아돌프 고틀리브의 어두운 추상 미술
아돌프 고틀리브는 20세기 중반 추상미술의 핵심 인물 중 한 명이었습니다. 그의 그림은 감정적이고 간결하며 원시적이며, 많은 사람들이 그것을 어둡다고 생각합니다. 그러나 고틀리브는 자신을 어둠의 반대라고 보았습니다. 그는 자신이 에너지 넘치고 복잡하며 열정적으로 현대적이며, 예술을 통해 인류를 위한 더 나은 무언가로 이끄는 빛을 비추는 사람이라고 느꼈습니다. 인류 역사상 가장 격동적인 시기 중 하나인 뉴욕시에서 태어난 고틀리브는 분명히 어두운 시기에 성숙했습니다. 그 시기는 사회적, 정치적, 경제적 고통의 시기로, 사회의 미래가 실제적이고 구체적인 의미에서 의문시되던 때였습니다. 그의 예술뿐만 아니라 글에서도 제1차 세계대전, 대공황, 제2차 세계대전의 불안과 모호함이 그의 미학적 비전 형성에 절대적으로 기여했다는 것이 분명합니다. 그러나 그 미학적 비전은 많은 비평가들이 제안한 것처럼 단지 슬픔이나 파멸의 시각만은 아니었습니다. 사실 그것은 고틀리브가 단순히 인간의 마음과 정신에 대한 진실을 희망적인 방식으로 전달하려고 노력한 하나의 방식이었습니다. 아마도 고틀리브가 인식한 그러한 진실에는 어느 정도의 광기와 혼돈이 포함될 수밖에 없었을 것입니다. 그러나 1974년 그가 세상을 떠날 때 남긴 방대한 작품들은 아름다움, 평온함, 고요함, 숭고함도 포함하고 있었습니다. 그의 때로는 논란이 되었던 세계관을 정의한 이러한 역설적인 복잡성들은 결국 아돌프 고틀리브가 추상미술을 재정의하게 했으며, 이제야 그 진정한 빛과 탁월함이 인정받기 시작한 작품 세계를 탄생시켰습니다.
예술가의 마음
아돌프 고틀리브는 1904년 뉴욕의 노동자 계급 이민자 가정에서 태어났습니다. 당시 로어 이스트 사이드에서 자라던 많은 아이들과 비교할 때, 그의 부모가 성공적인 문구 사업을 일구어 그에게 물려주길 바랐기에 그는 인생의 출발점이 매우 좋았습니다. 그러나 그는 아주 어릴 때부터 자신이 되고 싶은 것은 오직 예술가뿐임을 확신했습니다. 그 사실에 너무 확신한 나머지 15세에 학교를 중퇴하고 예술에 전념하기로 결심했습니다. 그는 많은 예술가들이 나중에 추상 표현주의 운동에 참여했던 예술가 주도 기관인 아트 스튜던트 리그에서 강의를 들었습니다. 그리고 17세에 고틀리브는 프랑스로 향하는 배에서 일하며 운임을 벌어 유럽으로 떠났습니다.
젊은 시절 자신의 능력에 대한 믿음은 해외에서 결실을 맺었고, 그는 유럽 현대미술 세계와 빠르게 친숙해졌습니다. 1920년대 미국 미술과 달리 당시 유럽 미술은 매우 창의적이었습니다. 그는 야수파, 입체파, 절대주의, 미래주의, 기하학적 추상에 노출되었습니다. 그는 박물관을 자주 방문했고, 찾을 수 있는 무료 미술 수업에 참여했습니다. 비자가 만료되자 그는 거의 1년 동안 유럽 전역을 여행했습니다. 그 과정에서 그는 유럽 예술가들이 중요한 무언가와 연결되어 있다고 확신하게 되었습니다. 특히 그는 부족 예술의 확산 영향에 매료되었는데, 이 경향은 그가 미국의 구상 미술의 일상성을 거부하고 고대 상징과 수세기 된 시각 전통 속에서 보편성을 찾도록 영감을 주었습니다.
아돌프 고틀리브 - Black Splash, 1967, 컬러 실크스크린, 31 1/8 × 23 1/8 인치, 79.1 × 58.7 cm (왼쪽) 그리고 Flying Lines, 1967, 컬러 실크스크린, 30 × 22 인치, 76.2 × 55.9 cm, 사진 제공 말보로 갤러리
철학자 예술가
고틀리브가 1922년 뉴욕으로 돌아왔을 때, 그는 예술가로서 자신의 책임감을 가지고 돌아왔습니다. 그는 자신을 문화의 현대화 세력으로 보았고, 예술가는 철학자이자 사회 변혁의 주체가 되어야 한다는 생각을 받아들였습니다. 그는 미술 교육을 마쳤고, 이후 몇 년 동안 마크 로스코, 바넷 뉴먼, 데이비드 스미스, 밀턴 에이버리 등과 친구가 되었으며, 이들 중 일부는 결국 그 세대의 가장 유명한 미국 예술가가 되었습니다. 고틀리브와 그의 동료들은 이례적인 존재였습니다. 그들은 추상 미술가였거나 적어도 추상으로 해석되는 작품을 만든 예술가였지만, 동시에 자신의 작품 의미에 대해 공개적으로 이야기하기를 열망했습니다.
당시 미국에서는 전위 예술가들, 특히 추상 미술가들이 이해받지 못했고, 뉴욕에서도 널리 존경받지 못했습니다. 많은 이들이 자신과 자신의 가치를, 특히 현대 미학적 이상에 대한 가치를 옹호하는 데 어려움을 겪었습니다. 그러나 고틀리브는 타고난 옹호자이자 소통가였습니다. 그는 정치적, 사회적으로 참여했으며, 자신이 중요하다고 여긴 것에 대해 신속히 목소리를 냈습니다. 1935년, 고틀리브와 그의 친구 마커스라는 이름으로 알려졌던 마크 로스코는 ‘더 텐(The Ten)’이라는 그룹을 결성해 신념을 행동으로 옮겼습니다. 이 그룹에는 루 샹커, 일야 볼로토프스키, 벤-지온, 조 솔로몬, 나훔 차크바소프, 루 해리스, 랄프 로젠버그, 얀켈 쿠펠드가 포함되었습니다. 뉴욕 큐레이터계의 주류 경향에 대한 공개적인 항의로, 더 텐은 자신들의 추상 작품을 함께 전시하며 “미국 회화와 문자적 회화의 동등성이라는 평판”을 거부했습니다.
아돌프 고틀리브 - Red Ground, 종이에 유화, 캔버스에 부착
상형문자 그림
고틀리브가 결국 발전시킨 성숙한 추상 양식으로의 첫 진전 중 하나는 1940년대 초반에 나타난 그의 상형문자 그림이었습니다. 이 작품들은 본질적으로 보편적인 감정과 느낌을 전달할 수 있는 새로운 상징적 이미지 언어를 창조하려는 시도였습니다. 고틀리브는 자신의 상형문자 그림을 표면을 평평하게 하여 깊이감과 구상적 요소와 연관될 수 있는 환영을 제거하는 방식으로 구상했습니다. 또한 그는 곧 ‘전체화’ 회화라고 불리게 될 것을 예견하며 캔버스의 모든 영역을 평등하게 다루었습니다. 그의 상형문자 그림은 어린아이의 낙서 같은 거친 느낌을 사용했고, 부족 사회의 미학적 경향을 불러일으켰습니다.
어떤 의미에서 고틀리브는 상형문자나 한자의 전통에서 새로운 이미지 알파벳을 만들려고 했습니다. 그러나 특정한 이야기를 전달하려는 대신, 그는 자신의 표현을 가장 기본적인 요소로 압축하려 했습니다. 그가 참조한 신화를 철자하는 대신, 그 핵심에 깃든 집단적 인간 감정을 전달하려 했습니다. 이 목표를 달성하기 위해 그는 완전히 독창적이고 외부 연상에서 자유로운 이미지를 신중하게 창조했으며, 그 보편적 성격이 사람들을 갈라놓는 사소한 문화적 차이를 초월하기를 바랐습니다.
아돌프 고틀리브 - Pictograph, 1942, 화가용 판넬에 유화, 29 1/4 × 23 1/4 인치, 74.3 × 59.1 cm, 사진 제공 홀리스 태거트 갤러리, 뉴욕 (왼쪽) 그리고 제목 없음, 1949, 종이에 파스텔, 24 × 18 인치, 61 × 45.7 cm, 사진 제공 버그룬 갤러리, 샌프란시스코 (오른쪽)
상상의 풍경
고틀리브가 상형문자 그림을 발전시키면서 단순화 과정을 거쳤습니다. 그 과정에서 그는 상상의 풍경이라 부르는 일련의 작품에 도달했습니다. 상형문자 그림과 달리, 상상의 풍경은 이미지의 어느 한 부분에 명확한 강조를 두지 않고, 수평선을 도입해 그림 평면을 두 개의 뚜렷한 영역으로 나누었습니다. 수평선 아래에는 상형문자 같은 낙서를 추가했고, 위에는 색색의 기하학적 형태를 넣었습니다. 상상의 풍경은 두 이미지 유형 간의 위계적 관계를 암시했습니다. 아래쪽에는 복잡하고 감정적인 인간의 고뇌 표현이, 위쪽에는 단순하고 직접적인 보편적 순수함의 표현이 배치되었습니다.
상상의 풍경은 이후 고틀리브가 폭발이라 부른 작품으로 더 단순화되었습니다. 이 작품들에서는 수평선을 없애고 아래쪽의 낙서와 위쪽의 통일된 형태를 유지했습니다. 폭발은 넓은 색면을 사용하며 색과 형태 요소를 통합했습니다. 이 작품들은 거의 신성한 수준의 사색을 초대하며, 상위와 하위 의식 간의 공생 관계 개념을 전달하는 듯했습니다.
아돌프 고틀리브 - Imaginary Landscape, 1971, 색상 아쿠아틴트, 파브리아노 종이에 전체 여백 포함, 26 3/10 × 32 1/2 인치, 66.7 × 82.6 cm
아돌프 고틀리브의 유산
1970년, 고틀리브는 뇌졸중으로 몸의 왼쪽을 사용하지 못하게 되었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 작업을 계속했으며, 사망 1년 전에는 폭발 시리즈 중 가장 깊고 극단적인 표현을 만들어냈습니다. 그의 생애가 끝날 무렵, 그는 독특한 작품뿐 아니라 다른 이들의 작업에 미친 영향으로도 알려졌습니다. 그의 철학은 추상 표현주의자들의 사상에 필수적이었으며, 그의 미학적 비전은 색면 회화와 미니멀리즘의 부상에 영향을 준 것으로 여겨집니다.
그러나 아돌프 고틀리브가 70년 동안 창조한 그림, 조각, 판화의 미학적 유산만큼이나 중요한 것은 그가 속한 더 큰 예술 공동체에 기여한 바입니다. 그것은 형식적 진보, 세대, 운동을 초월하는 것입니다. 고틀리브는 예술가가 사회와 분리된 존재가 아니라 밀접하게 연결된 존재라고 보았습니다. 그는 예술이 문명을 변화시킬 잠재력이 있다고 믿었으며, 미학적 아이디어를 모두가 이해할 수 있도록 공개적이고 쉬운 언어로 논의하는 것이 중요하다고 여겼습니다. 그는 예술가가 문화가 스스로를 이해하는 능력에 필수적이라고 인식했으며, 자신의 작품을 통해 모든 예술가가 그 시대의 광기, 혼돈, 탁월함, 아름다움, 어둠과 빛을 표현할 책임이 있음을 보여주었습니다.
대표 이미지: 아돌프 고틀리브 -
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 지음
