광학 추상의 발전: 빅터 바사렐리가 자신만의 스타일을 찾은 방법

우리가 “예술과 과학”에 대해 이야기할 때, 서로 완전히 다른 것들을 말한다고 생각하는 경우가 있다. 과학은 사물을 연구하는 것이고, 예술은 무언가를 창조하는 것이다. 하지만 과학자도 창조하고 예술가도 연구하지 않는가? 그리고 상상력은 둘 다에 필수적이지 않은가? 빅터 바사렐리는 과학자이자 예술가였다. 옵아트로 알려진 모더니스트 추상 미술 운동의 아버지인 그는 두 세계를 자유롭게 넘나들었다. 처음에는 의학을 전공했지만, 바사렐리는 체계적인 관점에서 예술에 접근했다. 그는 미적 대상의 형식적 특성을 분석했고, 시각적 우주의 구성 요소를 찾기 위해 자연을 연구했으며, 관객이 시각적 우주를 인식하는 방식을 분석하여 예술이 근본적인 진리를 드러내는 데 어떻게 기여할 수 있는지 탐구했다. 1920년대 초기 미학 실험부터 1960년대 궁극의 작품인 “알파벳 플라스틱”을 선보인 시기까지, 그리고 90세로 생을 마감할 때까지 바사렐리는 창의성과 분석을 동시에 아우르는 관점에서 예술에 접근했다. 그 과정에서 그는 인간이 2차원 공간을 바라보는 방식을 바꾸었고, 사후 수십 년이 지난 지금도 예술가, 예술 애호가, 디자이너, 과학자들에게 영감을 주는 작품 세계를 창조했다.

빅터 바사렐리: 과학자

1906년 빅터 바사렐리가 태어났을 때, 예술가와 과학자는 동등하게 존경받았다. 바사렐리가 대학에 다녔던 부다페스트에서는 두 분야의 사람들이 서로 교류하는 것이 드문 일이 아니었으며, 특히 다뉴브 강변의 번화한 카페들은 유럽 지성계의 중심지였다. 바사렐리가 처음 대학에 입학했을 때는 부다페스트 의과대학에서 의사가 되기 위해 공부했다. 그러나 2년 후 그는 갑자기 방향을 바꾸어 예술 공부에 전념하기로 결심했다.

하지만 그의 주제는 바뀌었지만, 학습에 대한 그의 접근 방식은 변하지 않았다. 1927년, 21세의 나이에 바사렐리는 사설 미술 학교에 입학하여 정식으로 화가로서의 훈련을 받았다. 그는 미술 학생으로서 뛰어났고, 미적 감각을 연마하는 동시에 당시 최고의 과학자들이 쓴 책들을 계속 읽었다. 이 시기에 그가 가장 좋아했던 작가 중 한 명은 1922년에 원자 구조 연구로 노벨상을 받은 닐스 보어였다. 양자 물리학에서 보어 모델은 원자의 구조를 태양계 구조와 유사하게 묘사한다. 시각적으로는 큰 원들로 둘러싸인 원과 같아, 바사렐리가 그의 예술에서 반복적으로 탐구한 패턴이다.

빅터 바사렐리 - 할리퀸 스포츠, 약 1988 - © 빅터 바사렐리

주장 구축하기

예술과 과학을 동시에 공부하면서 바사렐리는 두 사고 방식이 교차하여 함께 인식될 때, 그가 말한 대로 “우리의 감성과 현대 지식에 부합하는 상상의 구성을 형성할 수 있다”는 이론을 구상하기 시작했습니다. 1929년, 그는 당시 헝가리의 바우하우스에 해당하는 부다페스트의 뮈헬리 아카데미에 입학했습니다. 그곳에서 그는 기하학에 기반한 총체적 예술 개념을 공부했습니다. 그는 기하학적 추상을 실험하며, 2차원 표면 위에 기하학적 형태와 색상을 배열해 착시를 만들어내는 방법을 이해하기 시작했습니다. 그의 M뮈헬리 아카데미 시절의 Etudes Bauhaus C에서 1975년에 그린 Vonal-Stri까지의 작품들은 바사렐리의 평생에 걸친, 과학과 예술의 교차점을 표현하는 기하학의 가능성에 대한 일관된 집중을 보여줍니다.

M뮈헬리 아카데미를 졸업한 후, 바사렐리는 파리로 이주해 결혼하고 두 자녀를 두었습니다. 그는 그래픽 아티스트로 가족을 부양하며 밤에는 예술 활동을 이어갔습니다. 낮에는 깔끔하고 정밀한 스타일이 요구되었지만, 그의 예술 활동은 상상력에 열려 있었습니다. 그는 두 가지가 모두 녹아든 개인적인 스타일을 발전시켰습니다. 이는 그의 “제브라”(FAQ 9 참조)와 “할리퀸”(위 참조) 시리즈, 그리고 아래의 “체스판” 같은 작품에서 나타났습니다.

빅터 바사렐리 - 체스판, 1975 - © 빅터 바사렐리

“잘못된 길”과 운동적 각성

파리에서 14년간 이중 경력을 쌓은 후, 바사렐리는 마침내 그의 첫 주요 전시회를 열게 되었습니다. 전시회는 꽤 좋은 반응을 얻었고, 그는 전업으로 예술가가 될 수 있다는 확신을 갖게 되었습니다. 이 시기 즈음에 그는 자신이 만들어온 시각적 스타일에서 벗어나기 시작했습니다. 브리타니의 한 섬에서 휴가를 보내던 중, 그는 파도가 풍경에 미치는 영향, 특히 해안선을 어떻게 바꾸고 돌들을 어떻게 형성하는지에 주목했습니다. 이 관찰은 그가 자연 세계의 유기적 기하학의 시각적 표현과 연결하려는 시도로서 일종의 생체형태적 기하학적 추상으로 나아가게 했습니다.

바사렐리는 이후 이 시기를 “잘못된 길”이라고 불렀지만, 이 시기는 그의 작품에 중요한 진화를 가져왔습니다. 그의 그림에 더 둥근 요소들이 추가되었습니다. 이전의 기하학적 스타일로 돌아왔을 때는 그림에서 튀어나오거나 표면에서 안으로 무너지는 듯한 역동적인 둥근 형태들이 포함되었습니다. 이러한 형태들이 눈을 속여 이미지가 움직이는 것처럼 보이게 했습니다. 이 키네틱 환상과 바사렐리 캔버스 위 이미지의 3차원성이 결합되어 오늘날 우리가 옵아트(Op-Art)라고 부르는 상징적인 미학의 기초가 되었습니다.

빅터 바사렐리 - 제목 없음 #8 (분홍색과 청록색 구체) - © 빅터 바사렐리

노란 선언문: 움직이는 예술

1955년, 바사렐리는 파리에서 열린 ‘르 무브망(Le Mouvement)’이라는 키네틱 아트 전시회에서 일부 작품을 선보였습니다. 그의 작품과 함께 그는 선언문을 위한 노트(Notes for a Manifesto)라는 에세이를 출판했으며, 노란색 종이에 인쇄된 이 에세이는 이후 노란 선언문(The Yellow Manifesto)으로 알려지게 되었습니다. 그 안에서 바사렐리는 “우리는 위대한 시대의 새벽에 서 있다.”고 선언했습니다. 그는 아르프, 칸딘스키, 몬드리안, 칼더와 같은 예술가들이 조형 예술 간의 인위적인 구분을 무너뜨렸기 때문에 회화와 조각 같은 분류는 구식이라고 주장했습니다. 그는 모든 미적 현상이 동일한 충동의 표현이므로 모든 예술적 성취를 “다른 공간에 존재하는 단일 조형 감성”의 일부로 간주할 때라고 선언했습니다.

바사렐리가 인생의 이 시기에 만든 그림들을 보면 그가 이 “위대한 시대”에 기여한 바가 분명히 드러납니다. 그의 작품은 2차원 예술 작품을 감상하는 경험을 완전히 재정의했습니다. 그는 공간이 존재하지 않는 곳에 공간이 존재하는 것 같은 인식을 창조했습니다. 관람자의 경험은 전적으로 관람자의 마음속에 존재하도록 변모했습니다. 바사렐리의 캔버스 위에 있는 형태들은 형식적이고 과학적이지만, 눈으로 해석할 때는 공간 현실의 과학적 사실을 거스르는 듯한 특성을 띠게 됩니다.

빅터 바자렐리 - 파피용, 1981 - © 빅터 바자렐리

플라스틱 알파벳: 미적 프로그래밍

1960년대 전성기 때, 바자렐리는 자신의 평생 작업의 정점을 대표할 작품을 만들었습니다. 그는 기하학적 형태와 색상을 기반으로 한 상징적 시각 언어인 플라스틱 알파벳을 설명했습니다. 알파벳에는 원, 삼각형, 사각형의 변형을 기반으로 한 15가지 형태가 있었고, 각 형태는 20가지 다른 색조로 존재했습니다. 각 형태는 정사각형 틀 안에 묘사되었으며, 형태와 그 주변 틀은 서로 다른 색조로 표현되었습니다. 플라스틱 알파벳은 무한에 가까운 조합으로 배열될 수 있었고, 명백히 끝없는 이미지 배열을 만드는 데 활용되었습니다.

바자렐리가 플라스틱 알파벳으로 명시적으로 암시한 개념은, 그것의 구현을 통해 창조 행위가 순수하게 과학적인 과정으로 수행될 수 있다는 것이었습니다. 한편으로는 예술 제작 과정을 대신할 수 있는 원시 인공지능과 같은 프로그래밍 형태를 나타내어 비인간적이었지만, 다른 한편으로는 창조 과정을 민주화하고 신비를 없애 누구나 창조적 미적 활동에 참여할 수 있게 하여 인간적이기도 했습니다.

빅터 바자렐리 - 타이탄 A, 1985 - © 빅터 바자렐리

모두를 위한 예술

바자렐리가 가장 기억되는 공헌이 파괴적 형태라는 것은 적절합니다. 그의 시각 작품이 2차원 미술의 표면을 왜곡했을 뿐만 아니라, 그의 아이디어와 플라스틱 알파벳은 문화의 표면도 왜곡했습니다. 바자렐리의 친구, 동료, 추종자들은 그의 모토 중 하나가 “모두를 위한 예술”이었다고 열정적으로 회상합니다. 그는 자신의 예술이 의류, 엽서, 상업 제품, 광고에 포함되는 것을 보고 매우 기뻐했습니다. 그는 미래에 예술이 계속해서 의미를 가지려면 모든 사람이 그 즐거움에 참여할 수 있어야 한다고 예견했습니다.

바자렐리의 예술이 현대 미술과 디자인 제품에서 울려 퍼지는 것을 볼 수 있을 뿐만 아니라, 그의 철학이 디지털 커뮤니티와 그가 기여한 글로벌 문화에서도 울려 퍼지는 것을 볼 수 있습니다. 인위적인 사회적 구분을 넘어 보편적인 매력을 지닐 수 있는 순수 미술 스타일을 창조함으로써, 바자렐리는 독특한 것을 만들어냈습니다. 그것은 추상적이지만, 볼 수 있는 누구나 쉽게 즐길 수 있는 진실되고 즐거운 미적 경험입니다. 그리고 아마도 더 가치 있는 것은, 예술과 과학이 함께 더 흥미롭고 공정한 세상을 향해 나아가는 미래에 대한 비전을 공유했다는 점입니다.

살아있는 유산: 현대 지각 마스터들

바사렐리의 광학적 움직임, 격자, 민주적 창작에 대한 역사적 초점을 현대적으로 해석하며, IdeelArt의 많은 현대 추상 예술가들이 인간의 눈이 빛, 공간, 움직임을 처리하는 방식을 계속해서 확장하고 있습니다. 여기서 개별 작업에 대해 자세히 다루지는 않지만, 최근 종합적인 편집 기사 옵 아트: 지각의 매복과 멈추지 않는 예술에서 깊이 탐구한 바 있으며, 이 엄선된 작품들은 오늘날 가장 흥미로운 지각 마스터들의 일부를 대표합니다:

• Cristina Ghetti: 맥동하는 기하학적 리듬과 계산된 색채 진동을 활용해 관람자의 시선 아래에서 물리적으로 확장되고 이동하는 듯한 회화 캔버스를 만듭니다.

• Andy Harwood: Mesmerism 시리즈에서 세심한 반투명 그라데이션과 날카로운 마스킹을 사용해 눈을 지속적인 시각적 변화 상태에 머무르게 합니다.

• Sebastiaan Knot: 스튜디오에서 색광 빔의 교차를 통해 순수하게 조각된 물리적 기하학 구조를 촬영하여 광학적 환상을 재창조합니다.

• Louise Blyton: 벨벳 같은 원색 안료로 코팅된 입체적인 린넨 캔버스를 제작하여 광학적 추상을 평면 틀에서 해방시킵니다.

• Jesus Perea: 그림자, 깊이, 공간 방향성을 평면 위에서 장난치듯 조화롭게 균형 잡힌 건축적 기하학적 형태를 구성합니다.

• Bernadette Jiyong Frank: 수십 개의 미세하고 반투명한 색상 띠를 겹쳐 빛의 변화하는 빛남과 굴절성을 포착합니다.

• Brent Hallard: 날카로운 마스킹과 고도로 채도 높은 단색 표면을 사용하여 기하학적 긴장과 하드 엣지 시각 진동의 한계를 밀어붙입니다.

대표 이미지: 빅터 바사렐리 - Universal Structure, Vega Period (1968년 이후), 세부, © 빅터 바사렐리
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 바르시오(2016)와 프랜시스 베르토미에(2026) 저

F Berthomier (IdeelArt 공동 창립자) Fondation Vasarely에서 - 2022년

C Thomas (IdeelArt 공동 창립자) Fondation Vasarely에서 - 2022년

자주 묻는 질문: 빅터 바사렐리와 옵 아트의 기초

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