바넷 뉴먼 회화의 톤과 형식의 명확성

바넷 뉴먼의 상징적인 지퍼 그림은 얇고 빛나는 수직 띠가 몰입감 있는 색채의 영역으로 둘러싸인 작품으로, 20세기 가장 감정적이고 강력한 작품 중 하나로 여겨진다. 그러나 뉴먼은 그의 시대에 인정받지 못했다. 그는 성숙한 스타일에 도달하기까지 40대가 될 때까지 걸렸고, 그의 지퍼 그림이 처음 전시되었을 때 비평가와 수집가 모두가 이를 보편적으로 싫어했다. 그럼에도 불구하고 뉴먼은 자신의 예술로 전달하고자 하는 것에 단호하게 집중했다. 그의 긴 고난의 성공 여정은 그에게 독특한 관점을 부여했고, 삶과 예술의 의미와 목적을 스스로 추론할 기회를 주었다. 역사적 맥락이 뉴먼을 따라잡았을 때, 그의 독특한 관점은 보편적이고 개별적이며 숭고한 것을 완벽하게 명확하게 전달하는 예술적 작품으로 이어졌다.

바넷 뉴먼, 작가

바넷 뉴먼은 말과 이미지 모두를 통해 소통하는 열정을 가지고 태어났습니다. 브롱크스에서 자란 어린 시절, 그는 한 번 학교에서 말하기 대회에서 우승한 적이 있습니다. 고등학교 3학년이 되었을 때 그는 아트 스튜던트 리그에서 거의 매일 수업을 듣고 있었습니다. 대학에서는 자신의 열정을 활용하여 미술을 공부하고 철학을 전공하며 학교 출판물에 기사를 기고했습니다. 그러나 그의 엄청난 재능과 추진력에도 불구하고, 대학 졸업 후 뉴먼은 자신의 열정을 경력에 어떻게 활용할지에 대한 명확한 방향이 부족하다는 것을 느꼈습니다.

1927년 철학 학위를 취득한 후, 뉴먼은 가족 사업에서 일하기 시작했으며, 예술가의 삶을 살기 전에 돈을 모으려고 했습니다. 그러나 2년 후 주식 시장이 붕괴되면서 그와 그의 가족을 위한 거의 모든 전망이 무너졌습니다. 가혹한 현실에 직면한 뉴먼은 어떤 방법으로든 생존하기 위해 진지하게 나섰습니다. 그는 대체 교사로 일해 보았고 정치와 미술사와 같은 주제에 대해 여러 출판물에 글을 썼습니다. 힘들고 방황하는 동안 그는 계속해서 그림을 그렸고, 길을 찾기 위해 고군분투하는 다른 동지들과의 인연을 맺었습니다. 그 인연에는 그의 아내 안나리, 화가 마크 로스코와 아돌프 고틀리브, 그리고 갤러리 소유자 베티 파슨스가 포함되었습니다.

바넷 뉴먼 - 미드나잇 블루, 1970. 239 x 193 cm. 뮌스터 루드비히, 쾰른, 독일. © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

바넷 뉴먼, 철학자

1930년대와 1940년대 초반에 뉴먼은 화가로서 자신의 노력에 끊임없이 불만을 느꼈다. 그는 시인과 철학자의 마음을 가지고 있었고, 자신의 내면을 예술을 통해 전달할 방법을 찾고 있었다. 그는 베티 파슨스와의 인연 덕분에 다양한 다른 예술가들을 위한 전시 카탈로그 에세이를 쓰면서 예술에 대해 글을 쓰는 것에서 위안을 찾았다. 이러한 글쓰기와 그의 다양한 삶의 경험, 개인적인 고난은 그가 인류의 본질과 예술의 목적에 대한 깊은 이론을 점차 발전시키도록 이끌었다.

그는 1947년과 1948년에 각각 쓴 두 편의 에세이에서 그 철학을 설명했다. 첫 번째 에세이는 첫 번째 인간은 예술가였다라는 제목이었다. 그 안에서 뉴먼은 시적이거나 예술적인 본능이 인류의 실용적인 본능보다 항상 앞서 왔다고 주장했다. 그는 신들의 진흙 조각상이 도자기보다 먼저 존재했으며, 가장 원초적인 감정을 표현하는 시적인 신음과 비명이 이른바 문명화된 발언보다 먼저 존재했다고 주장했다. “도자기는 문명의 산물이다,” 뉴먼은 썼다. “예술적 행위는 인간의 개인적인 출생권이다.”

바넷 뉴먼 - 디오니소스, 1949. 캔버스에 유채. 전체 크기: 170.2 x 124.5 cm (67 x 49 in.). 앤날리 뉴먼의 기증, 국립미술관 50주년 기념. 1988.57.2. 국립미술관 소장품. © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

바넷 뉴먼 화가

뉴먼이 쓴 두 번째 중요한 에세이는 지금의 숭고함이라는 제목이었다. 이 작품에서 그는 단순히 아름다움을 쫓는 과거의 모든 예술가들을 비난했다. 그는 현대주의 예술가들조차도 아름다움을 재해석하는 것에 불과하며, “새로운 비전을 창조하는 대신 가치의 이전을 만들어내고 있다.”고 주장했다. 그는 자신과 동시대 사람들이 완전히 새로운 것을 추구하고 있다고 주장하며, “예술이 아름다움의 문제와 그것을 찾는 것에 아무런 관계가 없다는 것을 완전히 부정함으로써”라고 말했다. 그는 그와 그들이 만드는 작업이 역사적이거나 향수적이거나 신화적인 것과는 아무런 연결이 없으며, “자명하다”고 주장하고 “우리의 감정으로부터 만들어졌다.”고 말했다.

이 모든 철학적 사유의 결과는 1948년 뉴먼이 그의 상징적인 걸작 Onement을 창작했을 때 예술적으로 나타났습니다. 이는 그의 zip paintings 중 첫 번째 작품입니다. 이 작품의 제목은 언어유희입니다. 이는 'atonement'라는 단어를 가리키며, 이는 무언가를 수리하는 것을 의미할 수 있지만, 또한 그리스도 인물에 의해 나타나는 인류와 신성의 융합에 대한 기독교적 참조이기도 합니다. 그러나 단어의 처음 두 글자를 생략함으로써 뉴먼은 또한 개인의 총체성, 즉 '하나'에 대한 언급을 하고 있었으며, 모든 숭고한 이해의 전체가 한 사람, 또는 그 말로 하나의 그림 안에 자족적으로 담길 수 있다는 그의 포괄적인 아이디어를 나타내고 있었습니다.

바넷 뉴먼 - 오네먼트 I, 1948. 캔버스에 유채 및 캔버스에 마스킹 테이프에 유채. 27 1/4 x 16 1/4" (69.2 x 41.2 cm). 안나리 뉴먼 기증. 390.1992. 모마 컬렉션. © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

목적의 독특한 표현

Onement을 그린 후, 바넷 뉴먼은 그의 이전 작품들을 모두 파괴했다. 그는 그가 찾고 있던 미학적 목소리를 달성했으며, 그 순간부터 그는 자신의 특정 비전에 맞지 않는 모든 작품을 계속해서 파괴했다. 아이러니하게도, 그는 자신의 작품을 파괴할 필요성을 느낀 유일한 사람이 아니었다. 그는 1950년에 그의 친구 베티 파슨스에 의해 대변되기 시작하면서 그 불행한 교훈을 배웠다. 그 다음 2년 동안 그는 그녀의 갤러리에서 두 번의 개인전을 열었다. 두 전시회 모두에서 그의 그림은 찢어졌고, 리뷰에서 비평가들은 그 작품을 보편적으로 조롱했다.

증오에 의해 흔들린 뉴먼은 베티 파슨스에게서 자신의 작품을 철회하고 다음 4년 동안 작품 전시를 완전히 중단했다. 그는 심지어 판매된 자신의 그림 중 하나를 다시 사들였고, 수집가에게 이렇게 썼다. “고립된 내 작품에 대해 직접적이고 순수한 태도를 가능하게 할 조건은 아직 존재하지 않는다 . . .” 그러나 그는 자신의 지퍼 그림을 계속 그렸고, 그것들이 순수하고 장엄한 숭고한 개별 정신을 전달한다고 본질적으로 믿었다. 그러나 그가 다시 작품을 전시하기로 결정했을 때, 여전히 조롱당했으며, 1957년 Vir Heroicus Sublimis 전시회의 한 비평가는 그 작품에 대해 저주를 퍼붓고, 오직 그 크기와 빨간색이라는 사실만을 언급했다.

바넷 뉴먼 - 비르 히로이쿠스 수블리미스, 1950. 캔버스에 유채. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242.2 x 541.7 cm). 벤 헬러 부부의 기증. 240.1969. 모마 컬렉션. © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

다음 세대

그의 노력에 대한 대중의 오해에도 불구하고, 뉴먼은 지속적으로 자신의 표현을 단순화하여 확고히 했다. 그의 가장 성공적인 작품은 두 가지 요소로만 구성되었다: 톤과 형태. 지퍼 자체는 형태라기보다는 모양에 가까웠다. 그러나 그림은 전체적으로 형태였다. 지퍼는 사실 톤의 특성을 표현한 것이었고, 색상의 변화가 주변의 색채 영역과 그들을 구별했다. 그는 또한 음악적인 의미에서 톤을 표현했는데, 이는 명확하고 정밀하며 길게 늘인 목소리의 표현과 같았다. 뉴먼은 톤과 형태의 명확한 표현을 통해 권한 부여, 개성, 그리고 개인의 보편적 본질에 대한 자신의 확고한 신념을 정의했다.

그의 진정성과 열정에도 불구하고, 1950년대 내내 바넷 뉴먼을 지지한 평론가는 클레멘트 그린버그 단 한 명뿐이었다. 그의 지지가 예술계에 작품의 가치를 설득하는 데는 별로 도움이 되지 않았지만, 젊은 세대가 바넷 뉴먼이 상징하는 것에 대해 점점 더 이해하게 되었음을 반영했다. 젊은 화가들에게 뉴먼은 그들을 과거에 묶는 대신, 그들의 독특한 개성을 받아들일 수 있도록 해주었다. 그는 관객이 그의 어떤 그림에 접근하더라도 다른 인간을 만나는 것과 똑같은 방식으로 만날 수 있음을 보여주었다: 단지 하나의 본질적인 존재가 다른 존재를 만나는 것이다. 그는 그림들이 서로 관련될 필요가 없으며, 역사와 관련될 필요도 없음을 증명했다. 그는 모든 예술작품이 그 자체로 하나의 우주임을 보여주었다.

바넷 뉴먼 - 제3작, 1964. 캔버스에 유채. © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

지연되었지만 지속적인 영향

뉴먼이 그의 아이디어와 연결될 수 있는 새로운 세대가 등장하기까지 60대가 될 때까지 걸렸음에도 불구하고, 그는 결국 그가 마땅히 받아야 할 존경과 인정을 얻었다. 오늘날 바넷 뉴먼의 영향은 톤과 형태를 기반으로 한 특이한 미적 비전을 창조한 현대 추상 예술가들에서 볼 수 있다. 예를 들어, 톤과 형태를 기반으로 한 숭고하고 특이한 비전을 창조한 Tom McGlynn을 고려해 보라; 또는 독특한 단일 미적 공간을 창조하는 데 있어 연속적인 반복과 구조를 탐구하는 Richard Caldicott의 작업.

그의 작업에 대한 초기 오해에도 불구하고, 바넷 뉴먼은 이제 최고의 추상 표현주의자, 색면 화가, 심지어 미니멀리스트들 사이에 자주 포함된다. 그러나 그는 자신이 이러한 그룹과는 무관하다고 생각했다. 그는 자신을 오히려 자신의 독자적인 운동처럼 여겼다. 그럼에도 불구하고 그는 스타일 면에서 추상 표현주의자들과 같지 않았지만, 개인 표현의 가치를 위한 기수 역할을 했다. 그는 색면 화가가 아니었지만, 단지 음색의 특성만으로도 명상적이고 사색적인 미적 형태를 창조할 수 있는 능력을 보여주었다. 그리고 그는 미니멀리스트가 아니었지만, 시각 언어를 단순화하고 축소하는 것의 가치를 예견적으로 표현했다.

바넷 뉴먼 - 블랙 파이어 I, 1963. 유채, 캔버스. 114 x 84 인치 (289.5 x 213.3 cm). © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

특집 이미지: 바넷 뉴먼 - 오너먼트 I (세부), 1948. 캔버스에 유채 및 캔버스에 마스킹 테이프에 유채. 27 1/4 x 16 1/4" (69.2 x 41.2 cm). 안나리 뉴먼 기증. 390.1992. 모마 컬렉션. © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio