광학 추상화 개발 또는 빅토르 바사렐리의 고유 스타일 발견하기

“예술과 과학”에 대해 이야기할 때 서로 전혀 다른 것들을 말한다고 생각하는 경우가 종종 있습니다. 과학은 결국 사물을 연구하는 것이고, 예술은 무언가를 창조하는 것이기 때문입니다. 하지만 과학자들도 창조를 하고 예술가들도 연구를 하지 않나요? 그리고 상상력은 둘 다에 필수적인 요소가 아니던가요? 빅터 바사렐리는 과학자이자 예술가였습니다. 옵아트로 알려진 모더니즘 추상 미술 운동의 아버지인 그는 두 세계를 모두 편안하게 넘나들었습니다. 처음에는 의학을 전공했지만, 바사렐리는 체계적인 관점에서 예술에 접근했습니다. 그는 미적 대상이 무엇인지에 대한 형식적 특성을 분석했습니다. 시각적 우주의 구성 요소를 찾기 위해 자연을 연구했고, 관람자가 시각적 우주를 인식하는 방식을 분석하여 예술이 근본적인 진리를 드러내는 데 어떻게 도움을 줄 수 있는지 탐구했습니다. 1920년대에 최초의 미학 실험을 시작한 이래, 1960년대에 그의 궁극적 창작물인 “알파벳 플라스티크”를 선보일 때까지, 그리고 90세로 생을 마감할 때까지 바사렐리는 창의성과 분석을 동시에 포함하는 관점에서 예술에 접근했습니다. 그 과정에서 그는 인간이 2차원 공간을 바라보는 방식을 바꾸었고, 그의 사후 수십 년이 지난 지금도 예술가, 예술 애호가, 디자이너, 과학자 모두에게 영감을 주는 작품 세계를 창조했습니다.

과학자 빅터 바사렐리

1906년 빅터 바사렐리가 태어났을 때, 예술가와 과학자는 동등한 존경을 받았습니다. 바사렐리가 대학을 다닌 부다페스트에서는 두 분야의 사람들이 서로 교류하는 것이 드문 일이 아니었으며, 특히 다뉴브 강변의 번화한 카페들은 유럽 지성계의 중심지였습니다. 바사렐리가 처음 대학에 입학했을 때는 부다페스트 의과대학에서 의사가 되기 위해 공부했습니다. 그러나 2년 후 그는 갑자기 방향을 바꾸어 예술 연구에 전념하기로 결심했습니다.

전공은 바뀌었지만 학습에 대한 그의 접근법은 변하지 않았습니다. 1927년, 21세의 바사렐리는 사설 미술학교에 입학하여 정식으로 화가 교육을 받았습니다. 그는 미술 학생으로서 뛰어났고, 미적 기술을 연마하는 동안에도 당시 최고의 과학자들의 저서를 계속 읽었습니다. 이 시기에 그가 가장 즐겨 읽은 작가 중 한 명은 1922년 원자 구조 연구로 노벨상을 받은 닐스 보어였습니다. 양자 물리학에서 보어 모델은 원자의 구조를 태양계 구조와 유사하게 묘사합니다. 시각적으로는 큰 원들로 둘러싸인 원의 형태로, 바사렐리가 그의 예술에서 반복적으로 탐구한 패턴입니다.

빅터 바사렐리 - 하를레퀸 스포츠, 약 1988년. 실크스크린. 38 1/2 × 28 1/2 인치; 97.8 × 72.4 센티미터. 300부 한정. RoGallery. © 빅터 바사렐리

이론 구축

예술과 과학을 동시에 연구하면서 바사렐리는 두 사고 방식이 서로 교차하여 함께 인식될 때, 그가 말한 것처럼 “우리의 감성 및 현대 지식과 일치하는 상상의 구조를 형성할 수 있다”는 이론을 구상하기 시작했습니다. 1929년 그는 당시 헝가리의 바우하우스에 해당하는 부다페스트의 무헬리 아카데미에 입학했습니다. 그곳에서 그는 기하학에 기반한 총체적 예술 개념을 공부했습니다. 기하학적 추상을 실험하며 2차원 표면 위에 기하학적 형태와 색을 배열하여 어떻게 착시를 만들 수 있는지 이해하기 시작했습니다. 무헬리 아카데미 시절의 작품 에튀드 바우하우스 C와 1975년에 제작한 보날-스트리를 비교하면, 바사렐리가 평생 동안 기하학이 과학과 예술의 교차점을 표현하는 가능성에 얼마나 집중했는지 알 수 있습니다.

무헬리 아카데미를 떠난 후 바사렐리는 파리로 이주해 결혼하고 두 자녀를 두었습니다. 그는 그래픽 아티스트로 가족을 부양하며 밤에는 예술 활동을 계속했습니다. 낮에는 깔끔하고 정밀한 스타일이 요구되었지만, 예술 활동에서는 상상력을 자유롭게 펼쳤습니다. 그는 두 가지가 어우러진 개인적 스타일을 발전시켰고, 이는 그의 “지브라”와 “하를레퀸” 시리즈, 그리고 “체스판” 같은 작품에서 나타났습니다.

빅터 바사렐리 - 체스판, 1975년. 실크스크린. 31 1/2 × 30 인치; 80 × 76.2 센티미터. 300부 한정. RoGallery. © 빅터 바사렐리

잘못된 길

파리에서 14년간 두 가지 경력을 병행한 후, 바사렐리는 마침내 첫 주요 전시회를 열었습니다. 전시회는 좋은 반응을 얻었고, 그는 전업 예술가가 될 수 있다고 확신했습니다. 이 무렵 그는 자신이 만들어온 시각적 스타일에서 벗어나기로 했습니다. 브리타니의 한 섬에서 휴가를 보내던 중, 파도가 해안선과 돌의 형태에 미치는 영향을 관찰했습니다. 이 관찰은 그를 자연 세계의 기하학적 형태를 시각적으로 표현하려는 생체형태적 기하학적 추상으로 이끌었습니다.

바사렐리는 이후 이 시기를 “잘못된 길”이라고 불렀지만, 이는 그의 작품에 중요한 진화를 가져왔습니다. 그의 그림에 더 둥근 요소들이 추가되었고, 이전의 기하학적 스타일로 돌아왔을 때는 그림에서 튀어나오거나 표면에서 움푹 들어간 듯한 역동적인 둥근 형태가 포함되었습니다. 이러한 형태들이 눈을 속여 이미지가 움직이는 것처럼 보이게 했습니다. 이 운동 착시와 바사렐리 캔버스의 입체감이 결합되어 오늘날 우리가 옵아트라고 부르는 상징적인 미학의 기초가 되었습니다.

빅터 바사렐리 - 제목 없음 #8 (분홍색과 청록색 구체). 실크스크린. 13 × 10 인치; 33 × 25.4 센티미터. 50부 한정. Gregg Shienbaum Fine Art. © 빅터 바사렐리

노란 선언문

1955년, 바사렐리는 파리에서 열린 운동 미술 전시회 “르 무브망”에 작품을 출품했습니다. 그의 작품과 함께 발표한 에세이 선언문을 위한 노트는 노란색 종이에 인쇄되어 이후 노란 선언문으로 알려지게 되었습니다. 그 안에서 바사렐리는 “우리는 위대한 시대의 새벽에 서 있다”고 선언했습니다. 그는 아르프, 칸딘스키, 몬드리안, 칼더 같은 예술가들이 조형 예술 간의 인위적 구분을 무너뜨렸기 때문에 회화와 조각 같은 분류는 시대에 뒤떨어졌다고 주장했습니다. 모든 미적 현상이 같은 충동의 표현이므로, 모든 예술적 성취를 “다른 공간에 존재하는 하나의 조형 감성”으로 봐야 할 때라고 선언했습니다.

바사렐리의 이 “위대한 시대”에 대한 기여는 그가 이 시기에 만든 작품들을 보면 분명합니다. 그의 작품은 2차원 예술 작품을 감상하는 경험을 완전히 재정의했습니다. 공간이 존재하지 않는 곳에 공간이 존재하는 것처럼 인식하게 만들었습니다. 관람자의 경험은 전적으로 관람자의 마음속에서 이루어졌습니다. 바사렐리 캔버스 위의 형태들은 형식적이고 과학적이지만, 눈으로 해석될 때는 공간 현실의 과학적 사실을 거스르는 듯한 특성을 띠었습니다.

빅터 바사렐리 - 파피용, 1981년. 아르쉬 종이에 실크스크린. 30 7/8 × 37 7/8 인치; 78.4 × 96.2 센티미터. 250부 한정. © 빅터 바사렐리

조형 알파벳

1960년대 전성기 때, 바사렐리는 평생의 작업이 집대성된 작품을 만들었습니다. 그는 조형 알파벳이라 부르는, 기하학적 형태와 색에 기반한 상징적 시각 언어를 설명했습니다. 알파벳에는 원, 삼각형, 사각형의 변형을 바탕으로 한 15가지 형태가 있었고, 각 형태는 20가지 색조로 표현되었습니다. 각 형태는 사각형 틀 안에 그려졌으며, 형태와 그 주변 틀은 서로 다른 색조로 나타났습니다. 조형 알파벳은 무한에 가까운 조합으로 배열될 수 있었고, 끝없이 다양한 이미지를 만들어낼 수 있었습니다.

바사렐리가 조형 알파벳으로 명시적으로 암시한 개념은, 이를 통해 창작 행위가 순수하게 과학적인 과정으로 수행될 수 있다는 것이었습니다. 한편으로는 프로그래밍과 같은 형태로 예술 제작 과정을 대체할 수 있는 초기 인공지능과 같아 비인간적이었지만, 다른 한편으로는 창작 과정을 민주화하고 신비를 없애 누구나 창의적 미적 활동에 참여할 수 있게 하여 인간적이기도 했습니다.

빅터 바사렐리 - 타이탄 A, 1985년. 실크스크린. 22 × 23 1/2 인치; 55.9 × 59.7 센티미터. 300부 한정. Gregg Shienbaum Fine Art. © 빅터 바사렐리

모두를 위한 예술

바사렐리가 가장 기억되는 공헌이 파괴적 형태라는 것은 적절합니다. 그의 시각 작품은 2차원 예술의 표면을 왜곡했을 뿐 아니라, 그의 사상과 조형 알파벳은 문화의 표면도 왜곡했습니다. 바사렐리의 친구, 동료, 추종자들은 그의 모토 중 하나가 “모두를 위한 예술”이었다고 열정적으로 회상합니다. 그는 자신의 예술이 의류, 엽서, 상업 제품, 광고에 포함되는 것을 보고 매우 기뻐했습니다. 그는 미래에 예술이 계속해서 의미를 가지려면 모든 사람이 예술을 즐기는 데 참여할 수 있어야 한다고 예견했습니다.

오늘날 현대 미술과 디자인 제품에서 바사렐리의 예술의 흔적을 볼 수 있을 뿐 아니라, 디지털 공동체와 그가 기여한 세계 문화에서도 그의 철학의 흔적을 볼 수 있습니다. 인위적인 사회적 구분을 넘어 보편적인 매력을 지닌 순수 미술 스타일을 창조함으로써, 바사렐리는 독특한 것을 만들었습니다. 추상적이지만 누구나 쉽게 즐길 수 있는 진실하고 즐거운 미적 경험입니다. 그리고 아마도 더 가치 있는 것은, 예술과 과학이 함께 더 흥미롭고 공정한 세상을 향해 나아가는 미래를 공유했다는 점입니다.

대표 이미지: 빅터 바사렐리 - 지브라, 1938년. 52 x 60 센티미터. © 빅터 바사렐리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공