바넷 뉴먼 회화의 톤과 형식의 명확성

Barnett Newman의 상징적인 지퍼 그림들은 얇고 빛나는 수직 띠가 몰입감 있는 색채 영역으로 둘러싸여 있어 20세기 가장 감동적이고 강력한 작품 중 하나로 여겨집니다. 그러나 뉴먼은 그의 시대에 인정받지 못했습니다. 그는 마흔이 되어서야 성숙한 스타일에 도달했으며, 처음 지퍼 그림을 전시했을 때 비평가와 수집가 모두가 이를 일제히 경멸했습니다. 그럼에도 불구하고 뉴먼은 자신이 예술로 전달하고자 하는 바에 오롯이 집중했습니다. 그의 길고 어려운 성공 여정은 그에게 독특한 관점을 부여했고, 삶과 예술의 의미와 목적을 스스로 추론할 기회를 주었습니다. 역사가 뉴먼을 따라잡았을 때, 그의 독특한 관점은 보편적이고 개별적이며 숭고한 것을 완벽하게 전달하는 예술 작품으로 결실을 맺었습니다.

작가로서의 Barnett Newman

Barnett Newman은 말과 이미지 모두를 통해 소통하는 열정을 타고났습니다. 브롱크스에서 자라면서 학교에서 말하기 대회에서 우승한 적도 있습니다. 고등학교 3학년 때는 거의 매일 미술 학생 연맹에서 수업을 들었습니다. 대학에서는 예술을 공부하고 철학을 전공하며 학교 출판물에 글을 기고하는 등 자신의 열정을 발휘했습니다. 하지만 엄청난 재능과 열정에도 불구하고 대학 졸업 후 뉴먼은 자신의 열정을 어떻게 직업으로 활용할지 명확한 방향을 찾지 못했습니다.

1927년 철학 학위를 받고 졸업한 후 뉴먼은 가족 사업장에서 일하며 예술가의 삶을 살기 전 돈을 모으려 했습니다. 그러나 2년 후 주식 시장이 붕괴되면서 그와 가족의 거의 모든 전망이 무너졌습니다. 가혹한 현실에 직면한 뉴먼은 어떻게든 살아남기 위해 진지하게 나섰습니다. 대체 교사로 일하고 정치와 미술사 같은 주제로 여러 출판물에 글을 썼습니다. 고군분투하며 길을 찾는 동안에도 계속 그림을 그렸고, 같은 길을 찾으려 애쓰는 동료들과 인연을 맺었습니다. 그 인연에는 그의 아내 Annalee, 화가 Mark Rothko와 Adolph Gottlieb, 그리고 갤러리 주인 Betty Parsons가 포함됩니다.

 

Barnett Newman - 미드나잇 블루, 1970년. 239 x 193 cm. 쾰른 루드비히 미술관, 독일. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

 

철학자로서의 Barnett Newman

1930년대와 1940년대 초반 내내 뉴먼은 자신의 화가로서의 노력에 끊임없이 불만족했습니다. 그는 시인과 철학자의 마음을 지녔으며 자신의 내면을 예술로 소통할 방법을 찾고 있었습니다. 그는 Betty Parsons와의 인연 덕분에 여러 다른 예술가들의 전시 카탈로그 에세이를 쓰며 예술에 대해 글을 쓰는 데서 위안을 찾았습니다. 이러한 글쓰기와 다양한 삶의 경험, 개인적 고난은 그가 점차 인간 본성과 예술의 목적에 관한 깊은 이론을 발전시키는 데 이르렀습니다.

그는 1947년과 1948년에 각각 쓴 두 편의 에세이에서 그 철학을 명확히 밝혔습니다. 첫 번째 에세이 제목은 The First Man Was an Artist였습니다. 그 안에서 뉴먼은 시적이거나 예술적 본능이 인간에게는 언제나 실용적 본능보다 앞서 왔다고 주장했습니다. 그는 신의 진흙 조각상이 도자기보다 먼저 존재했으며, 가장 원초적인 감정을 표현하는 시적 신음과 비명이 이른바 문명화된 발화보다 앞섰다고 말했습니다. “도자기는 문명의 산물이다,”라고 뉴먼은 썼습니다. “예술 행위는 인간의 개인적 천부 권리이다.”

 

Barnett Newman - 디오니시우스, 1949년. 캔버스에 유화. 전체 크기: 170.2 x 124.5 cm (67 x 49 인치). Annalee Newman 기증, 국립미술관 50주년 기념. 1988.57.2. 국립미술관 소장. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

 

화가로서의 Barnett Newman

뉴먼이 쓴 두 번째 중요한 에세이 제목은 The Sublime Is Now였습니다. 이 글에서 그는 단순히 아름다움을 쫓는 과거 모든 예술가들을 꾸짖었습니다. 심지어 모더니스트 예술가들도 아름다움을 재해석하는 데 그쳤으며, “새로운 비전을 창조하기보다 가치의 전이를 하고 있다”고 주장했습니다. 그는 자신과 동시대 예술가들이 완전히 새로운 것을 추구하며, “예술이 아름다움의 문제와 그것을 어디서 찾을지에 관심이 있다는 것을 완전히 부정함으로써” 그것을 이루고 있다고 말했습니다. 그가 만든 작품들은 역사적이거나 향수를 불러일으키거나 신화적인 것과 아무런 관련이 없으며, “자명하고” “우리 자신의 감정으로 만들어진” 것이라고 단언했습니다.

이러한 철학적 사유의 결과는 1948년 뉴먼이 만든 상징적인 걸작 Onement에서 예술적으로 나타났습니다. 이 작품은 그의 zip paintings 중 첫 번째입니다. 작품 제목은 말장난입니다. ‘atonement’라는 단어를 가리키는데, 이는 무언가를 수리한다는 의미일 수도 있고, 기독교에서 인류와 신성이 그리스도 형상으로 합일되는 것을 의미하기도 합니다. 그러나 단어의 처음 두 글자를 떼어냄으로써 뉴먼은 개인의 전체성, 즉 ‘하나’를 가리키며, 모든 숭고한 이해가 한 사람 또는 한 그림 안에 완전히 담길 수 있다는 그의 포괄적 사상을 표현했습니다.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948년. 캔버스에 유화 및 캔버스에 마스킹 테이프 위에 유화. 27 1/4 x 16 1/4인치 (69.2 x 41.2 cm). Annalee Newman 기증. 390.1992. MoMA 소장. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

 

목적의 독특한 표현

Onement을 그린 후 Barnett Newman은 이전의 모든 작품을 파괴했습니다. 그는 자신이 찾던 미적 목소리를 얻었고, 그 순간부터 자신의 특정한 비전에 맞지 않는 작품은 모두 파괴했습니다. 아이러니하게도, 자신의 작품을 파괴할 필요성을 느낀 사람은 그뿐만이 아니었습니다. 그는 1950년 친구 Betty Parsons가 그를 대리하기 시작하면서 그 불행한 교훈을 배웠습니다. 이후 2년 동안 그녀의 갤러리에서 두 차례 개인전을 열었는데, 두 전시 모두 그의 그림들이 찢겼고, 비평가들은 작품을 일제히 조롱했습니다.

그가 겪은 증오에 충격을 받은 뉴먼은 Betty Parsons와의 관계를 끊고 다음 4년간 작품 전시를 완전히 중단했습니다. 그는 심지어 팔린 작품 중 하나를 다시 사들여 수집가에게 “아직까지 내 작품 한 점에 대해 직접적이고 순수한 태도를 가질 수 있는 조건이 존재하지 않는다”고 썼습니다. 그러나 그는 계속해서 지퍼 그림을 그렸고, 그것들이 숭고하고 개별적인 정신의 순수함과 위대함을 전달한다고 믿었습니다. 그러나 다시 전시를 결심했을 때도 작품은 여전히 조롱받았으며, 1957년 Vir Heroicus Sublimis 전시회 비평가 중 한 명은 작품을 저주하며 크기와 붉은 색만을 언급했습니다.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950년. 캔버스에 유화. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242.2 x 541.7 cm). Ben Heller 부부 기증. 240.1969. MoMA 소장. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

 

다음 세대

대중의 오해에도 불구하고 뉴먼은 표현을 단순화하여 자신의 표현을 굳혔습니다. 그의 가장 성공적인 작품들은 오직 두 가지 요소, 즉 음색과 형태로만 이루어졌습니다. 지퍼는 형태라기보다 모양에 가까웠습니다. 그러나 그림은 전체적으로 형태였습니다. 지퍼는 주변 색채 영역과 구별되는 색조의 변화 표현이었고, 그는 음색을 음악적 의미로도 표현하여 명확하고 정밀하며 길게 뻗은 목소리의 표현으로 나타냈습니다. 음색과 형태의 명확한 표현을 통해 뉴먼은 권능, 개성, 그리고 개인의 보편적 본질의 가치를 굳건히 믿었습니다.

진실성과 열정에도 불구하고 1950년대 내내 Barnett Newman을 지지한 비평가는 단 한 명, Clement Greenberg뿐이었습니다. 그의 지지는 미술계에 작품의 가치를 설득하는 데는 큰 도움이 되지 않았지만, 젊은 세대가 Barnett Newman이 대표하는 바를 점차 이해하고 있음을 반영했습니다. 젊은 화가들에게 뉴먼은 과거에 묶이지 않고 그들 각자의 독특한 개성을 받아들이도록 해방시켰습니다. 그는 관람자가 그의 어떤 그림을 보더라도 다른 인간을 만나는 것과 똑같이, 단 하나의 본질적 존재가 또 다른 존재를 만나는 것처럼 경험할 수 있음을 보여주었습니다. 그는 그림들이 서로 관련될 필요도 없고, 역사와 관련될 필요도 없음을 증명했습니다. 모든 예술 작품은 그 자체로 하나의 우주임을 보여주었습니다.

 

Barnett Newman - The Third, 1964년. 캔버스에 유화. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

 

늦었지만 오래가는 영향력

뉴먼이 자신의 사상과 연결된 새로운 세대가 나타난 것은 그가 60대가 되어서였지만, 결국 그는 마땅한 존경과 인정을 받았습니다. 오늘날 Barnett Newman의 영향은 음색과 형태를 바탕으로 독특한 미적 비전을 창조한 수많은 현대 추상 미술가들에게서 볼 수 있습니다. 예를 들어, 음색과 형태를 바탕으로 숭고하고 독특한 비전을 창조한 Tom McGlynn이나, 연속적 반복과 구조를 탐구하여 독특하고 단일한 미적 공간을 창조하는 Richard Caldicott의 작품을 생각해 보십시오.

초기에는 그의 작품에 대한 오해가 있었지만, Barnett Newman은 이제 최고의 추상 표현주의자, 색채 영역 화가, 심지어 미니멀리스트 중 한 명으로 정기적으로 포함됩니다. 그러나 그는 자신을 어느 그룹에도 속하지 않는다고 여겼습니다. 그는 자신을 하나의 독자적인 운동처럼 생각했습니다. 그럼에도 불구하고, 그는 스타일 면에서 추상 표현주의자와 달랐지만 개인 표현의 가치를 대표하는 표준이었습니다. 그는 색채 영역 화가는 아니었지만 음색만으로 명상적이고 사색적인 미적 형태를 창조할 수 있음을 보여주었습니다. 그리고 미니멀리스트는 아니었지만 시각 언어를 단순화하고 축소하는 가치의 중요성을 예견했습니다.

 

Barnett Newman - Black Fire I, 1963년. 캔버스에 유화. 114 x 84 인치 (289.5 x 213.3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

 

대표 이미지: Barnett Newman - Onement I (세부), 1948년. 캔버스에 유화 및 캔버스에 마스킹 테이프 위에 유화. 27 1/4 x 16 1/4인치 (69.2 x 41.2 cm). Annalee Newman 기증. 390.1992. MoMA 소장. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성