바실리 칸딘스키의 구성 VII 뒤에 숨겨진 이야기

“Composition VII” (1913)은 Wassily Kandinsky에 의해 그려졌으며, 많은 추상 미술 애호가들에 의해 20세기 가장 중요한 그림으로 여겨진다—어쩌면 지금까지 만들어진 가장 중요한 추상화일지도 모른다. 그러나 누군가가 처음으로 이 그림을 바라볼 때, 그들은 종종 부정적인 반응을 보이며, 분노, 좌절, 심지어 혐오감을 표현한다. 부인할 수 없이, 이 그림은 어렵다, 특히 추상 미술에 익숙하지 않은 사람들에게는 더욱 그렇다. 우선, 이 그림은 거대하다, 크기는 200 x 300 센티미터이다. 둘째로, 표면은 수많은 겹쳐진 비정형 형태, 무작위의 선들, 그리고 생생한 색상과 흐릿한 색상이 혼재된 색의 지뢰밭으로 완전히 덮여 있다. 알려진 자연 세계를 참조하는 것은 없다. 오직 깊이의 환상만이 감지되지만, 그것이 후퇴하는 공간은 현실과는 아무런 유사점이 없다. 이 그림은 그 신비를 풀기 위해 노력하지 않는 사람에게는 쉽게 무의미하게 보일 수 있다. 그러나 열린 마음으로 그것을 연구할 의향이 있는 사람들에게는 “Composition VII”이 평생 지속될 만큼의 지적, 시각적, 심지어 영적 보상을 제공할 수 있다. 그리고 나는 과장하지 않고 있다. 이 그림은 어떤 사람들에게 정말로 그렇게 중요하다—그것의 시각적, 물리적, 형식적 특성 때문만이 아니라, Kandinsky와 그를 감상하는 사람들에게 “Composition VII”은 예술에서 영적 순수성의 구체적인 구현으로 이해되게 되었다.

7로 가는 계단

1910년과 1939년 사이에 칸딘스키는 "구성"이라는 제목을 붙인 10개의 캔버스를 그렸습니다. 오늘날 그 그림 중 7점만이 남아 있으며, 처음 3점은 제1차 세계 대전 중에 파괴되었습니다. 그러나 첫 번째 세 개의 구성에 대한 사진은 존재합니다. 색상 정보는 부족하지만, 우리는 그 사진들로부터 칸딘스키가 각 작품을 창작하면서 겪었던 시각적 여정의 본질에 대한 몇 가지 단서를 파악할 수 있습니다. 그 여정은 처음에 전통적인 풍경과 인물을 단순화된, 생물형 덩어리로 변형하는 것이었고, 그 덩어리들을 점점 더 추상적인 형태와 모양으로 유도하는 것이었습니다. 예를 들어, "구성 III"에서는 인간과 동물의 형태가 여전히 인식 가능하며, 아마도 놀거나 싸우고 있는 듯한 모습으로 목가적인 환경에서 돌아다니고 있습니다. 그러나 "구성 IV"(1911)에서는 형태가 거의 인식할 수 없을 정도로 변형되었습니다. 칸딘스키는 이 이미지에서 오른쪽 하단에 누워 있는 인물들과 오른쪽 상단의 언덕 위에 서 있는 두 개의 탑이 있다고 말하며, 이 장면을 동시에 전쟁과 평화로 묘사합니다. 그러나 그의 설명 없이는 이 결론에 도달하기 어려울 것입니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 VI, 1913. 유채화. 195 x 300 cm. 에르미타주 미술관

“구성 V” (1911)은 더욱 추상적이며, 그럼에도 불구하고 표현하는 감정은 이전의 구성들보다 더 강렬하게 느껴진다. 이 그림에서 형태는 여전히 자연 세계와 어느 정도 관련이 있으며, 약간 인간형의 형상과 준자연적 특징들이 이미지 전반에 걸쳐 간헐적으로 배치되어 있다. 그러나 거의 완전히 추상적인 것은 “구성 VI”로, 칸딘스키가 “구성 V” 이후 2년 후에 그린 작품이다. 이 작품의 가장 두드러진 특징은 선들로, 이미지 중앙에 있는 6개의 평행선은 기타의 목을 닮았다. 이 그림이 나타내는 것은 칸딘스키에 따르면 “홍수”로, 노아의 성경 이야기를 의미한다. 그는 이 이야기를 통해 감정적, 심리적, 영적 본질—파괴와 창조; 두려움과 희망—을 시각적으로 탐구하여 균형과 조화로 압축하려고 했다. “구성 VI”에 대해 그는 “그림의 원래 동기(홍수)는 해체되어 내부의 순수한 회화적이고 독립적이며 객관적인 존재로 전이되었다.”고 썼다. 그럼에도 불구하고 이 그림은 여전히 외부 세계와 시각적 언어를 연결하는 몇 가지 비유적 요소를 명확히 포함하고 있다.

내면의 감정 표현

“구성 VII”은 칸딘스키가 그의 구성 시리즈가 명명된 이상을 달성했다고 느낀 첫 번째 작품이기 때문에 매우 중요하다고 여겨진다. 칸딘스키가 1910년에 출판한 그의 기념비적인 저서인 《예술의 영적에 관하여》의 마지막 장 마지막 단락에서 그는 세 가지 다른 유형의 예술적 영감을 설명한다. 첫 번째, 그가 "인상"이라고 부르는 것은 외부 자연에 대한 직접적인 예술적 인상으로 설명된다. 두 번째, 그가 "즉흥"이라고 부르는 것은 "무의식적이고 자발적인 표현"으로, 후에 초현실주의의 자동 드로잉과 유사하다. 세 번째, 그가 "구성"이라고 부르는 것은 "오랜 성숙 후에만 발화되는 천천히 형성된 내적 감정의 표현"으로 설명된다. "구성 VII"에 관해서는 "오랜 성숙"이라는 문구가 핵심이다. 칸딘스키가 "구성 VII"을 그릴 때 그는 뮌헨에 살고 있었다. 그 당시 그가 남긴 역사적 기록에 따르면, 그는 몇 달 동안 "구성 VII"을 계획하며 다양한 매체로 30개 이상의 예비 스케치를 만들었다. 각 예비 스케치는 "인상"과 "즉흥"이 완전히 결여된 이미지를 향해 나아간다.

바실리 칸딘스키 - 구성 VII, 1913. 유화. 79 x 119 인치 (200.6 x 302.2 cm). 트레티야코프 갤러리

이 이정표를 마친 직후, 칸딘스키는 제1차 세계 대전의 발발로 인해 고향인 러시아로 돌아가야 했다. 전쟁에 대한 우울감으로 그는 수년간 거의 그림을 그리지 않았다. 그는 10년이 지나서야 Composition 시리즈를 재개했다. “Composition VIII” (1923)은 그 전작의 추상 이미지를 순수한 기하학적 시각 언어로 변환한다. “Composition IX”는 1936년에 완성되었으며, 순수하게 추상적이지는 않지만, 꽃 형태와 다른 자연 이미지를 추가하여 “인상”의 개념을 재도입한다. “Composition X” (1939)는 칸딘스키가 사망하기 5년 전에 완성되었으며, 매우 상징적이고 지금도 충격적으로 현대적인 모습이다. 그러나 이러한 후속 Composition 각각과 그 이전의 여섯 개 각각이 비전으로 간주될 수 있지만, “Composition VII”이 돋보이는 이유는 사려 깊고, 체계적이며, 성숙하고, 완전한 추상을 달성함으로써 칸딘스키가 이 시리즈뿐만 아니라 그의 20세기 모든 작품에서 달성하고자 했던 궁극적인 이상을 실현했기 때문이다. 이는 칸딘스키가 그림을 통해 음악가들이 음악으로 달성했다고 믿었던 것을 처음으로 성취한 순간이다: 감정을 형식적 추상 요소로 순수하게 번역하여 인간 정신을 표현할 수 있는 요소들.

특집 이미지: 바실리 칸딘스키 - 구성 V, 1911. 유화. 74.8 x 108.2 인치 (190 x 275 cm). 개인 소장.
모든 이미지 출처: 위키미디어 공용.
필립 Barcio