추상 표현주의의 덴 어머니 - 베티 파슨스
Betty Parsons는 제가 13살이었을 때 세상을 떠났습니다. 저는 그녀를 알지 못했습니다. 이론적으로는, 그녀를 만나려고 시도해야 한다는 것을 알았다면 만날 수도 있었겠지요. 하지만 너무 늦을 때까지 그녀가 존재한다는 사실조차 전혀 몰랐습니다. 많은 사람들이 Parsons를 알지 못한 것을 후회하리라 생각합니다. 그녀는 현대미술의 혁명가였습니다. 그녀 자신은 아마 그렇게 될 것이라고 전혀 예상하지 못했겠지만, 그녀의 본보기는 저와 제 세대의 많은 사람들이 예술에서 진정성과 탁월함을 실현할 새로운 모델을 추구하도록 영감을 주었다고 믿습니다. 비영리 예술 집단부터 작가가 운영하는 프로젝트 공간, 실험적인 미술관에 이르기까지 오늘날의 미술계는 큰 수익보다 위대한 예술을 중시하는 사람들과 장소로 가득합니다. 저는 그 유산을 Parsons 덕분이라고 생각합니다. 하지만 그녀에 대해서는 저보다 훨씬 뛰어난 작가들이 가장 권위 있는 미술 잡지에 광범위하게 글을 써왔습니다. 제가 그녀에 관해 새롭게 전할 수 있는 내용은 없습니다. 그러나 그녀는 제 영혼이 소중히 여기는 방식으로 독특한 사람이었기에, 그럼에도 불구하고 시도해보고 싶습니다. “추상표현주의의 대모”라는 별명은 Grace Lichtenstein이 1979년에 쓴 ARTnews의 한 기사에 등장했습니다. 이 별명은 미국에서 다른 누구도 받아들이지 않던 시기에 Parsons가 Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still, Barnett Newman의 작품을 믿고, 키우고, 선보였다는 사실을 가리킵니다. 이 기사는 또한 예술가이자 애호가이며 사업가였던 Parsons가 지닌 복잡성과 깊이를 보여줍니다. 한편, 예술가 Helène Aylon이 1977년에 Parsons와 진행한 인터뷰는 Judith Stein에 의해 2013년 Art in America Magazine에 전문 게재되었으며, 인간으로서 Parsons가 얼마나 비범했는지를 드러내는 데 큰 도움이 됩니다. 제가 Parsons에게 경의를 표하는 가장 좋은 방법은 생전에 실제로 그녀를 알았던 사람들이 만든 이 두 가지 기록에 집중하는 것이라고 생각합니다. 여기에는 그 기록에서 발췌한 열 개의 인용문이 있습니다. 이 인용문들은 예술의 창작과 감상에서 무엇이 중요한지를 일깨워주기에 Parsons를 제 개인적인 영웅으로 만들었습니다.
"하느님 감사합니다. 오늘날에는 ‘주의’라는 것이 아무것도 없는 것 같군요. 저는 유행을 싫어합니다."
우리는 오늘날의 미술 운동에 이름을 붙이려는 경우가 많습니다. 왜 그럴까요? 라벨을 붙이면 상품을 팔기 쉬워지기 때문입니다. 특히 교육을 많이 받지 못했거나 진정한 감상 능력이 없는 사람들에게는 더욱 그렇습니다. Parsons는 유행을 믿기보다 좋은 것을 우선시했고, 다른 것에서 기쁨을 찾았습니다.
"저는 늘 제가 ‘보이지 않는 존재’라고 부르는 것에 매료되어 왔습니다. 이 세상에서 가장 영속적인 것은 보이지 않는 것이며, 우리는 결코 그것에서 벗어날 수 없습니다"
어떤 예술가들은 시장성 있는 정체성을 갖고 있거나, 동시대 관객에게 인기 있는 특정 주제에 관한 작품을 만들어야만 성공할 수 있다고 생각합니다. Parsons는 미지의 것에 집중했습니다. 뻔한 것을 드러내는 예술을 홍보하기보다, 숨겨진 것을 보여주는 예술에 끌렸습니다.
"저는 긴장을 믿습니다. 그림을 그리고 있는데 그 안에 긴장이 없다면, 흥분도 없습니다."
작품 속 긴장은 보는 사람이 알아볼 수 없는 무언가에서 비롯될 수 있습니다. 또는 저속하거나 거칠다고 여겨지는 무언가에서 생겨날 수도 있습니다. 때로는 우리가 단순히 아름답다고 느끼지 못하는 것에서 긴장이 발생합니다. Parsons는 이런 것들로부터 시선을 돌리기보다 그것을 받아들였고, 스스로 성장하기 위해 자신에게 도전할 기회로 여겼습니다.
Betty Parsons - Green #1, 1971, 캔버스에 아크릴, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
"저는 집이 아니라 중요한 그림에 관심이 있습니다."
Parsons는 벽과 바닥이 모두 비어 있는 흰색 방에서 작품을 선보였습니다. 컬렉터들이 작품을 사도록 설득하기 위해 특별히 애쓰지 않았습니다. 그녀는 자신의 일을 두 부분으로 보았습니다. 예술가의 진실성을 지키며 알리는 것, 그리고 작품이 소파 위에 걸렸을 때 얼마나 보기 좋은지와 무관한 이유로 그 작품이 가치 있음을 대중에게 설득하는 것이었습니다.
"이 모든 부로 가득 차고 싶지는 않습니다. 그런 것들은 지겨워 죽을 테니까요."
Parsons는 상류사회에서 태어났지만 부의 겉치레를 거부했습니다. 대공황으로 모든 것을 잃은 뒤, 그녀는 무일푼에서 다시 시작했습니다. 그 후 50년 동안 그녀는 청구서를 지불하는 데 자주 어려움을 겪었습니다. 자신의 작품과 자신이 대표한 예술가들의 작품을 충분히 팔아 불을 켜둘 수 있었고, 그것을 재정적 성공의 기준으로 여겼습니다.
"추상적인 세계는 인물이 없다는 이유로 차갑다고 여겨졌습니다. 하지만 그 안에는 불, 에너지, 자연, 빛, 공간이 있었습니다. 추상은 이 모든 가치에 집중했습니다."
Parsons는 자신의 취향을 믿을 수 있을 만큼 자신감이 있었습니다. 대부분의 미국인보다 훨씬 일찍 추상미술을 이해했습니다. 미술계의 다른 사람들이 무엇을 말하거나 행동하든 상관없이 자신의 비전을 믿었습니다.
"저는 늘 시대보다 10년 앞서 있었습니다. 그것이 제 인생의 이야기입니다."
재정적으로 성공하지 못하고 있을 때, 자신이 하는 일에 가치가 없기 때문이라고 생각하기 쉽습니다. Parsons는 때때로 아무도 자신의 작품을 사지 않는 이유가 사람들이 그 작품을 알아보지 못하기 때문이며, 그것이 미래의 것이기 때문일 수 있다는 사실을 깨달았습니다.
Betty Parsons - Challenge, 1976, 캔버스에 아크릴 (왼쪽) / Sputnik, 1961, 캔버스에 아크릴 (오른쪽), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
"항상 예술과 동일시하고, 예술가와는 절대 동일시하지 마세요."
Parsons는 어떤 예술가들을 싫어했지만 그들의 작품은 사랑했습니다. 예술가가 반드시 호감이 가고 사교적이며 매력적인 사람일 필요는 없다는 것을 이해했습니다. 예술가는 판매원이나 정치인이 아닙니다. 작품이 스스로 말합니다.
"[제가 대표하는 예술가들은] 작업을 이어갈수록 더 자유롭고 창의적으로 변합니다. 저는 늘 그것을 장려했습니다."
어떤 갤러리스트들은 예술가들에게 잘 팔리는 스타일을 찾은 뒤 그것을 고수하라고 권합니다. Parsons는 자신이 선보이는 예술가들에게 도전했습니다. 더 나아지기 위해서는 역동성과 성장이 핵심이며, 판매는 예술가 경력에서 가장 중요하지 않은 측면이라고 믿었습니다.
"우리는 모두 모든 것의 일부입니다."
Parsons는 사회적 문제에 대한 자신의 신념을 자주 질문받았습니다. 이 인용문은 그런 질문 중 하나에 대한 그녀의 답변이었습니다. 그녀는 예술이 우리를 갈라놓는 것보다 우리가 보편적으로 공유하는 것들이 훨씬 더 크다는 현실을 드러낼 수 있다고 믿었습니다. 이 인용문은 제게 가장 큰 영향을 주었습니다. 너무 쉽게 잊기 때문에 끊임없이 되새길 필요가 있습니다.
Betty Parsons - Requiem, 1963, 캔버스에 아크릴, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
대표 이미지: Betty Parsons - Orange, 1956, 캔버스에 아크릴, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
모든 이미지는 설명을 위한 목적으로만 사용되었습니다
Phillip Barcio 2018
IdeelArt 편집 (2026)
