추상 미술 역사에서의 결정적 순간들

말은 매우 논쟁적일 수 있습니다. 우리는 단지 추상미술의 역사에 대해 이야기하고 싶을 뿐입니다. 하지만 그 문장은 개념적인 위험으로 가득 차 있습니다. (누구의 역사인가? 예술이란 무엇인가? 추상적이라는 것은 무슨 뜻인가?) 정확히 말하자면, 이 글의 제목을 “서양 문명의 일반적으로 인정된 연대표를 구성하는 일련의 사건들 중에서 자기 자신을 재현적이지 않은 예술가라고 칭하는 이들이 만든 대상과 현상에 관한 결정적 순간들” 정도로 붙여야 할지도 모릅니다. 하지만 그건 클릭하기 좋은 제목은 아니죠. (아니면 그렇나요?) 정신 건강을 위해, 이 글에서는 의미론을 제쳐두고 그냥 처음부터 시작해 보겠습니다.

추상미술의 선사시대

선사시대 동굴 거주자들의 가장 초기 흔적 중에는 선, 긁힌 자국, 손자국이 있었습니다. 우리가 가장 잘 해석하는 바에 따르면 그것들은 상징적이었습니다. 그렇다면 그것들이 최초의 추상미술  사례일까요? 아마도 그렇습니다. 하지만 고대 조상들이 남긴 재현적 이미지조차도 사진처럼 사실적이지는 않습니다. 우리가 놓치고 있는 것은 초기 예술가들의 의도를 이해하는 것입니다. 추상미술이라 할 때, 우리는 특별히 추상적이길 의도한 예술을 의미합니다. 선사시대 예술가들이 그들의 이미지로 무엇을 전달하려 했는지 알 수 없기에, 그것이 추상인지, 심지어 예술인지 판단할 수 없습니다. 우리가 아는 한 그것은 실용적인 목적을 가졌을 수도 있습니다. 그래서 우리는 더 잘 기록된, 예술가들의 의도가 명확한 시대로 훨씬 건너뛰겠습니다.

앙리 마티스 - 모자를 쓴 여자, 1905년, 캔버스에 유화, 31 3/4 × 23 1/2 인치, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

1800년대 초 이전까지, 대부분의 예술가들은 자신이 무엇을 만들지 결정할 여유가 없었다고 말할 수 있습니다. 대부분의 낭만주의 이전 시대 예술가들은 생존을 위해 종교 기관이나 다른 권위 있는 세력의 지원에 의존했습니다. 왕과 성직자들이 대부분 예술가들의 작품 주제를 결정했습니다. 후원 체계가 쇠퇴하면서 예술가들에게 다른 생존 방식이 나타났습니다. 갤러리 시스템이 등장했고, 독립 미술상들이 예술가들의 작품을 대변하기 시작했으며, 부유한 개인과 사설 기관들이 예술가들을 지원하고 작품을 수집하기 시작했습니다. 처음으로 예술가들은 “나는 무엇을 만들고 싶은가?”라는 질문에 스스로 답할 기회를 얻었습니다. 곧이어 다음 불가피한 질문이 나왔습니다: “왜 그것을 만들고 싶은가?” 이 질문에 대한 답은 결국 추상미술의 부상에 주요 원인이 되었으며, 낭만주의 시대에 많은 사상가들이 표현한 가장 지속적인 개념 중 하나입니다. 프랑스어로는 “L'art pour l'art.” 예술을 위한 예술. 또는 작가 에드거 앨런 포가 1850년에 이렇게 표현했습니다:“…우리가 우리 자신의 영혼을 들여다볼 수만 있다면, 태양 아래 이 시보다 더 고귀하고 숭고한 작품은 존재하지도, 존재할 수도 없다는 것을 즉시 발견할 것입니다…오직 시 자체를 위해 쓰여진.”

앙드레 드랭 - 마른 돛, 1905년, 캔버스에 유화, 82 x 101 cm, © 푸시킨 박물관, 모스크바

첫인상

예술가들이 미리 정해진 주제의 제약에서 벗어나자, 그들은 다른 제약에서도 자유로워지기 시작했습니다. 대략 1850년대부터 1870년대까지, 미학 운동은 예술가들이 문화, 사회, 정치와 관련된 주제에 집중하기보다 순수하게 미적 목적을 위해 예술을 만들도록 힘을 실어주었습니다. 그 후 인상파가 등장했는데, 파리를 중심으로 활동한 이들은 빛의 특성을 묘사하는 데 강하게 집중하며 작품의 개별 미적 요소를 추출하기 시작했습니다. 1880년대에 화가 조르주 쇠라가 작은 점들로 이미지를 완전히 구성하는 기법을 개발했습니다. 이 기법은 점묘법으로 알려져 있으며, 왜곡되었지만 재현적인 이미지를 만들어 냈습니다. 점묘법 은 실험적인 붓질과 구도 기법의 발전에 기여하여 추상으로 향하는 경향을 암시했습니다. 이 경향은 후기 인상파 시기에 상징주의와 임의적인 색채, 형태, 선의 실험으로 확장되었습니다.;

모든 것은 주관적이다

1900년대에 표현주의자들은 주관성에 집중하며 순수 추상으로의 경향에 기여했습니다. 그들은 이미지를 극단적으로 왜곡하여 물리적 현실보다 감정을 더 대표하는 깊은 개인적 관점을 제시하려 했습니다. 이 시기에 야수파도 등장했는데, 이들은 거의 전적으로 선명한 색채와 화가의 붓질에 집중했습니다. 야수파에게 주제는 작품의 미적 요소에 비해 부차적이었습니다. 이 시점에 순수 추상의 등장은 불가피했습니다. 예술가들은 현실의 상징적 표현을 다루며 주제와 무관하게 생각과 감정을 전달하려 했습니다. 그들은 본질적으로 추상화하고 있었습니다. 하지만 순수 추상화를 처음으로 성공시킨 이는 누구일까요?

한스 호프만 - 떠오르는 달, 1965년, 캔버스에 유화, 개인 소장, Art Resource, 뉴욕 / 호프만, 한스 (1880-1966) © ARS, 뉴욕

진짜 최초의 추상화가는 누구인가?

거의 모든 역사학자들은 최초의 추상화는 바실리 칸딘스키의 무제 (최초의 추상 수채화)로 1910년에 그려졌다고 동의합니다. 생생한 색점, 원, 선, 구불구불한 선과 색면이 무작위로 조합된 이 작품은 물리적 세계의 기존 시각 요소를 전혀 참조하지 않습니다. 재미로 음모론적으로 칸딘스키의 무제 (최초의 추상 수채화)가 최초의 순수 추상화가 아닐 수도 있다고 가정할 수 있습니다. 1년 전인 1909년에 프랑스 전위 화가 프란시스 피카비아가 Caoutchouc라는 원시 입체파 작품을 그렸는데, 인식할 수 없는 기하학적 형태들이 무관해 보이는 색면에 둘러싸여 있습니다. 이 작품은 객관적 시각 현실을 전혀 나타내지 않는 것처럼 보입니다. 하지만 Caoutchouc는 천연 고무 수액을 뜻하는 단어로, 가황 고무를 만드는 원료를 가리킵니다. 가황되지 않은 고무의 시각적 요소를 분석한 적이 없기에, 이 그림이 재현적일 수도 있습니다. 누가 알겠습니까? 우리가 아는 것은 칸딘스키가 열렬한 예술 이론가이자 다작의 예술 작가였다는 점입니다. 그는 세계 최초의 순수 추상 작품을 만들려는 열정을 글로 활발히 표현했습니다. 그는 자신이 추상미술의 창시자가 되려는 의도와 그것을 성취했다는 사실을 공개적으로 이야기했습니다. 그가 최초가 되려는 의도는 누구도 부인할 수 없습니다. 그보다 앞서 누군가가 우연히 먼저 했더라도 말입니다.

한스 호프만 - 거울 속처럼, 1962년, 캔버스에 유화, 85 1/4 x 73 1/2 인치 (216.5 x 186.7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

칸딘스키가 확실히 한 일

순수 추상미술을 만들겠다는 의도를 공개적으로 밝힘으로써 칸딘스키는 예술가들을 관찰 가능한 세계에 대한 참조에서 해방시켰습니다. 그는 예술을 이전의 논리에서 분리시켰습니다. 그는 깊고 빠른 실험의 장을 열었습니다. 그는 낭만주의자들의 약속을 성숙시켰는데, 독일 낭만주의 예술가 카스파르 다비드 프리드리히가 말했듯이, “예술가의 감정이 그의 법칙이다.”

바실리 칸딘스키 - 구성 IV, 1911년, 캔버스에 유화, 250.5 x 159.5 cm, 쿤스트잠멜룽 노르트라인베스트팔렌, 뒤셀도르프, 독일

전쟁 중의 세계

이후 수십 년 동안 예술가들은 추상에 대해 대담하게 실험했습니다. 많은 새로운 양식이 등장했는데, 이는 추상의 자유에 대한 부름과 제1차 세계대전의 참상, 기계 시대의 도래에 영향을 받았습니다. 입체파는 예술가들이 시각 언어를 가장 기본적인 구성 요소로 축소하도록 영향을 주었습니다. 미래주의는 선에서의 활력과 힘을 보여주었습니다. 다다이즘 은 예술의 의미에 도전하며 부르주아로부터의 자유와 거부를 재확인했습니다. 1920년대에는 초현실주의가 예술가들의 무의식의 힘에 대한 인식을 열어주었습니다. 꿈같은 이미지에 집중하고 의식적 논리를 거부함으로써, 초현실주의는 추상 예술가들이 기법, 매체, 방법을 더 실험하도록 깊은 영향을 미쳤습니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 6, 1913년, 캔버스에 유화, 76 2/5 × 115 7/10 인치, 194 × 294 cm, © 바실리 칸딘스키 / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리 / 에리히 레싱 / Art Resource, 뉴욕

새롭게 만들어라!

1930년대에 독일 태생 미국 화가 한스 호프만은 근대주의로 알려진, 과거의 방식과 방법을 거부하는 최신 사조의 핵심 철학을 미국에 전파한 공로를 인정받고 있습니다. 자신도 추상 화가였던 호프만은 캘리포니아에서 뉴욕까지 학생들에게 급속히 산업화되는 사회의 불안과 경이로움을 직면하고 표현할 방법을 찾도록 새로운 이미지 제작 방식을 채택하도록 격려했습니다. 1934년 시인 에즈라 파운드는 현대주의자들의 태도를 “새롭게 만들어라!”라는 유명한 외침으로 요약했습니다. 파운드는 논란이 많은 인물이었고 결국 이탈리아로 이주해 제2차 세계대전의 주요 파시스트 인사들을 지지했습니다. 그럼에도 불구하고 그의 낡은 것을 열렬히 거부하는 태도는 추상 예술가들의 마음에 뿌리내려 곧 강력한 변화를 이끌었습니다.

바실리 칸딘스키 - 검은 점 I (세부), 1912년, 캔버스에 유화, 39.4 × 51.2인치 (100.0 × 130.0 cm), 러시아 박물관, 상트페테르부르크, 러시아

새로운 순수함

두 차례의 세계대전, 전 세계적인 불황, 기근, 잔혹 행위, 그리고 인구 밀집 도시를 향한 두 차례의 핵공격 이후, 1940년대 중반에 일반인이 경험한 불안감은 과장할 수 없을 정도였습니다. 이 불안은 비교적 젊은 분야인 정신분석학에 대한 새로운 광범위한 관심을 불러일으켰습니다. 이 시기에 정신분석학에 의지한 수백만 명 중에는 잭슨 폴록 도 있었는데, 그는 추상 표현주의자 그룹의 주요 멤버 중 한 명이었습니다. 폴록은 재활 치료 중에 정신분석학을 접했습니다. 그것은 그의 무의식 속에 잠긴 원초적 지식의 세계를 열어주었습니다. 많은 동시대 예술가들이 인간성의 숨겨진 본질과 연결되는 새로운 방법을 찾으며, 원초적 감정을 그림으로 표현하려 했습니다. 폴록은 숨겨진 이미지를 찾으려 했고, 자신 안 깊은 곳과 연결되어 추상미술이 아직 표현하지 못한 더 순수한 무언가를 찾고자 했습니다. 1947년경, 폴록은 이제 상징적인 물감 떨어뜨리기 기법을 개척했습니다. 이 기법은 도구를 직접 캔버스에 대지 않고 중력과 운동력 같은 힘을 이용해 표면에 물감을 바르는 방식이었습니다. 이 새로운 신체적 표현을 받아들이고 인지 가능한 형태를 완전히 거부하며, 폴록은 무의식적 의도, 색채, 움직임, 힘과 에너지를 기반으로 한 순수 추상의 새로운 영역에 들어섰습니다.

바실리 칸딘스키 - 칸딘스키의 최초 추상 수채화, 1910년, 종이에 수채화와 인도 잉크, 연필, 19.5 × 25.5인치 (49.6 × 64.8 cm), 파리, 조르주 퐁피두 센터

시작의 끝

폴록의 작품은 여러 면에서 추상의 약속을 실현했습니다: 예술가가 미적 기대의 제약에서 완전히 자유로워진 것입니다. 아마도 그의 노력은 추상의 논리적 종말로 이어졌을지도 모릅니다. 폴록은 질감, 물질성, 과정, 그리고 예술 작품을 단순히 예술을 전달하는 표면이 아니라 하나의 통합된 형태로 보는 개념의 중요성을 선명하게 부각시켰습니다. 폴록의 작품에서 원초적으로 반영된 이 개념들은 1960년대 가장 영향력 있는 예술가들로 추상 표현주의자를 대체한 미니멀리스트 들의 작품에 필수적입니다. 칸딘스키처럼 미니멀리즘 운동의 주요 멤버인 도널드 클라렌스 저드는 열렬한 예술 이론가이자 작가였습니다. 그는 미니멀리스트라는 꼬리표를 거부했지만, 시각 언어를 간소화하고 형태와 공간의 개념을 정화하는 미니멀리즘의 아이디어를 대표하게 되었습니다. 저드, 솔 르윗, Barcio, Anne 그리고 프랭크 스텔라 같은 미니멀리스트들은 인지 가능한 시각적 참조와 객관적 현실을 거부하기보다, 추상미술에서 자주 탐구된 형태, 색채, 선을 물리적 공간에서 재현하는 방식으로 표현했습니다.

잭슨 폴록 - 수렴, 1952년, 앨브라이트-녹스 미술관, 버팔로, 뉴욕, 미국 

새로운 새로움

추상미술의 역사는 예술가들의 자유를 향한 탐구의 역사입니다. 오늘날 그것은 예술가들이 자신을 표현하는 어떤 방식이든 자유롭게 선택하고, 자신을 이끄는 어떤 방법이든 탐구할 수 있음을 의미합니다. 오늘날의 개방적인 스타일의 아름다움은 예술가가 아이디어를 실현하는 데 가장 적합한 어떤 스타일, 매체, 방법도 사용할 수 있다는 점입니다. 미니멀리즘이 1970년대에 추상미술을 한동안 밀어냈지만, 추상은 많은 예술가들의 작업에서 다시 전면에 등장했습니다. 현대 추상 화가들은 선배들의 열린 마음가짐 덕분에 혜택을 누리고 있습니다. 추상은 객관적 현실이 설명할 수 없는 무언가, 우리 내면 깊은 곳에 있는, 가시적 현실을 넘어서는 무언가와 계속 연결해 줍니다.

대표 이미지: 바실리 칸딘스키 - 칸딘스키의 최초 추상 수채화, 1910년, 사진 출처 위키피디아

모든 이미지는 설명 목적으로만 사용되었습니다

필립 Barcio 작성