광학 추상화 개발 또는 빅토르 바사렐리의 고유 스타일 발견하기

"예술과 과학"에 대해 이야기할 때 우리가 본질적으로 다른 것들에 대해 이야기하고 있다고 가정하는 경우가 종종 있습니다. 과학은 결국 사물을 연구하는 것이고, 예술은 사물을 창조하는 것입니다. 하지만 과학자들도 창조하고 예술가들도 연구하지 않나요? 그리고 상상력은 두 가지 모두에 필수적이지 않나요? 빅토르 바자렐리는 과학자이자 예술가였습니다. 옵 아트로 알려진 현대 추상 미술 운동의 아버지로서 그는 두 세계를 편안하게 오갔습니다. 처음에는 의학을 전공한 바자렐리는 체계적인 관점에서 예술에 접근했습니다. 그는 미적 객체를 구성하는 형식적 특성을 분석했습니다. 그는 시각적 우주의 구성 요소를 찾기 위해 자연을 연구했습니다. 그리고 그는 예술이 어떻게 근본적인 진리를 드러내는 데 도움을 줄 수 있는지를 찾기 위해 관객이 시각적 우주를 인식하는 방식을 분석했습니다. 1920년대 그의 초기 미적 실험을 시작으로, 1960년대 그의 궁극적인 창작물인 "알파벳 플라스틱"을 공개하기까지, 그리고 90세에 생을 마감할 때까지 바자렐리는 창의성과 분석을 동시에 포함하는 관점에서 그의 예술에 접근했습니다. 그 과정에서 그는 인간이 2차원 공간을 보는 방식을 변화시켰고, 그의 죽음 이후 수십 년이 지난 지금도 예술가, 예술 애호가, 디자이너, 과학자들에게 영감을 주는 작품을 남겼습니다."

빅토르 바사렐리 과학자

1906년, 빅토르 바자렐리가 태어났을 때, 예술가와 과학자는 동등하게 존경받았다. 바자렐리가 대학에 다녔던 부다페스트에서는 두 분야의 구성원들이 서로 교류하는 것이 드문 일이 아니었으며, 특히 다뉴브 강가의 분주한 카페들은 유럽 지식인들의 중심지였다. 바자렐리가 처음 대학에 입학했을 때, 그는 부다페스트 대학교 의과대학에서 의사가 되기 위해 공부하기로 했다. 그러나 프로그램에 2년이 지난 후, 그는 갑자기 방향을 바꾸고 예술 공부에 전념하기로 결심했다.

하지만 그의 주제가 바뀌었음에도 불구하고, 학습에 대한 접근 방식은 변하지 않았습니다. 1927년, 21세의 나이에 바사렐리는 사립 미술학교에 등록하여 화가로서 정식 교육을 받았습니다. 그는 미술 학생으로서 뛰어난 성과를 거두었고, 미적 기술을 연마하는 동안 그 당시의 주요 과학자들이 쓴 책을 계속 읽었습니다. 그의 인생에서 이 시기에 가장 좋아했던 저자 중 한 명은 1922년에 원자 구조에 대한 연구로 노벨상을 수상한 닐스 보어였습니다. 양자 물리학에서 보어 모델은 원자의 구조를 태양계의 구조와 유사하게 묘사합니다. 시각적으로, 그것은 더 큰 원들로 둘러싸인 원과 비슷하며, 이는 바사렐리가 그의 예술에서 반복적으로 탐구할 패턴이었습니다.

빅토르 바사렐리 - 하를레퀸 스포츠, 약 1988. 스크린프린트. 38 1/2 × 28 1/2 인치; 97.8 × 72.4 cm. 에디션 300. 로갤러리. © 빅토르 바사렐리

그의 사건을 구축하다

그의 예술과 과학의 이중 연구를 통해 바사렐리는 두 사고 방식이 교차하여 함께 인식될 때, 그가 말한 바와 같이 “우리의 감성과 현대 지식에 부합하는 상상적 구조를 형성할 수 있다”는 이론을 정립하기 시작했다. 1929년, 그는 부다페스트의 무헬리 아카데미에 등록했으며, 당시 헝가리의 바우하우스에 해당하는 곳이었다. 그곳에서의 그의 연구는 기하학에 기반한 총체적 예술 개념에 초점을 맞추었다. 그는 기하학적 추상화를 실험하며, 2차원 표면 위에 기하학적 형태와 색상을 배열함으로써 어떻게 시각적 착시를 생성할 수 있는지를 이해하기 시작했다. 그의 무헬리 아카데미 작품 중 하나인 Etudes Bauhaus C와 1975년에 제작한 Vonal-Stri라는 작품을 비교하면, 바사렐리가 과학과 예술의 교차점을 표현하기 위해 기하학의 가능성에 평생 동안 집중해 왔음을 보여준다.

무헬리 아카데미를 떠난 후, 바사렐리는 파리로 이주하여 결혼하고 두 자녀를 두었습니다. 그는 그래픽 아티스트로 가족을 부양하며 밤에 예술 활동을 했습니다. 그의 낮 직업은 깔끔하고 정밀한 스타일을 요구했지만, 그의 예술 활동은 상상력에 열려 있었습니다. 그는 두 가지 모두에 뿌리를 둔 개인적인 스타일을 발전시켰습니다. 이는 그의 “제브라”와 “하를퀸” 그림에서 나타났으며, 그는 평생 동안 이 시리즈에 돌아갔고 “체스판”과 같은 그림에서도 나타났습니다.

빅토르 바사렐리 - 체스판, 1975. 실크스크린. 31 1/2 × 30 인치; 80 × 76.2 cm. 에디션 300. 로갤러리. © 빅토르 바사렐리

잘못된 길

14년 동안 파리에서 이중 경력을 쌓은 후, 바사렐리는 마침내 그의 첫 번째 주요 전시회를 가졌다. 이 전시는 충분히 좋은 반응을 얻어 그가 예술가로서 전념할 수 있다고 확신하게 만들었다. 이 시기에 그는 자신이 만들어온 시각적 스타일에서 벗어나기 시작했다. 브리타니의 한 섬에서 휴가를 보내던 중, 그는 파도가 풍경에 미치는 방식, 특히 해안선을 어떻게 변화시키고 돌을 어떻게 형성하는지에 주목했다. 이 관찰은 그를 유기적 세계의 자연 기하학을 시각적으로 표현하려는 일종의 생물형 기하학적 추상화의 길로 이끌었다.

바사렐리는 나중에 그의 인생에서 이 시기를 "잘못된 길"이라고 언급했지만, 이는 그의 작업에서 중요한 진화를 가져왔습니다. 그것은 그의 그림에 더 둥근 요소를 추가했습니다. 그가 이전의 기하학적 스타일로 돌아갔을 때, 그것은 그림에서 바깥쪽으로 부풀어 오르거나 표면에서 안쪽으로 무너지는 듯한 역동적인 둥근 형태를 포함하고 있었습니다. 이러한 형태가 눈을 속이는 방식은 이미지가 움직이는 것처럼 보이게 했습니다. 그 운동적 환상은 바사렐리의 캔버스에 있는 이미지의 3차원성과 결합되어 우리가 지금 Op-Art라고 부르는 상징적인 미학의 기초가 되었습니다.

빅토르 바사렐리 - 제목 없음 #8 (분홍색과 청록색 구체). 스크린 프린트. 13 × 10 인치; 33 × 25.4 cm. 에디션 50. 그레그 시엔바움 파인 아트. © 빅토르 바사렐리

노란 선언서

1955년, 바사렐리는 파리에서 열린 "르 무브망"이라는 키네틱 아트 전시회에 자신의 작품을 전시했습니다. 그의 작품을 동반하기 위해 그는 Manifesto를 위한 노트라는 에세이를 발표했습니다. 노란색 종이에 인쇄된 이 에세이는 이후 노란색 선언문으로 알려지게 되었습니다. 그 안에서 바사렐리는 "우리는 위대한 시대의 여명에 서 있다."고 선언했습니다. 그는 아르프(Arp), 칸딘스키(Kandinsky), 몬드리안(Mondrian), 그리고 칼더(Calder)와 같은 예술가들이 플라스틱 예술 간의 인위적인 경계를 파괴했기 때문에 회화와 조각과 같은 레이블은 구식이라고 주장했습니다. 그는 모든 미적 현상이 동일한 충동의 표현이므로 모든 예술적 성취를 "다양한 공간에서의 단일 플라스틱 감수성"의 일부로 간주할 때라고 선언했습니다.

바사렐리의 이 "위대한 시대"에 대한 기여는 그가 이 시기에 만든 그림들을 보면 분명해진다. 그의 작업은 2차원 예술 작품에 대한 관람자의 경험을 완전히 재정의했다. 그는 공간이 존재하지 않는 곳에 공간이 존재하는 것처럼 인식하게 만들었다. 관람자의 경험은 전적으로 관람자의 마음 속에 존재하도록 변모했다. 바사렐리의 캔버스에 있는 형태들은 형식적이고 과학적이지만, 눈으로 해석할 때 그것들은 공간 현실의 과학적 사실을 거스르는 듯한 특성을 띤다.

빅토르 바사렐리 - 파피용, 1981. 아르쉬 종이에 실크스크린. 30 7/8 × 37 7/8 인치; 78.4 × 96.2 cm. 250부 한정판. © 빅토르 바사렐리

플라스틱 알파벳

1960년대 그의 인기가 절정에 달했을 때, 바사렐리는 그의 생애 작업의 정점을 나타낼 작품을 창조했습니다. 그는 기하학적 형태와 색상을 기반으로 한 상징적 시각 언어인 플라스틱 알파벳을 설명했습니다. 알파벳에는 원, 삼각형, 정사각형의 변형을 기반으로 한 15개의 형태가 있었고, 각 형태는 20가지의 다양한 색조로 존재했습니다. 각 형태는 정사각형 프레임 안에 묘사되었으며, 형태와 그 주변 프레임은 서로 다른 색조로 제시되었습니다. 플라스틱 알파벳은 무한한 조합으로 배열될 수 있었고, 명백히 끝없는 이미지 배열을 생성하는 데 사용될 수 있었습니다.

바사렐리가 그의 플라스틱 알파벳으로 명시적으로 암시한 개념은 그 구현을 통해 창조적 행위가 순수한 과학적 과정을 통해 수행될 수 있다는 것이었다. 한편으로는 비인간화하는 것이었고, 이는 예술을 만드는 과정을 인수할 수 있는 프로토 인공지능과 같은 형태의 프로그래밍을 나타냈다. 다른 한편으로는 인간화하는 것이었고, 이는 창조적 과정을 민주화하고 신비화하지 않게 하여 누구나 창조적 미적 활동에 참여할 수 있도록 했다.

빅토르 바사렐리 - 타이탄 A, 1985. 스크린 프린트. 22 × 23 1/2 인치; 55.9 × 59.7 cm. 에디션 300. 그레그 시엔바움 파인 아트. © 빅토르 바사렐리

모든 사람을 위한 예술

바자렐리가 가장 기억되는 기여가 혼란의 형태라는 것은 적절하다. 그의 시각적 작업은 2차원 예술의 표면을 왜곡했을 뿐만 아니라, 그의 아이디어와 플라스틱 알파벳 또한 문화의 표면을 왜곡했다. 바자렐리의 친구들, 동료들, 그리고 추종자들은 그의 모토 중 하나가 "모두를 위한 예술"이었다고 열정적으로 회상한다. 그는 자신의 예술이 의류, 엽서, 상업 제품 및 광고에 포함되는 것을 보게 되어 매우 기뻐했다. 그는 미래에 예술이 계속해서 관련성을 유지할 수 있는 유일한 방법은 모든 인간이 그 즐거움에 참여할 수 있어야 한다고 예견했다.

"우리는 현대 미술과 디자인의 제품에서 바사렐리의 예술의 메아리를 볼 수 있을 뿐만 아니라, 디지털 커뮤니티와 그에 기여한 글로벌 문화에서 그의 철학의 메아리도 볼 수 있습니다. 인위적인 사회적 분열을 초월하여 보편적인 매력을 가질 수 있는 순수 미술의 스타일을 창조함으로써, 바사렐리는 독특한 것을 만들어냈습니다: 비록 추상적이지만 누구나 볼 수 있는 사람이라면 쉽게 즐길 수 있는 진실하고 기쁜 미적 경험입니다. 그리고 아마도 더 가치 있는 것은 그가 예술과 과학이 함께 더 흥미롭고 공정한 세상을 향해 나아가는 미래에 대한 비전을 공유했다는 것입니다."

특집 이미지: 빅토르 바자렐리 - 제브라, 1938. 52 x 60 cm. © 빅토르 바자렐리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio