Ellen Priest와의 인터뷰

Ellen Priest는 30년 넘게 생동감 넘치는 추상 콜라주 회화로 미술계에 자신의 흔적을 남겼습니다. 그녀의 경력 초반부터 세잔의 영향을 받았고, 1990년대부터는 재즈에 영향을 받아 다양한 재즈 곡들의 움직임과 복잡한 리듬을 선명한 색채의 붓질로 포착하려 노력해왔습니다. IdeelArt는 그녀의 작업 과정에 대해 이야기 나누며 그녀의 영향과 음악에 대한 열정을 엿볼 수 있었습니다.

“세잔: 후기 작품들”이라는 제목의 전시회, 특히 그의 후기 수채화 작품들이 현대미술관에서 전시된 것에 큰 영향을 받았다고 하셨는데요. 그의 스타일이 여전히 당신의 작품에 영향을 미치고 스며들고 있나요?

네, 물론입니다. 재미있는 점은, 젊었을 때 그런 통찰을 얻는 경우가 있는데, 저에게는 이게 오래도록 남았어요. 그때 저는 이것이 큰 의미가 있다는 것을 알 수 있었습니다. 필라델피아 미술관에는 세잔의 후기 풍경화가 있는데, 머리를 맑게 하거나 영감을 얻거나 무언가를 해결해야 할 때마다 그 작품을 보러 갑니다. 그 풍경화 앞에 서서 해결책을 찾을 때까지 머뭅니다. 그의 후기 작품은 30년 넘게 꾸준한 영향이 되어왔습니다. 제가 생각하기에 그는 색을 다루는 방법을 알아냈고, 많은 사람들이 깨닫지 못하는 점은 특정 색을 어디에 배치하느냐가 본질적으로는 그림 그리기라는 것입니다. 세잔은 공간 속 사물들이 떠 있는 방식을 이해하는 방법을 가지고 있었습니다. 그의 사고방식은 제 것과 맞닿아 있는 것 같습니다. 형태가 나타났다가 사라지고, 다시 나타났다 사라지기를 반복하며 그림이 숨 쉬는 듯한 착각을 줍니다. 그 작품을 처음 봤을 때만큼이나 여전히 마법 같습니다.

솔직히 저는 운이 좋다고 생각합니다. 그의 작품의 힘과 탁월함을 말해주는 것 같아요. 저에게 그는 지오토가 원근법과 공간 속 인물 표현에서 그랬던 것처럼 중요한 전환점이었습니다. 만약 500년 후로 점프할 수 있다면, 사람들은 여전히 세잔을 전환점으로 이야기할 것 같아요. 제가 어릴 때부터 매료되었던 추상 표현주의는 지금도 저에게 강력합니다. 일찍 그것을 이해하고 맞닥뜨린 것이 행운이라고 생각합니다. 시각적으로 저에게 강력한 것이 무엇인지 깨달았던 거죠.

작업 과정에 대해 말씀해 주실 수 있나요? 어떤 재료와 기법을 사용하시나요?

저는 종이를 사용합니다; 모든 작업이 종이 위에 이루어집니다. 제가 사용하는 물감은 플래시와 유성 물감입니다. 플래시는 비닐 기반의 수용성 물감으로, 수채화나 과슈처럼 안료를 담아냅니다. 아크릴처럼 색이 약간 갈색으로 변하지 않습니다. 유성 물감과 매우 잘 어울립니다. 색감은 약간 다르지만 공간 안에서 잘 어우러집니다. 연필도 많이 사용합니다. 종이는 매우 두꺼운 프랑스 수채화용 종이와 두 가지 두께의 캉손 트레이싱 벨럼으로 구성됩니다. 하나는 오팔룩스라는 매우 두꺼운 종이이고, 다른 하나는 더 얇으며 둘 다 보존성이 뛰어납니다. 지난 15년간 보스턴에 있는 박물관 보존 전문가인 짐과 조안 라이트 부부와 많이 작업했는데, 그분들이 이 과정을 지도해 주셨습니다. 짐은 이런 종류의 종이에 유성 물감을 문제없이 사용하는 법을 가르쳐 주었어요. 오랫동안 이 작업을 해왔고, 작품도 잘 유지되고 있습니다; 문제는 없었습니다. 저는 또한 MSA 젤을 접착제로 사용하며, 레이어 조각들을 라미네이트하지 않고 부분적으로 붙입니다. 젤이 굳도록 무게를 올려놓는데, 마르는 데 약 일주일 걸립니다.

한 시리즈에 1년에서 5년까지 작업한다고 하셨는데, 어떻게 동기를 유지하고 지치지 않으시나요?

제 작업 과정은 꽤 길지만 다양합니다. 음악의 소리와 움직임을 처음 접하는 붓 연습부터 시작합니다. 붓 연습은 30초 정도 지속되고, 점차 두껍고 층층이 쌓인 작품으로 발전합니다. 과정이 수년간 진화해왔고 저에게 잘 맞기 때문에 어려움이 없습니다. 이 과정은 제가 매우 편안하게 사용하는 언어가 되었지만, 항상 도전이기도 합니다. 어느 순간부터는 프로가 되어 하루 기분이 어떻든 상관없이 일해야 할 때가 옵니다. 저는 수영을 하고 스무디를 마신 후 작업에 들어갑니다. 머리가 집중되지 않을 때도 여러 방법으로 마음을 작업에 들일 수 있다는 것을 배웠습니다. 보통 다음 날 해야 할 일을 전날에 미리 알고 있습니다. 색 관계를 고민할 때는 그냥 앉아서 보고, 색 견본을 계속 바꿔가며 공간에서 어떻게 작용하는지 봅니다. 음악도 틀어놓습니다. 그래서 마음과 정신이 꼭 거기에 있지 않아도 과정이 저를 이끌어 주는 경우가 있습니다. 그런 규율은 세월과 함께 생겨납니다.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 전면 연습화, 2013년. 종이에 과슈. 106.68 x 106.68 cm.

작품의 내용과 주제는 어떻게 선택하시나요?

주제와 내용은 매우 다릅니다. 내용은 최종 결과물이나 작품을 볼 때 느끼는 감정입니다. 주제는 재즈입니다. 의식적인 주제를 가진 추상 화가는 매우 드뭅니다. 저는 아주 일찍부터 외부 주제 없이는 이미지를 신선하게 유지할 수 없다는 것을 알았습니다. 그 점에서 약 10년간 고심했습니다. 결국 재즈를 들으면서 해결책을 찾았습니다. 스키 타러 버몬트로 가는 길에 지역 NPR 방송을 듣고 있었는데, 도미니카 출신 재즈 피아니스트 미셸 카밀로의 곡이 나왔습니다. 그때 갑자기 머릿속에 떠오르는 공간들이 그의 음악 속 공간과 일치한다는 것을 깨달았습니다.

그것이 1990년이고, 그때부터 재즈와 작업해왔습니다. 의식적인 주제입니다. 그리고 그로부터 이미지를 어떻게 발전시킬지 몇 년이 걸렸습니다. 드 쿠닝은 자신을 추상 화가로 보지 않았고, 끊임없이 인물과 풍경, 때로는 정물을 바라보았습니다. 조안 미첼은 제가 존경하는 또 다른 아이콘으로, 추상 표현주의 화가로서 매우 긴 경력을 가졌고, 그것은 정말 힘든 일입니다. 그녀는 풍경과 시에서 영감을 받았고, 시인 친구들이 많았는데 그중 한 명이 존 애쉬버리였으며, 그의 시를 “그림으로 표현”하기도 했습니다. 드 쿠닝과 미첼은 경력 내내 이 제스처 표현주의 화풍을 유지한 몇 안 되는 화가들입니다.

미술계에서 어떻게 활동하고 계신가요?

잘하지는 못합니다. 저는 사업가로서의 태도와 전문성은 갖추었지만, 그 부분에서 크게 성공했다고 느끼지 않습니다. 아직도 열심히 노력하는 분야입니다. 가장 큰 어려움은, 많은 미술을 보는 사람들이 제 작품은 직접 봐야 한다고 말한다는 점입니다. 게다가 작품이 독특하다고 합니다. 아무도 이런 방식으로 재료를 다루거나 바라보지 않습니다. 독특함은 장점이지만 단점이기도 합니다. 왜냐하면 어떤 사람들은 이런 작품을 본 적이 없어서 공감하기 어렵기 때문입니다.

작품에 큰 영향을 준 재즈 음악의 리듬과 지적 엄격함에 대해 말씀하셨는데, 현재 작업에 영감을 주는 음악은 무엇인가요?

사실 저는 새 프로젝트를 시작하기 1~2년 전에 미리 듣기 시작합니다. 제 프로젝트는 1년에서 5년까지 걸리기 때문에, 오랜 시간 작업할 곡이라면 좋아해야 합니다! 그렇지 않으면 큰일 나죠. 지금 막 Jazz Cubano 시리즈를 마무리하고 있는데, 아프로-쿠바 재즈를 좋아해서 도전했습니다. 리듬이 너무 복잡해서, 가장 단순한 조각들—한 번에 한 가지 타악기 소리씩—로 쪼개서 다시 쌓아 올리는 방법밖에 없다는 것을 깨달았습니다. 정말 재미있는 시리즈였습니다. 가을이 끝나기 전에 꼭 마무리할 예정이고, 그 다음에는 시카고 출신 피아니스트 겸 작곡가 라이언 코한의 CD 길이 작품인 The River를 시작할 예정입니다.

아름다운 곡이고, 8개의 섹션이 매우 정성스럽게 쓰여 있습니다. 각 섹션 사이에는 즉흥 피아노 부분이 있는데, 상징적으로 강을 나타냅니다. 그는 아프리카 여행을 위한 지원금을 받았고, 에드워드 사이먼의 베네수엘라 모음곡을 5년간 작업할 때 지원했던 챔버 뮤직 아메리카가 이 곡도 지원했습니다. 라이언은 아프리카 리듬과 그 외 자신이 받은 모든 영향을 융합해 정말 자신만의 음악을 만들었습니다. 이 곡은 매우 잘 소화되고 혁신적인 음악입니다. 지적이면서도 감정의 폭이 넓습니다. 저는 감정과 지성 모두에 끌리는 경우가 많습니다. The River가 정말 기대됩니다. 늦가을이나 연말 전에 시작할 예정입니다.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008년. 종이, 유성 물감, 플래시, 연필, MSA 젤. 106.68 x 106.68 cm.

가장 자랑스러운 작품은 무엇이며 그 이유는 무엇인가요?

제가 가장 만족하는 작품은 두 가지 그룹에 속합니다: 하나는 베네수엘라 모음곡 시리즈의 마지막 몇 점으로, 복잡함과 단순함을 동시에 만족스럽게 표현할 수 있었습니다. 음악의 속도를 잃지 않고 포착할 수 있었죠. 또 하나는 Jazz Cubano 시리즈의 드로잉입니다. 매우 간결하지만 강렬한 힘이 있습니다. 이 두 그룹이 제가 매우 자랑스러워하는 작품들입니다. 특정 작품을 꼽자면 딱히 말하기 어렵네요.

작품이 완성되었다고 느끼는 순간은 언제인가요?

작품을 볼 때마다 각 단계에서 그 결정을 내려야 한다고 생각합니다. 더 이상 하고 싶은 것이 없거나, 더 하면 지나치다고 느껴질 때 완성되었다고 압니다. 보통은 잠시 두고 봅니다. 때로는 바로 무엇을 해야 할지 알지만, 때로는 시간이 걸리기도 합니다. 움직임이 없는 부분이 있으면 그것을 움직이게 할 방법을 찾으려 합니다. 종종 그것은 그 부분 자체가 아니라 그림의 다른 요소를 조정해야 할 때가 있습니다. 보통은 잠을 자고 생각해 봅니다. 완성되었다고 생각해도 기다립니다. 접착 전에 이런 결정을 내려야 합니다. 작품의 가장자리를 다듬을 때 가끔 예상치 못한 일이 생기는데, 항상 좋은 것은 아닙니다. 때때로 조각들을 맞추었는데 기대와 다를 때도 있습니다. 가장자리를 다듬은 후 작품의 균형이 깨져서 감정의 폭이 줄어들어 작품을 잃을 수도 있습니다.

작업 공간이 작업 과정에 어떤 의미가 있으며, 어떻게 공간을 활용하시나요?

저는 1890년대 지어진 오래된 3층 집, 이른바 트윈 하우스에 살고 있습니다. 북쪽 창문이 있는 3층 공간이고, 코너에 위치해 있어 빛이 아주 풍부합니다. 1층 전체를 작업실로 사용하며 주방만 제외합니다. 2층에는 사무실과 거실이 있고, 3층에는 접착과 보관 공간이 있습니다. 충분할 뿐 아니라 좋은 공간을 갖고 있어 작업에 큰 도움이 됩니다. 영구적이고 넉넉한 공간을 갖는 것은 제 작업에 큰 축복이었습니다. 정착해서 제대로 작업할 수 있게 된 것이 놀라웠습니다. 때로는 더 많은 공간이 필요하다고 생각하지만, 지금도 충분합니다!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo와 Elio, 생각을 소리내어 표현하기, 2016년. 종이, 유성 물감, 플래시, 연필, MSA 젤. 81.23 x 81.23 cm.

추상 작품을 볼 때 무엇이 당신에게 말을 걸어오나요?

저에게 추상은 (좋을 때) 명료한 사고를 담고 있어 매우 매력적입니다. 색일 수도 있고, 흑백일 수도 있으며, 이미지가 가득할 수도, 하나의 형태가 공간에 떠 있을 수도 있습니다. 하지만 분명하고 날카로운 사고의 질이 있습니다. 제가 가장 좋아하는 현대 미술가 중 한 명은 조각가 마틴 퓨리어입니다. 한 번은 MoMA에서 그의 회고전을 봤는데 숨이 멎을 정도였습니다. 같은 전시가 워싱턴 D.C.에서도 열려서 일정을 바꿔 다시 보러 갔습니다. 그는 탁월하며, 그의 작품은 형태와 사고의 순수함을 지니고 있습니다. 그의 작품은 탈것, 동물, 배를 연상시킵니다. 추상은 현실 세계를 참조하면서도 추상일 수 있습니다. 우리의 눈은 세상을 탐색할 때와 추상 미술을 볼 때 같은 단서를 사용합니다. 우리는 어릴 때부터 이를 익히고 있습니다. 추상에는 우리가 세상을 이해하는 방식을 확장하는 무언가가 있습니다.

다가오는 전시나 행사가 있나요? 어디서 언제인가요?

맨해튼의 세인트 피터스 교회와 협의 중입니다. 지난 봄에 그곳에서 전시했는데, 이번에는 The River 프로젝트를 전시할 계획입니다. 그 외에 델라웨어 윌밍턴에서 이번 가을에 Jazz Cubano 시리즈로 지역 전시가 있을 수도 있습니다.


대표 이미지: Ellen Priest - Jazz: 생각을 소리내어 표현하기, 노래를 향해 손 뻗기 31, 2011년. 종이, 유성 물감, 플래시, 연필, MSA 젤. 81.3 x 119.4 cm.