바실리 칸딘스키의 구성 VII 뒤에 숨겨진 이야기

“구성 VII” (1913)은 바실리 칸딘스키가 그린 작품으로, 많은 추상 미술 애호가들 사이에서 20세기 가장 중요한 그림—어쩌면 지금까지 만들어진 가장 중요한 추상화로 여겨집니다. 하지만 처음 보는 사람들은 종종 부정적인 반응을 보이며 분노, 좌절, 심지어 혐오감을 표현하기도 합니다. 분명히 이 작품은 특히 추상 미술에 익숙하지 않은 이들에게는 어려운 그림입니다. 우선 크기가 매우 커서 200 x 300 센티미터에 달합니다. 둘째, 표면 전체가 무수히 겹쳐진 비정형 형태, 무작위로 보이는 선들, 그리고 선명한 색과 흐릿한 색이 뒤섞인 색채의 지뢰밭으로 덮여 있습니다. 자연 세계를 참조하는 요소는 전혀 없습니다. 깊이의 환상만이 인지되지만, 그 공간은 현실과는 전혀 닮지 않았습니다. 이 그림은 그 신비를 풀려는 노력을 하지 않는 사람에게는 쉽게 무의미하게 보일 수 있습니다. 하지만 열린 마음으로 연구하려는 이들에게 “구성 VII”은 평생 동안 지적, 시각적, 심지어 영적인 보상을 충분히 제공할 수 있습니다. 과장이 아닙니다. 이 그림은 일부 사람들에게 정말로 그만큼 중요합니다—단지 시각적, 물리적, 형식적 특성 때문만이 아니라, 칸딘스키와 그를 이해하는 이들에게 “구성 VII”은 예술에서 영적 순수성의 구체적인 구현으로 여겨지기 때문입니다.

일곱으로 가는 계단

1910년부터 1939년 사이에 칸딘스키는 “구성”이라는 제목을 붙인 캔버스 10점을 그렸습니다. 오늘날 그 중 7점만 남아 있으며, 처음 세 점은 제1차 세계대전 중에 파괴되었습니다. 하지만 처음 세 구성의 사진은 존재합니다. 색상 정보는 없지만, 이를 통해 칸딘스키가 각 작품을 창작하면서 걸었던 시각적 여정의 본질에 대한 단서를 알 수 있습니다. 그 여정은 처음에 전통적인 풍경과 인물을 단순화된 생체형태 덩어리로 변형시키고, 그 덩어리들을 점점 더 추상적인 형태로 유도하는 것이었습니다. 예를 들어 “구성 III”에서는 인간과 동물의 형태가 여전히 인식 가능하며, 목가적인 환경에서 놀거나 싸우거나 혹은 두 가지를 동시에 하는 듯한 모습입니다. 하지만 “구성 IV”(1911)에서는 형태가 거의 알아볼 수 없게 됩니다. 칸딘스키는 이 그림에서 오른쪽 아래에 누워 있는 인물들과 오른쪽 위 언덕 위에 서 있는 두 개의 탑이 있으며, 이를 동시에 전쟁과 평화의 장면으로 묘사했습니다. 하지만 그의 설명 없이는 저도 이런 결론에 도달하기 어려울 것입니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 VI, 1913년. 캔버스에 유화. 195 x 300 cm. 에르미타주 미술관

“구성 V”(1911)는 훨씬 더 추상적이지만, 이 그림이 표현하는 감정은 이전 구성들보다 더 강렬하게 느껴집니다. 이 그림에서는 형태가 여전히 자연 세계와 어느 정도 관련이 있는데, 약간 인간형의 인물과 준자연적 특징들이 이미지 곳곳에 흩어져 있습니다. 그러나 거의 완전히 추상적인 것은 “구성 VI”로, “구성 V” 이후 2년 만에 칸딘스키가 그렸습니다. 이 작품의 가장 두드러진 특징은 기타 목처럼 보이는 이미지 중앙의 6개의 평행선 같은 선들입니다. 칸딘스키에 따르면 이 그림은 “홍수”를 나타내며, 이는 성경의 노아 이야기를 의미합니다. 그는 이 이야기의 감정적, 심리적, 영적 본질—파괴와 창조, 두려움과 희망—을 균형과 조화에 대한 시각적 탐구로 증류하려 했습니다. “구성 VI”에 대해 그는 “그림의 원래 동기(홍수)는 해체되어 내면적이고 순수하게 회화적이며 독립적이고 객관적인 존재로 전환되었다”고 썼습니다. 그럼에도 불구하고 이 그림에는 여전히 외부 세계와 연결되는 몇몇 구상적 요소가 명확히 포함되어 있습니다.

내면 감정의 표현

“구성 VII”이 중요하게 여겨지는 이유는 칸딘스키가 자신의 구성 시리즈에서 이름 붙인 이상을 처음으로 달성했다고 느꼈기 때문입니다. 칸딘스키가 1910년에 출간한 그의 기념비적 저서 《예술에서의 영적 문제》 마지막 장의 마지막 단락에서 그는 세 가지 다른 예술적 영감 유형을 설명합니다. 첫 번째는 “인상”으로, 외부 자연에 대한 직접적이고 예술적인 인상입니다. 두 번째는 “즉흥”으로, 무의식적이고 자발적인 표현으로, 후에 초현실주의의 자동 드로잉과 유사합니다. 세 번째는 “구성”으로, “오랜 숙성 후에야 표현되는 천천히 형성된 내면 감정의 표현”이라고 설명합니다. “구성 VII”에 관해서는 “오랜 숙성”이라는 표현이 핵심입니다. “구성 VII”을 그릴 때 칸딘스키는 뮌헨에 살고 있었습니다. 당시 그가 남긴 기록에 따르면, 그는 몇 달 동안 “구성 VII”을 계획하며 다양한 매체로 30점 이상의 예비 스케치를 만들었습니다. 각 예비 스케치는 “인상”과 “즉흥”이 완전히 배제된 이미지를 향해 나아갑니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 VII, 1913년. 캔버스에 유화. 79 x 119 인치 (200.6 x 302.2 cm). 트레티야코프 미술관

이 중요한 작품을 완성한 직후, 제1차 세계대전 발발로 인해 칸딘스키는 러시아로 돌아가야 했습니다. 전쟁에 우울해져 몇 년간 거의 그림을 그리지 않았습니다. 구성 시리즈를 재개한 것은 10년 후였습니다. “구성 VIII”(1923)는 이전 작품의 추상 이미지를 순수한 기하학적 시각 언어로 변환했습니다. 1936년에 완성된 “구성 IX”는 완전히 추상적이지는 않으며, 꽃 형태와 기타 자연 이미지를 추가해 “인상”의 개념을 다시 도입합니다. 1939년에 완성된 “구성 X”는 매우 상징적이며, 지금 봐도 충격적으로 현대적인 모습입니다. 그러나 이 후속 구성들과 그 이전의 여섯 작품 모두가 선견지명이 있다고 할 수 있지만, “구성 VII”이 특별한 이유는 사려 깊고 체계적이며 성숙하고 완전한 추상을 달성함으로써 칸딘스키가 이 시리즈뿐 아니라 20세기 그의 모든 작품에서 추구한 궁극적 이상을 실현했기 때문입니다. 이 작품은 칸딘스키가 음악가들이 음악으로 달성한다고 믿었던 것, 즉 감정을 형식적 추상 요소로 순수하게 번역하여 인간 정신을 표현하는 것을 회화로 처음 이룬 작품입니다.

대표 이미지: 바실리 칸딘스키 - 구성 V, 1911년. 캔버스에 유화. 74.8 x 108.2 인치 (190 x 275 cm). 개인 소장.
모든 이미지 출처: 위키미디어 커먼즈.
필립 Barcio 작성