서정적 추상주의 정의하기

Lyrical Abstraction은 스스로 정의되는 듯한 용어이지만, 여러 세대에 걸쳐 그 기원과 의미에 대해 논쟁이 있어 왔습니다. 미국의 미술 수집가 래리 올드리치는 1969년에 이 용어를 사용하여 미니멀리즘 이후 개인적 표현과 실험의 회귀를 알리는 다양한 작품들의 성격을 정의했습니다. 그러나 프랑스 미술 평론가 장 조제 마르샹은 1947년에 이 용어의 변형인 Abstraction Lyrique를 사용하여 미국의 추상 표현주의와 유사한 유럽에서 새롭게 떠오르는 회화 경향을 언급했습니다. 두 용례 모두 객관적 현실과 무관한 자유롭고 감정적이며 개인적인 구성을 특징으로 하는 예술을 가리켰습니다. 그러나 이러한 경향은 적어도 20세기 초반 바실리 칸딘스키의 작품까지 거슬러 올라갑니다. 진정한 Lyrical Abstraction의 뿌리와 의미를 밝히고 그 예술적 경향과 상호작용하는 방법을 이해하려면 추상미술의 초기 시기로 돌아가야 합니다.

Lyrical Abstraction에서의 서정성

1910년대에 여러 예술가 집단이 각기 다른 관점에서 추상미술에 도전하고 있었습니다. 입체파와 미래파 예술가들은 현실 세계의 이미지를 개념적으로 변형하여 추상적 아이디어를 표현했습니다. 절대주의와 구성주의 예술가들은 인식 가능한 형태를 사용하되 모호하거나 상징적인 방식, 또는 보편성을 전달하려는 방식으로 작업했습니다. 그러나 또 다른 예술가 집단은 완전히 다른 관점에서 추상미술에 접근했습니다.

바실리 칸딘스키가 대표하는 이 집단은 자신들이 그린 것에 어떤 의미가 있을지 알지 못한다는 관점에서 추상에 접근했습니다. 그들은 미적 기준이나 객관적 세계에 대한 선입견 없이 자유롭게 그림을 그림으로써 미지의 무언가를 표현할 수 있기를 바랐습니다. 칸딘스키는 자신의 그림을 음악 작품에 비유하며, 음악이 완전히 추상적인 방식으로 감정을 전달하는 것처럼 자신의 그림도 그러하다고 했습니다. 그의 추상화는 상상력 넘치고, 감정적이며, 표현적이고, 개인적이며, 열정적이고 완전히 주관적이었으며, 다시 말해 서정적이었습니다.

Wassily Kandinsky - 구성 6, 1913년. 캔버스에 유화. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). 에르미타주 미술관, 상트페테르부르크

전후 서정적 추상미술

칸딘스키의 서정적 추상미술은 1920~30년대의 다른 많은 추상미술 경향과 대조를 이뤘습니다. 그의 예술은 특정 종교와 직접 연결되지는 않았지만, 뚜렷한 영적 성격을 지녔습니다. 데 스틸, 아르 콩크레트, 초현실주의와 같은 양식에 속한 다른 예술가들은 세속적이고 객관적이며 학문적인 해석이 가능한 작품을 만들었습니다. 칸딘스키는 완전히 정의하거나 설명할 수 없는 무언가를 추구했습니다. 그는 우주의 신비와 개인적으로 연결된 감정을 개방적으로 표현했습니다. 마치 영적 실존주의를 창조한 것과 같았습니다.

실존주의는 제2차 세계대전 이후 삶의 무의미함을 이해하려 애쓰던 시기에 부상한 철학입니다. 비판적 사상가들은 자신들이 목격한 파괴를 허용하는 고등 존재가 있을 수 없다고 믿었습니다. 그러나 신의 부재가 명백해 보이는 상황에서 허무주의에 빠지기보다는, 실존주의자들은 삶의 전반적 무의미함을 극복하고 개인적 의미를 찾으려 했습니다. 실존주의 작가 장 폴 사르트르는 1943년 저서 존재와 무에서 “인간은 자유에 처형당했다; 그는 자신이 하는 모든 일에 책임이 있다”고 썼습니다. 본질적으로 개인적인 것을 찾는 것이 실존주의의 핵심이었으며, 제2차 세계대전 이후 서정적 추상미술의 광범위한 재등장과도 맞닿아 있습니다.

Wassily Kandinsky - 최후의 심판, 1912년. 개인 소장

다른 이름들로 불리며

1940~50년대에 주관적 개인 표현을 예술 의미 전달의 기초로 삼는 다양한 추상미술 운동이 등장했습니다. Abstraction Lyrique, 아르 앙포르멜, 타시즘, 아르 브뤼, 추상 표현주의, 색면화, 심지어 개념미술과 행위예술까지 어느 정도는 같은 실존적 탐구에서 비롯되었습니다. 이 시기의 가장 영향력 있는 미술 평론가 중 한 명인 해롤드 로젠버그는 “오늘날 각 예술가는 스스로를 발명해야 한다...우리 시대 예술의 의미는 이 자기 창조의 기능에서 나온다”고 썼습니다.

그러나 다음 세대와 함께 문화가 변하면서 이러한 실존적 경향은 인기를 잃었습니다. 그리고 다시 한 번 미니멀리즘으로 대표되는 감정이 배제된 구체적이고 기하학적인 추상미술이 그 자리를 차지했습니다. 그러나 모든 예술가가 서정적 전통을 버린 것은 아니었습니다. 1960년대 말에는 다시 흐름이 바뀌었습니다. 1969년 래리 올드리치가 Lyrical Abstraction이라는 용어를 다시 만든 것처럼, “지난 시즌 초, 회화에서 기하학적이고 단단한 선과 미니멀한 경향에서 벗어나 부드럽고 생기 있는 색채의 서정적이고 감각적이며 낭만적인 추상으로 움직임이 나타났습니다...이 유형의 회화에서는 스프레이 건, 스펀지 또는 다른 도구로 그렸더라도 항상 작가의 손길이 보입니다.”

Jean-Paul Riopelle - 구성, 캔버스에 유화, 1954년. © Jean-Paul Riopelle

현대의 서정적 추상미술

예술 운동에서 흔히 그렇듯, Lyrical Abstraction을 정의하는 경향은 용어가 만들어지기 이전부터 존재했습니다. 20세기 초반 바실리 칸딘스키, 알베르토 자코메티, 장 포트리에, 폴 클레, 볼스 같은 예술가들이 처음으로 서정적 경향을 추상에 담았습니다. 그리고 수십 년 후 조르주 마티외, Jean-Paul Riopelle, 피에르 술라주, Joan Mitchell 등이 이를 이어갔습니다. 1960~70년대에는 헬렌 프랭켄탈러, 줄스 올리츠키, Mark Rothko 등 수많은 예술가가 이 입장을 되살리고 확장했습니다.

2015년, 현대 서정적 추상미술에서 가장 매혹적인 목소리 중 하나였던 스페인 예술가 로랑 히메네스-발라게르가 세상을 떠났습니다. 그러나 그 개념, 이론, 기법은 오늘날에도 강력하게 나타나고 있습니다. 예를 들어, 서정적이고 얽힌 선들의 본능적 구성이 관람객을 개인적 의미의 주관적 참여로 초대하는 Margaret Neill의 작품, 그리고 평생에 걸쳐 지속되는 개인적 미학적 대화를 재즈 음악과 함께 생생하게 표현하는 Ellen Priest의 작품이 그렇습니다. 이 모든 예술가를 하나로 묶는 공통점은 Lyrical Abstraction의 근본적 탐구, 즉 개인적이고 주관적이며 감정적인 무언가를 시적이고 추상적인 방식으로 표현하려는 것입니다.

Ellen Priest - 돌고래 춤 연구 15.

대표 이미지: Margaret Neil - Switchback (세부).
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작품