다. 그녀의 제스처 구성의 깊이는 객관적인 해석을 혼란스럽게 하며, 서체의 본질에 도전하지만 고대 서예 전통의 본질을 구현하는 역동적이고 에너제틱한 잠재력을 포용합니다.

Margaret Neill - Manifest 1, 2015, Charcoal and water on paper

특집 이미지: Melissa Meyer - 앰배서드 (세부), 2007, 핫 프레스 종이에 수채화, © Melissa Meyer
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio