루이즈 부르주아 예술과 형태의 축소
추상 미술을 더 내성적이고 충만한 삶으로 나아가는 길로 보는 이들에게 루이 부르주아는 이상적인 존재의 구현이었습니다. 그러나 그녀의 명예나 상, 혹은 그녀가 얻은 명성 때문이 아니라 전혀 반대의 이유 때문입니다. 루이 부르주아 미술은 우리 일상과 관련된 것을 말해주기 때문입니다. 현대 가라테의 아버지인 기친 후나코시의 말을 빌리자면, 어떤 것이 우리 일상과 어떻게 연결되는지를 깨달을 때 그 본질을 발견하게 됩니다. 미술계는 너무 자주 선언문에 의해 정의되고 운동, 시대, 양식으로 나뉘어집니다. 예술가는 성별, 인종, 국적, 학력에 따라 분류되기 일쑤입니다. 우리는 예술의 진정한 가치는 그런 사소한 고려를 넘어 존재한다는 사실을 쉽게 잊습니다. 루이즈 부르주아의 작품은 자신 있게 그런 분류를 뛰어넘습니다. 그녀의 미적 기여는 진심으로 구상적이면서도 상징적인 공간을 차지합니다. 그것은 기괴하면서도 숭고합니다. 그녀는 상상할 수 있는 모든 분야를 탐구했으며, 어떤 특정한 유행에 얽매이지 않았지만 그 과정에서 몇몇 유행을 창조하기도 했습니다. 70년에 걸친 경력 동안 그녀는 다른 추상 미술가들이 거의 이루지 못한 것을 성취했습니다: 개인적인 작품을 보편적인 것으로 만든 것입니다.
모순된 힘들
루이즈 부르주아는 모순으로 가득한 가정에서 태어났습니다. 그녀의 아버지는 성공한 가장이었지만 동시에 루이즈의 안전을 위협하는 가장 큰 존재이기도 했습니다. 부모는 사업과 삶의 동반자였지만, 아버지는 두 관계의 안정을 위협하는 성적 불륜을 거리낌 없이 저질렀습니다. 루이즈의 가정교사이자 보모였던 이는 보호자이자 안내자라기보다 사실 아버지의 정부였습니다. 루이즈의 어머니는 가족 섬유 사업의 직조공이자 사랑 많고 보호적인 존재였으며 그녀의 가장 강력한 옹호자였지만, 신체적으로 약했고 결국 젊은 나이에 세상을 떠났습니다.
어린 시절 내내 루이즈는 애정으로 정의되면서도 위협받는 가정의 일상적인 잔혹함을 목격했습니다. 그녀는 인간 성격의 연약함에 대한 냉혹한 진실을 경험했습니다. 질투, 분노, 두려움, 외로움, 혼란을 느꼈습니다. 그러나 그녀는 거처, 음식, 옷, 교육에 부족함이 없었습니다. 적어도 한 부모에게는 사랑받고 소중히 여겨졌습니다. 어머니가 돌아가셨을 때 루이즈는 21세였고 대학에서 수학을 공부하고 있었습니다. 아버지가 원했던 그 길을 계속 가지 않고, 어머니의 죽음에 영감을 받아 그녀는 인생을 극적으로 바꾸기로 결심했습니다. 그녀는 자신의 감정을 직면하고 표현할 수 있는 길을 개척했습니다. 수학을 포기하고 대신 예술가의 삶에 헌신했습니다.
루이즈 부르주아 - FEMME, 2005. 청동, 질산은 파티나. 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation
상징주의와 심리치료
어머니가 돌아가신 후 6년 동안 루이즈는 미술을 공부하며 성공한 예술가들의 작업실을 방문하고 전시를 도우며 실무 교육을 받았습니다. 27세 때 그녀는 아버지의 섬유 가게 한 구석에 작은 가게를 잠시 열어 미술 인쇄물을 판매했습니다. 아버지는 사업적 이유로 그 공간을 사용하도록 허락했습니다. 어느 날 가게에서 그녀는 한 수집가와 대화를 나누었고, 그녀가 말하길 “초현실주의와 최신 유행에 관한 이야기 사이에” 그들은 결혼했습니다.
그 수집가는 미국의 존경받는 미술사학자 로버트 골드워터였습니다. 로버트와 루이즈는 뉴욕으로 이주했고, 루이즈는 미술 공부를 계속하며 미적 표현의 범위를 넓혔습니다. 초현실주의와 심리치료 개념의 영향을 받아 루이즈는 자신의 트라우마 어린 시절을 예술의 주제로 삼았습니다. 그녀는 기억과 꿈을 결합한 상징적 형태의 언어를 발전시켰습니다.
루이즈 부르주아 - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. 주조 및 연마된 청동 조각. 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. 에디션 5/20. Caviar20, 토론토. © 2018 The Easton Foundation
루이즈 부르주아의 상징주의
루이즈의 상징적 시각 언어는 그녀에게 명백한 의미를 지닌 개인적 이미지로 구성되었습니다. 그러나 관람객에게 그녀의 작품은 야성적이고 대담하며 추상적이고 때로는 충격적이었습니다. 루이즈가 가장 자주 사용한 상징적 형태 중 하나는 거미였습니다. 1940년대 초부터 루이즈는 거미와 거미줄을 그림과 판화에 포함시켰고, 추상적이고 거미줄에서 영감을 받은 코바늘 뜨개 작품 시리즈도 제작했습니다. 그녀는 거미가 어머니를 상징한다고 설명했습니다. 어머니는 직조공이었고, 거미는 모기를 잡아먹어 질병을 퍼뜨리는 해충으로부터 보호하는 존재이기 때문입니다.
결국 그녀의 거미 형상은 거대한 규모로 발전하여 9미터 높이의 조각 Maman으로 절정에 달했습니다. 거미 외에도 부르주아의 상징적 시각 언어에는 새장, 집, 남성과 여성 생식기, 의자와 옷 같은 가정용품, 그리고 신체 부위를 닮은 생체 형태가 자주 포함되었습니다. 그녀의 가장 유명한 작품 중 하나인 The Destruction of the Father는 장기와 살덩어리를 닮은 여러 물체가 탁자 위에 펼쳐져 있고, 거대한 입과 이빨을 연상시키는 구체들이 그 주위를 둘러싸고 있습니다.
루이즈 부르주아 - 거미, 1997. 강철, 태피스트리, 나무, 유리, 천, 고무, 은, 금, 뼈. 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation
함께 고립되다
부르주아 작품 전반에 흐르는 공통된 주제는 모든 이미지가 그녀의 사적이고 개인적인 경험과 관련되어 있다는 점입니다. 그녀가 관람객과 나누고자 한 가장 강력한 감정 중 하나는 함께 있음과 고립됨 사이의 상호작용이었습니다. 1940년대에 그녀는 알고 지낸 여러 사람을 참조한 조각 형태 시리즈를 만들었고, 무작위처럼 보이는 방식으로 전시했습니다. 그러나 점차 배열을 살펴보면 개별 형태들이 각자의 특성을 표현하며 개별적 인격을 띠기 시작하고, 그 사이에 상호작용의 감각이 생겨납니다.
함께 있음과 고립됨의 감정은 1950년대에 부르주아가 만든 조각품 시리즈에도 필수적입니다. 그 시기는 남편과 자녀들에게서 영감을 받아 삶의 부드러운 면에 집중하던 시기였습니다. Night Garden, Cumul I과 Clamart Other 같은 작품들은 각각 형태들의 모임을 묘사합니다. 그 모임들은 유기적이면서도 보호나 위안을 위해 함께 모인 존재들을 나타내는 듯 보입니다.
루이즈 부르주아 - 칼 커플, 1949 (1991년 주조). 청동과 스테인리스강. 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. 하우저 & 워스. © 2018 The Easton Foundation
꼬리표를 넘어서
많은 부르주아 작품이 구상적으로 보이지만, 그녀 작품의 본질은 상징적이고 개인적입니다. 그녀는 종종 누드를 묘사하고 여성의 형태에 집중했지만, 작품에 사회적 또는 정치적 메시지가 있다고 단호히 부인했습니다. 그녀는 여성이고, 성은 그녀의 성장에 강력한 힘이었지만, 그런 이미지에 사회적 또는 정치적 의도가 거의 없거나 전혀 없었습니다. 그럼에도 불구하고 그녀 작품의 강렬한 이미지 때문에 종종 페미니즘과 LGBTQ 미술과 연관지어졌습니다. 그녀가 오늘 살아 있다면 그런 해석에 반대하지 않을 수도 있지만, 그녀는 분명히 자신의 작품이 그런 문제를 다루려는 목적이 아니라고 밝혔습니다. 그녀는 한때 “내 작품은 성별 이전의 문제를 다룬다. 예를 들어, 질투는 남성이나 여성이 아니다.”라고 말했습니다.
부르주아 작품을 개인적인 차원에서 이해하는 것이 타당합니다. 결국 그녀의 상징은 자신의 경험에 상대적이기 때문입니다. 그럼에도 우리 각자는 그 안에서 공감할 무언가를 찾을 수 있습니다. 열린 마음으로 받아들인다면 더 큰 지혜의 관점에서 이해할 수 있습니다. 몸을 보고 남성이나 여성으로 생각하지 않을 때 우리는 덜 고립되고 더 보편적인 인간이 됩니다. 동료 인간의 고통과 사랑에서 배우는 것을 허용할 때, 그 결과는 그들의 경험과 우리의 경험 모두에 더 큰 가치를 더합니다.
대표 이미지: 루이즈 부르주아 - 히스테리의 아치, 1993. 청동, 연마된 파티나. 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. 뉴욕 현대미술관. © 2018 The Easton Foundation
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
