서정적 추상주의 정의하기

서정적 추상화는 겉보기에는 자가 정의적인 용어처럼 보이지만, 세대에 걸쳐 그 기원과 의미에 대한 논쟁이 있어왔다. 미국의 미술 수집가 래리 올드리치는 1969년에 미니멀리즘 이후 개인적 표현과 실험으로의 복귀를 나타내는 다양한 작품의 본질을 정의하기 위해 이 용어를 사용했다. 그러나 프랑스의 미술 비평가 장 호세 마르샹은 수십 년 전인 1947년에 이 용어의 변형인 '아브스트랙시옹 리리크'를 사용하여 미국의 추상 표현주의와 유사한 유럽의 신흥 화풍을 언급했다. 이 용어의 두 가지 사용은 객관적 현실과 무관한 자유롭고 감정적이며 개인적인 구성으로 특징지어진 예술을 지칭했다. 그러나 이러한 경향은 20세기 초 첫 번째 10년으로 거슬러 올라가며 바실리 칸딘스키의 작업까지 추적할 수 있다. 서정적 추상화의 진정한 뿌리와 의미를 밝혀내고, 예술에서 그 경향과 상호작용하는 방법을 이해하기 위해 우리는 추상 미술의 초기 시절로 돌아가야 한다.

서정적 추상화에 서정성을 담다

1910년대에 여러 다른 예술가 그룹들이 각기 독특한 관점에서 추상화와 flirt하고 있었습니다. 입체파와 미래파 예술가들은 현실 세계의 이미지를 가지고 작업하며, 그것을 개념적으로 변형하여 추상적인 아이디어를 표현했습니다. 최고주의와 구성주의 예술가들은 그들의 예술에서 인식 가능한 형태를 사용하고 있었지만, 그것을 모호하거나 상징적인 방식으로 사용하거나 보편성을 전달하려고 시도하는 방식으로 사용했습니다. 그러나 또 다른 예술가 그룹은 나머지와는 완전히 다른 관점에서 추상화에 접근하고 있었습니다.

바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)에 의해 전형화된 이 그룹은 그들이 그린 것에 어떤 의미가 있을지 모른다는 관점에서 추상화를 접근했습니다. 그들은 미적 개념이나 객관적 세계에 대한 선입견 없이 자유롭게 그림을 그림으로써, 그들의 작업을 통해 알려지지 않은 무언가를 표현할 수 있기를 희망했습니다. 칸딘스키는 자신의 그림을 감정을 완전히 추상적인 방식으로 전달하는 음악적 구성에 비유했습니다. 그의 추상화는 상상력이 풍부하고, 감정적이며, 표현력이 뛰어나고, 개인적이며, 열정적이고, 완전히 주관적이었습니다; 다시 말해, 서정적이었습니다.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

전후 서정적 추상화

칸딘스키의 서정적 추상화는 1920년대와 30년대의 다른 많은 추상 미술 경향과 대조를 이루었다. 그의 예술은 특정 종교와 특별히 연관되지 않았지만, 그 안에는 명백히 영적인 무언가가 있었다. 드 스틸, 아트 콘크리트, 초현실주의와 같은 스타일과 연관된 다른 예술가들은 세속적이고 객관적이며 학문적인 해석에 적합한 예술을 만들고 있었다. 칸딘스키는 결코 완전히 정의되거나 설명될 수 없는 무언가를 추구하고 있었다. 그는 우주의 신비와의 개인적인 연결을 개방적인 방식으로 표현하고 있었다. 마치 그는 일종의 영적 실존주의를 발명한 것과 같았다.

실존주의는 제2차 세계 대전 이후에 두드러진 철학으로, 사람들이 삶의 무의미함을 이해하기 위해 고군분투하던 시기에 등장했습니다. 비판적 사상가들은 자신들이 목격한 파괴를 허용할 수 있는 더 높은 힘이 존재할 수 있다고 믿지 못했습니다. 그러나 신의 명백한 부재 속에서 허무주의에 빠지기보다는, 실존주의자들은 개인적인 의미를 추구함으로써 삶의 전반적인 무의미함을 극복하려고 시도했습니다. 실존주의 작가 장-폴 사르트르가 1943년 그의 저서 존재와 무에서 쓴 것처럼, “인간은 자유로워질 운명에 처해 있으며, 그는 자신이 하는 모든 것에 책임이 있다.” 개인적으로 본질적인 것을 찾는 것이 실존주의에 있어 가장 중요했으며, 또한 제2차 세계 대전 이후 서정적 추상화의 광범위한 재출현에도 중요했습니다.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

다른 이름으로

1940년대와 50년대에 걸쳐, 주관적인 개인 표현을 예술에서 의미를 표현하는 기초로 삼는 많은 추상 미술 운동들이 등장했습니다. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, 추상 표현주의, Color Field 미술, 그리고 개념 미술과 퍼포먼스 미술까지, 어느 정도는 모두 같은 일반적인 존재론적 탐구로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 이 시기의 가장 영향력 있는 미술 비평가 중 한 명인 해롤드 로젠버그는 이렇게 썼습니다. “오늘날, 각 예술가는 자신을 발명해야 한다...우리 시대의 예술의 의미는 이 자기 창조의 기능에서 흐른다.”

하지만 다음 세대와 함께 문화가 변화하면서 이러한 존재론적 경향의 예술은 인기를 잃게 되었습니다. 그리고 다시 한 번 감정이 없는, 구체적이고 기하학적인 접근 방식이 추상 예술에 자리 잡게 되었고, 이는 미니멀리즘으로 대표됩니다. 그러나 모든 예술가들이 서정적 전통을 포기한 것은 아닙니다. 1960년대 말까지 상황은 다시 한 번 바뀌었습니다. 1969년 서정적 추상이라는 용어를 재정의한 래리 올드리치가 지적했듯이, “지난 시즌 초기에 회화에서 기하학적이고 단단한 경계, 미니멀리즘에서 더 서정적이고 감각적이며 낭만적인 색조의 추상으로의 움직임이 뚜렷해졌습니다. 이 색조는 더 부드럽고 생동감이 있었습니다… 이 유형의 회화에서는 예술가의 손길이 항상 보이며, 비록 회화가 스프레이 건, 스펀지 또는 다른 물체로 이루어졌더라도 그렇습니다.”

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

현대 서정적 추상화

예술의 움직임에서 종종 그렇듯이, 서정적 추상성을 정의하는 경향은 이 용어가 만들어지기 이전에 존재했음이 분명하다. 20세기 초반에 바실리 칸딘스키, 알베르토 자코메티, 장 포트리에, 폴 클레, 그리고 볼스와 같은 예술가들이 처음으로 추상에서 서정적 경향을 구현했다. 그리고 수십 년 후, 조르주 마튀, 장-폴 리오펠, 피에르 수랄주, 그리고 조안 미첼과 같은 예술가들이 이를 이어갔다. 그런 다음 1960년대와 70년대 후반에 헬렌 프랑켄탈러, 줄스 올리츠키, 마크 로스코와 수십 명의 다른 예술가들이 이 입장의 중요성을 재활성화하고 확장시켰다.

2015년, 현대 서정적 추상화에서 가장 매혹적인 목소리 중 하나인 스페인 아티스트 로랑 지메네즈-발라게르가 세상을 떠났습니다. 그러나 그의 개념, 이론 및 기법은 오늘날 Margaret Neill와 같은 아티스트들의 작업에서 강력한 방식으로 여전히 나타나고 있습니다. 그녀의 본능적인 서정적이고 얽힌 선들의 구성은 관객을 개인적인 의미의 주관적 참여로 초대하며, Ellen Priest의 작업은 재즈 음악과의 평생에 걸친 개인적인 미적 대화를 생생하게 만들어냅니다. 이러한 모든 아티스트들을 하나로 묶는 공통된 유대는 서정적 추상의 근본적인 탐구입니다: 개인적이고 주관적이며 감정적인 무언가를 표현하고, 그것을 시적이고 추상적인 방식으로 수행하는 것입니다.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

특집 이미지: 마가렛 닐 - 스위치백 (세부사항).
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio