아돌프 고틀리브의 어두운 추상 미술
아돌프 고틀리브는 20세기 중반 추상화의 주요 인물 중 한 명이었다. 그의 그림은 감정적이고, 간결하며, 원시적이며, 많은 사람들은 그것들을 어둡다고 생각한다. 그러나 고틀리브는 자신을 어둠의 반대라고 보았다. 그는 자신이 에너지가 넘치고, 복잡하며, 열정적으로 현대적이고, 인류를 위한 더 나은 무언가로 나아가는 길을 밝히는 사람이라고 느꼈다. 인류 역사에서 가장 격동적인 시기의 시작에 뉴욕에서 태어난 고틀리브는 분명히 어두운 시기에 성숙해 갔다: 사회적, 정치적, 경제적 고통의 시기로, 사회의 미래가 실제적이고 구체적인 의미에서 의문에 처해 있었다. 그의 예술뿐만 아니라 그의 글에서도 분명히 드러나듯이, 제1차 세계대전, 대공황, 제2차 세계대전의 불안과 모호함은 그의 미학적 비전의 발전에 절대적으로 기여했다. 그러나 그 미학적 비전은 많은 비평가들이 제안한 것처럼 슬픔이나 파멸의 하나가 아니었다. 사실 그것은 고틀리브가 인간의 마음과 정신에 대한 진실을 희망적인 방식으로 전달하고자 노력한 하나였다. 고틀리브가 인식한 그러한 진실이 어느 정도의 광기와 혼돈을 포함해야 하는 것은 피할 수 없는 것일지도 모른다. 그러나 1974년 그가 세상을 떠날 때 남긴 방대한 작품은 아름다움, 평온함, 평화로움, 그리고 숭고함도 포함하고 있었다. 때때로 논란이 되는 그의 세계관을 정의한 이러한 역설적인 복잡성은 궁극적으로 아돌프 고틀리브가 추상 미술을 재정의하도록 이끌었고, 그의 진정한 brilliance와 빛을 인정받기 시작한 작품을 창조하는 결과를 가져왔다.
마음의 예술가
아돌프 고틀리브는 1904년 뉴욕의 노동계급 이민자 가정에서 태어났다. 당시 로어 이스트 사이드에서 자라는 많은 아이들과 비교했을 때, 그는 부모님이 성공적인 문구점을 운영하며 언젠가 그 가게를 물려주기를 희망했기 때문에 인생의 출발이 훌륭했다. 하지만 그는 아주 어릴 때부터 자신이 원하는 것이 예술가라는 것을 확신했다. 그는 그 사실에 대해 매우 확신했기 때문에 15세에 학교를 중퇴하고 자신의 예술에 전념하기로 결심했다. 그는 많은 예술가들이 추상 표현주의 운동의 일원이 되기 위해 수업을 들었던 예술가 주도의 기관인 아트 스튜던트 리그에서 강의를 들었다. 그리고 17세에 고틀리브는 유럽으로 떠났고, 프랑스로 향하는 배에서 일하며 여비를 벌었다.
그의 젊은 시절 능력에 대한 믿음은 해외에서 결실을 맺었고, 그는 유럽 모더니즘의 세계와 빠르게 친숙해졌다. 1920년대 미국 미술과 대조적으로, 당시 유럽 미술은 환상적으로 창의적이었다. 그는 포비즘, 입체파, 초월주의, 미래주의 및 기하학적 추상화에 노출되었다. 그는 박물관을 자주 방문하고 찾을 수 있는 무료 미술 수업에 참석했다. 그리고 비자가 만료되었을 때, 그는 유럽 전역을 여행하며 거의 또 다른 1년을 보냈다. 그 과정에서 그는 유럽 예술가들이 중요한 무언가와 연결되어 있다고 확신하게 되었다. 특히 그는 부족 미술의 확산하는 영향에 매료되었고, 이는 그가 고대 상징과 수세기 된 시각 전통 내에서 보편성을 추구하기 위해 미국의 구어체적 피규라티브 미술을 거부하도록 영감을 주었다.
아돌프 고틀리브 - 블랙 스플래시, 1967, 컬러 실크스크린, 31 1/8 × 23 1/8 인치, 79.1 × 58.7 cm (왼쪽) 및 플라잉 라인, 1967, 컬러 실크스크린, 30 × 22 인치, 76.2 × 55.9 cm, 사진 제공 마를버러 갤러리
철학자 예술가
고틀리브가 1922년 뉴욕으로 돌아왔을 때, 그는 예술가로서 자신의 책임감을 느끼게 되었다. 그는 자신을 자신의 문화에 대한 현대화의 힘으로 보았고, 예술가들이 철학자이자 사회 변화의 주체가 되어야 한다는 개념을 받아들였다. 그는 미술 교육을 마치고, 다음 몇 년 동안 마크 로스코, 바넷 뉴먼, 데이비드 스미스, 밀턴 에이브리와 같은 다른 예술가/철학자들과 친구가 되었다. 이들 중 일부는 결국 그들의 세대에서 가장 유명한 미국 예술가가 될 것이다. 고틀리브와 그의 동료들은 이례적이었다. 그들은 추상 예술가였거나, 적어도 추상으로 해석되는 예술을 만든 예술가들이었지만, 그들의 작업의 의미에 대해 공개적으로 이야기하기를 열망했다.
그 당시 아방가르드 예술가들, 특히 추상 예술가들은 미국에서 이해받지 못했으며, 뉴욕에서도 널리 존경받지 못했다. 많은 이들이 자신과 자신의 가치를 옹호하는 데 어려움을 겪었고, 특히 모더니스트 미학 이상에 대한 가치를 주장하는 데 어려움을 겪었다. 그러나 고틀리브는 타고난 옹호자이자 태어날 때부터 소통의 달인이었다. 그는 정치적이고 사회적으로 참여했으며, 자신이 중요하다고 생각하는 것에 대해 신속하게 목소리를 냈다. 1935년, 고틀리브와 그의 친구 마크 로스코(당시 마르쿠스 로스코위츠로 알려짐)는 '더 텐'이라는 그룹을 결성하여 그들의 신념을 행동으로 옮겼다. 이 그룹에는 루 샹커, 일리야 볼로토프스키, 벤-지온, 조 솔로몬, 나훔 차크바소프, 루 해리스, 랄프 로젠보그, 얀켈 쿠펠드가 포함되었다. 뉴욕 큐레이터 씬에서 지배적인 경향에 공개적으로 반대하여, 더 텐은 그들이 "미국 회화와 문자적 회화의 평판에 대한 동등성."이라고 부르는 것을 거부하며 그들의 추상 작품을 함께 전시했다.
아돌프 고틀리브 - 레드 그라운드, 캔버스에 장착된 종이에 유화
상형 문자
고틀리브가 결국 발전시킨 성숙한 추상 스타일로의 첫 번째 발전 중 하나는 1940년대 초에 그의 픽토그래프 회화의 형태로 나타났습니다. 이 작품들은 보편적인 감정과 느낌을 전달할 수 있는 새로운 상징적 이미지 언어를 창조하려는 시도였습니다. 고틀리브는 그의 픽토그래프 회화를 그렇게 개념화하여 표면이 평평해지고, 깊이와 그들의 형상적 요소와 관련될 수 있는 환상의 감각이 제거되었습니다. 그는 또한 캔버스의 모든 영역을 민주화하여 곧 "올오버" 회화라고 불릴 것에 대한 예견적인 언급을 했습니다. 그의 픽토그래프는 어린아이의 낙서를 연상시키는 거칠음을 사용하였고, 부족 사회의 미적 경향을 불러일으켰습니다.
어떤 의미에서 고틀리브는 상형 문자나 중국 한자의 전통에 따라 새로운 이미지 알파벳을 만들고자 했습니다. 그러나 그는 특정한 이야기를 전달하려고 하기보다는 자신의 주장을 본질적인 요소로 압축하려고 했습니다. 그가 언급하는 신화를 명확히 설명하기보다는, 그 신화의 핵심에 존재하는 집단적인 인간 감정을 전달하려고 했습니다. 이 목표를 달성하기 위해 그는 외부의 연관성에서 완전히 자유롭고 전적으로 독창적인 이미지를 신중하게 만들었으며, 그들의 보편적인 특성이 사람들을 갈라놓는 사소한 문화적 차이를 초월할 것이라고 희망했습니다.
아돌프 고틀리브 - 픽토그래프, 1942, 아티스트 보드에 유화, 29 1/4 × 23 1/4 인치, 74.3 × 59.1 cm, 사진 제공: 홀리스 태그갤러리, 뉴욕 (왼쪽) 및 제목 없음, 1949, 종이에 파스텔, 24 × 18 인치, 61 × 45.7 cm, 사진 제공: 베르그그루엔 갤러리, 샌프란시스코 (오른쪽)
상상의 풍경
고틀리브는 그의 픽토그래프를 발전시키면서 단순화 과정을 거쳤습니다. 그 과정에서 그는 상상의 풍경이라고 부르는 일련의 작품에 도달했습니다. 픽토그래프와 달리, 이미지의 어떤 부분에도 명확한 강조를 두지 않았던 고틀리브는 이 그림들에서 수평선의 도입을 통해 그림 평면을 두 개의 뚜렷한 영역으로 나누었습니다. 선 아래에는 고틀리브가 픽토그래픽 낙서를 추가했습니다. 선 위에는 색깔이 있는 기하학적 형태를 추가했습니다. 상상의 풍경은 두 가지 유형의 이미지 간의 위계적 관계를 암시했습니다. 종속적으로 묘사된 것은 인간의 불안을 표현한 복잡하고 감정적인 낙서입니다. 그 위에 떠 있는 것은 보편적인 순수성을 직접적으로 표현한 단순한 것입니다.
상상의 풍경은 이후 고틀리브가 폭발 그림이라고 부른 것으로 더욱 단순화되었다. 이 작품들에서 그는 수평선을 제거했지만, 하단의 낙서와 상단의 통일된 형태는 유지했다. 폭발은 넓은 색상 영역을 사용하였고, 색상 요소와 형태 요소를 통합하였다. 이들은 거의 신성한 수준에서 사유를 초대하며, 어떤 높은 의식과 낮은 의식 간의 공생 관계 개념을 전달하는 것처럼 보였다.
아돌프 고틀리브 - 상상의 풍경, 1971, 파브리아노 종이에 색상 아쿠아틴트, 전체 여백 포함, 26 3/10 × 32 1/2 인치, 66.7 × 82.6 cm
아돌프 고틀리브의 유산
1970년에 Gottlieb은 뇌졸중을 앓고 왼쪽 몸의 기능을 잃었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 작업을 계속했으며, 사망하기 1년 전 Burst 시리즈의 가장 심오하고 극단적인 표현 중 일부를 창조했습니다. 그의 삶이 끝날 무렵, 그는 자신이 창조한 독특한 작품 집합뿐만 아니라 다른 사람들의 작업에 미친 영향으로도 알려져 있었습니다. 그의 철학은 추상 표현주의자들의 아이디어에 필수적이었습니다. 그리고 그의 미적 비전은 색면 회화와 미니멀리즘의 부상에 영향을 미친 것으로 여겨집니다.
그러나 아돌프 고틀리브가 70년 동안 창작한 그림, 조각 및 판화의 미학적 유산만큼이나 중요한 것은 그가 속한 더 큰 예술 공동체에 기여한 바이다. 이는 형식적 발전, 세대 및 운동을 초월하는 것이다. 고틀리브는 예술가를 사회와 분리된 존재가 아니라 복잡하게 연결된 존재로 보았다. 그는 예술이 문명을 변화시킬 수 있는 잠재력을 믿었고, 모든 사람이 이해할 수 있도록 미학적 아이디어를 공개적으로 그리고 평이한 언어로 논의하는 것이 중요하다고 생각했다. 그는 예술가들이 문화가 스스로를 이해하는 능력에 필수적이라고 인식했으며, 그의 작업을 통해 모든 예술가가 자신의 시대의 광기, 혼돈, 찬란함, 아름다움, 어둠과 빛을 표현할 책임이 있음을 보여주었다.
특징 이미지: 아돌프 고틀리브 -
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
