추상 표현주의의 덴 어머니 - 베티 파슨스
베티 파슨스는 35년 전에 세상을 떠났고, 그때 저는 13세였습니다. 저는 그녀를 알지 못했습니다. 이론적으로, 제가 시도해보겠다고 생각했다면 그녀를 만날 수 있었겠지만, 그녀가 존재한다는 것을 알기에는 너무 늦었습니다. 많은 사람들이 파슨스를 알지 못한 것을 후회할 것이라고 상상합니다. 그녀는 현대 미술의 혁명가였습니다. 그녀가 그것이 어떤 영향을 미칠지 몰랐던 것 같지만, 그녀의 예시는 저와 제 세대의 많은 사람들에게 예술에서 새로운 진정성과 탁월함의 모델을 추구하도록 영감을 주었습니다. 비영리 예술 집단, 아티스트가 운영하는 프로젝트 공간, 실험적인 박물관에 이르기까지, 오늘날의 예술 세계는 훌륭한 예술을 훌륭한 이익보다 더 중요하게 여기는 사람들과 장소들로 가득 차 있습니다. 저는 그 유산에 대해 그녀에게 감사하고 있습니다. 하지만 그녀에 대해서는 훨씬 더 뛰어난 작가들에 의해 가장 권위 있는 예술 잡지에서 광범위하게 다루어졌습니다. 제가 그녀에 대해 보고할 수 있는 새로운 것은 없습니다. 하지만 그녀가 제 영혼이 감상하는 방식으로 독특했기 때문에, 저는 그럼에도 불구하고 시도해보려 합니다. 그녀의 별명인 "추상 표현주의의 엄마"는 1979년 ARTnews의 기사에 등장했으며, 그 기사는 그레이스 리히텐스타인이 썼습니다. 이 별명은 파슨스가 마크 로스코, 한스 호프만, 잭슨 폴록, 클리포드 스틸, 바넷 뉴먼의 작품을 믿고, 양육하고, 전시했음을 나타냅니다. 그 당시 미국에서는 아무도 그들을 지원하지 않았습니다. 그 기사는 또한 파슨스가 예술가, 애호가, 사업가로서 지닌 복잡성과 깊이를 드러냅니다. 한편, 1977년 아티스트 헬렌 아이론과의 인터뷰는 2013년 주디스 스타인에 의해 Art in America Magazine에 전부 게재되었으며, 파슨스라는 인간에 대해 특별했던 점을 드러내는 데 큰 도움이 됩니다. 제가 파슨스에게 경의를 표할 수 있는 가장 좋은 방법은 실제로 그녀를 알고 있었던 사람들에 의해 만들어진 이 두 프로필에 집중하는 것입니다. 여기에서 발췌한 10개의 인용구는 예술의 창작과 감상에 있어 무엇이 중요한지를 상기시켜 주기 때문에 파슨스를 제 개인적인 영웅으로 만들어 주었습니다.
"오늘은 '이즘'이 없는 것 같아 다행이다. 나는 유행이 싫다."
종종 우리는 오늘날의 움직임에 이름을 붙이려고 합니다. 왜 우리는 이렇게 할까요? 라벨이 제품을 판매하기 쉽게 만들기 때문입니다, 특히 교육이나 진정한 감상이 부족한 사람들에게. 트렌드를 믿기보다는, 파슨스는 좋은 것을 우선시하고, 다른 것에서 기쁨을 찾았습니다.
"나는 내가 '보이지 않는 존재'라고 부르는 것에 항상 매료되어 왔다. 이 세상에서 가장 영구적인 것은 보이지 않는 것이다; 당신은 그것에서 결코 벗어날 수 없다."
일부 예술가들은 시장성이 있는 정체성을 가지고 있거나 현대 관객들에게 인기 있는 특정 주제에 대해 특별히 예술을 만들어야만 성공할 수 있다고 생각합니다. 파슨스는 알려지지 않은 것에 집중했습니다. 그녀는 명백한 예술을 홍보하기보다는 숨겨진 것을 드러내는 예술에 매료되었습니다.
"나는 긴장을 믿는다. 만약 당신이 그림을 그리고 있는데, 그 그림에 긴장이 없다면, 그것은 흥미가 없다."
예술 작품에서의 긴장은 관객에게 인식되지 않는 내부의 무언가에서 비롯될 수 있습니다. 또는 저속하거나 조잡하다고 여겨지는 무언가에서 비롯될 수도 있습니다. 다른 경우에는 우리가 단순히 아름답다고 생각하지 않는 무언가에서 긴장이 발생합니다. 이러한 것들에서 눈을 돌리기보다는, 파슨스는 그것들을 포용하며, 자신이 성장할 수 있는 도전의 기회로 보았습니다.
Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
"저는 집이 아니라 중요한 그림에 관심이 있습니다."
파슨스는 맨 벽과 맨 바닥이 있는 방에서 작품을 전시했다. 그녀는 수집가들이 구매하도록 설득하기 위해 추가적인 노력을 하지 않았다. 그녀는 자신의 일이 두 가지 부분으로 나뉜다고 보았다: 예술가의 진실성을 홍보하는 것과, 대중에게 그 작품이 소파 위에 얼마나 잘 어울리는지와는 무관한 이유로 그 작품이 유효하다는 것을 설득하는 것이다.
"나는 이런 모든 부로 가득 차고 싶지 않아—그것들은 나를 죽을 만큼 지루하게 만들 거야."
파슨스는 상류 사회에서 태어났지만, 부의 속박을 거부했습니다. 대공황에서 모든 것을 잃은 후, 그녀는 처음부터 시작했습니다. 다음 50년 동안, 그녀는 종종 청구서를 지불하는 데 어려움을 겪었습니다. 그녀는 전기세를 내기 위해 자신의 작품과 그녀가 대리한 예술가들의 작품을 충분히 팔았습니다. 그녀는 그것을 재정적 성공의 정의로 여겼습니다.
"추상적인 세계는 형상이 없기 때문에 차갑다고 여겨졌다. 그러나 그것은 불, 에너지, 자연, 빛, 공간을 가지고 있었다—그것은 모든 이러한 가치에 집중했다."
파슨스는 자신의 취향을 믿는 자신감을 가졌다. 그녀는 대부분의 미국인들보다 훨씬 이전에 추상성을 이해했다. 그녀는 나머지 예술계가 무엇을 말하든지 간에 자신의 비전을 신뢰했다.
"나는 항상 내 시대보다 10년 앞서 있었다. 그게 내 인생의 이야기다."
재정적으로 성공하지 못할 때, 당신이 하는 일이 가치가 없다고 생각하는 것은 유혹적입니다. 파슨스는 때때로 아무도 당신의 작품을 사지 않는 이유는 사람들이 그것을 인식하지 못하기 때문이며, 그것이 미래의 것이기 때문임을 깨달았습니다.
Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
"항상 예술과 동일시하라; 결코 예술가와 동일시하지 말라."
파슨스는 일부 예술가를 경멸했지만 그들의 작품을 사랑했다. 그녀는 예술가들이 호감이 가거나 사교적이거나 매력적일 필요는 없다는 것을 이해했다. 예술가들은 판매원이나 정치인이 아니다. 그들의 작품이 스스로 말한다.
"[내가 대표하는 아티스트들]은 진행할수록 더 자유롭고 창의적으로 변해갑니다. 저는 항상 그것을 격려해왔습니다."
일부 갤러리스트들은 아티스트들이 판매되는 스타일을 찾고 그 스타일을 고수하도록 격려합니다. 파슨스는 그녀가 전시한 아티스트들에게 도전했습니다. 그녀는 역동성과 성장이 더 나아지는 데 핵심이라고 믿었으며, 판매는 예술 경력의 가장 중요하지 않은 측면이라고 생각했습니다.
"우리는 모두 모든 것의 일부입니다."
파슨스는 사회 문제에 대한 그녀의 신념에 대해 자주 질문을 받았다. 이 인용구는 그러한 질문 중 하나에 대한 그녀의 대답이었다. 그녀는 예술이 우리의 보편성이 우리를 갈라놓는 것들보다 훨씬 더 크다는 현실을 드러낼 수 있는 능력이 있다고 알고 있었다. 이 인용구는 나에게 가장 큰 영향을 미쳤다. 잊기 쉬운 만큼 끊임없이 반복할 가치가 있다.
Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
특집 이미지: 베티 파슨스 - 오렌지, 1956, 아크릴화, © 2018 베티 파슨스 재단, 알렉산더 그레이 어소시에이츠 제공, 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
