추상 미술 역사에서의 결정적 순간들

단어는 매우 논란의 여지가 있을 수 있습니다. 우리는 추상 미술의 역사에 대해 논의하고 싶습니다. 하지만 그 문장은 개념적 위험으로 가득 차 있습니다. (누구의 역사인가? 예술이란 무엇인가? 추상적이라는 것은 무엇을 의미하는가?) 정확히 말하자면, 이 기사의 제목을 "객관적 시각 현실을 재현할 의도가 없는 자칭 예술가들이 만든 객체와 현상에 관한 서양 문명의 일반적으로 받아들여지는 타임라인을 구성하는 사건의 연쇄에서의 결정적 순간들"과 같은 것으로 정해야 할지도 모릅니다. 하지만 그건 클릭할 만한 제목은 아닙니다. (그런가요?) 정신을 위해, 이 기사에서는 의미론을 제쳐두고 그냥 시작하겠습니다.

추상 미술의 선사 시대

선사 시대 동굴 거주자들의 가장 초기 흔적 중 일부는 선, 긁힌 자국 및 손자국이었습니다. 우리의 최선의 해석은 그것들이 상징적이었다는 것입니다. 그렇다면 그것들이 추상 미술 의 첫 번째 예가 되는 걸까요? 아마도 그렇습니다. 하지만 우리 고대 조상들이 남긴 재현적 이미지조차도 정확히 사진처럼 사실적이지는 않습니다. 우리의 분석에서 부족한 것은 초기 예술가들의 의도를 이해하는 것입니다. 우리가 추상 미술에 대해 이야기할 때, 우리는 특별히 추상적으로 의도된 예술을 의미합니다. 선사 시대 예술가들이 그들의 이미지로 무엇을 전달하고자 했는지 알 수 없기 때문에, 그것이 추상적이었는지, 심지어 그것이 예술인지 판단할 수 없습니다. 우리가 아는 한, 그것은 실용적인 목적을 가졌을 수도 있습니다. 그래서 우리는 훨씬 더 잘 문서화된 시기로, 예술가들의 의도가 더 명확했던 시기로 건너뛰겠습니다.

앙리 마티스 - 모자를 쓴 여성, 1905, 유화, 31 3/4 × 23 1/2 인치, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

1800년대 초반 이전에는, 대다수의 예술가들이 자신이 무엇을 만들지를 결정할 여유가 없었다고 말하는 것이 안전하다. 대부분의 낭만주의 이전 시대의 예술가들은 생존을 위해 종교 기관이나 다른 권위 있는 세력의 지원에 의존했다. 따라서 왕과 성직자들이 대부분의 예술가 작품의 주제를 결정했다. 후원 시스템이 쇠퇴함에 따라, 예술가들에게는 다른 생존 방식이 나타났다. 갤러리 시스템이 등장했고, 독립 미술 상인들이 예술가의 작품을 대리하기 시작했으며, 부유한 개인과 사립 기관들이 예술가를 지원하고 그들의 작품을 수집하기 시작했다. 처음으로, 예술가들은 스스로에게 "나는 무엇을 만들고 싶은가?"라는 질문에 답할 기회를 얻었다. 즉시 다음의 불가피한 질문이 이어졌다: "왜 나는 그것을 만들고 싶은가?" 그 질문에 대한 답은 추상 미술의 궁극적인 부상의 주요 원인 중 하나이며, 아마도 낭만주의 시대에서 나타난 가장 지속적인 개념일 것이다; 그 시대의 많은 사상가들에 의해 표현되었고, 프랑스어로는 “L'art pour l'art.”로 요약된다. 예술을 위한 예술. 또는 작가 에드거 앨런 포가 1850년에 말했듯이:“…우리가 우리 자신의 영혼을 들여다보는 것을 허락한다면, 우리는 즉시 태양 아래에서 더없이 고귀하고, 더없이 존엄한 어떤 작품도 존재하지 않거나 존재할 수 없다는 것을 발견할 것이다. 바로 이 시가…오로지 시의 가치를 위해 쓰여졌다는 것을…”

안드레 드랭 - 마르는 세일, 1905, 유화, 82 x 101 cm, © 푸쉬킨 미술관, 모스크바

첫인상

예술가들이 미리 정해진 주제의 제약에서 벗어나게 되자, 그들은 다른 제약에서도 벗어나기 시작했다. 대략 1850년대부터 1870년대까지, 미학 운동은 예술가들이 문화, 사회 및 정치와 관련된 주제에 집중하기보다는 순수하게 미적 목적을 위해 예술을 창작할 수 있도록 힘을 실어주었다. 그 다음으로 등장한 것은 인상파 화가들로, 이들은 빛의 특성을 강하게 묘사하는 작업을 하며, 예술 작품의 개별 미적 요소를 정제하기 시작했다. 1880년대에 화가 조르주 쇠라(Georges Seurat)는 작은 점들로 이미지를 완전히 구성하는 기법을 개발했다. 이 기법은 점묘법(Pointillism)으로 알려져 있으며, 왜곡되었지만 표현적인 이미지를 만들어냈다. 점묘법 은 실험적인 붓질과 구성 기법의 발전에 기여하여 추상화로의 경향을 암시했다. 이 경향은 후기 인상파 시대에 확장되어 예술가들이 상징주의와 색상, 형태 및 선의 임의적 사용을 실험하기 시작했다.

그것은 모두 주관적입니다

1900년대에 표현주의자들은 주관성에 초점을 맞추어 순수 추상으로의 경향에 기여했습니다. 그들은 이미지를 극적으로 왜곡함으로써 신체적 현실보다 감정을 더 잘 나타내는 깊이 있는 개인적 관점을 제시하고자 했습니다. 이 시기에 색채와 화법에 거의 독점적으로 집중한 화가들인 포비스트의 부상도 있었습니다. 포비스트에게 주제는 작품의 미적 요소에 비해 부차적인 것이었습니다. 이때쯤 순수 추상의 출현은 불가피했습니다. 모든 곳에서 예술가들은 현실의 상징적 표현을 가지고 작업하며 주제와 무관한 방식으로 아이디어와 감정을 전달하기 위해 노력하고 있었습니다. 그들은 정의상 추상화하고 있었습니다. 하지만 순수하게 추상적인 그림을 만드는 데 성공한 첫 번째 사람은 누구였을까요?

한스 호프만 - 떠오르는 달, 1965, 캔버스에 유채, 개인 소장, 아트 리소스, NY / 호프만, 한스 (1880-1966) © ARS, NY

진짜 첫 번째 추상화자는 일어설 수 있나요?

거의 모든 역사학자들은 첫 번째 추상화가 바실리 칸딘스키의 제목 없음 (첫 번째 추상 수채화)라고 1910년에 그려졌다고 동의합니다. 생동감 넘치는 색깔의 얼룩, 원, 선, 구불구불한 선과 색상 영역이 무작위로 조합된 이 작품은 물리적 세계의 기존 시각적 요소를 전혀 참조하지 않습니다. 음모론적으로, 재미로 칸딘스키의 제목 없음 (첫 번째 추상 수채화)가 순수한 추상화가 아니었을 것이라고 가정해 볼 수 있습니다. 1년 전인 1909년에 프랑스 아방가르드 화가 프란시스 피카비아는 카우치크를 그렸습니다. 이 작품은 알아볼 수 없는 기하학적 형태가 무관한 색상 영역에 둘러싸인 프로토 큐비스트 작품입니다. 이 작품은 객관적인 시각적 현실을 전혀 나타내지 않는 것 같습니다. 그러나 카우치크라는 단어는 느슨하게 자연 고무 수액을 의미하며, 이는 가황 고무를 만드는 원자재를 참조합니다. 가황되지 않은 고무의 시각적 요소를 분석해 본 적이 없기 때문에 우리는 말할 수 없지만, 어쩌면 이 그림은 재현적일 수도 있습니다. 누가 알겠습니까? 우리가 아는 것은 칸딘스키가 열렬한 미술 이론가이자 다작의 미술 작가였다는 것입니다. 그는 세계 최초의 순수한 추상 미술 작품을 만들기 위한 그의 추구에 대해 열정적으로 썼습니다. 그는 추상 미술의 창시자가 되겠다는 자신의 의도와 그것을 성취한 성공에 대해 공개적으로 이야기했습니다. 그가 최초가 되고자 했던 의도는 누구도 부인할 수 없으며, 그를 앞서서 우연히 그를 제치고 나간 사람이 있었는지는 상관없습니다.

한스 호프만 - 벨루티 인 스페큘룸, 1962, 유채화, 85 1/4 x 73 1/2 인치 (216.5 x 186.7 cm), © 2017 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

칸딘스키가 분명히 한 것

순수 추상 미술을 만들겠다는 의도를 공개적으로 발표함으로써 칸딘스키는 예술가들이 관찰 가능한 세계에 대한 의존에서 벗어나게 했습니다. 그는 예술을 이전의 논리에서 분리했습니다. 그는 깊고 빠른 실험의 장을 열었습니다. 그는 독일의 낭만주의 화가 카스파르 다비드 프리드리히가 말했듯이, “예술가의 감정이 그의 법이다.”라는 낭만주의자들의 약속을 성숙하게 만들었습니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 IV, 1911, 유채화, 250.5 x 159.5 cm, 노르트라인-베스트팔렌 미술관, 뒤셀도르프, 독일

전쟁중인 세계

다음 수십 년 동안, 예술가들은 추상화에 대해 자유롭게 실험했습니다. 많은 새로운 스타일이 등장했으며, 이는 추상화의 자유에 대한 부름과 제1차 세계 대전의 공포, 그리고 기계 시대의 도래에 영향을 받았습니다. 입체파는 예술가들이 시각 언어를 가장 기본적인 구성 요소로 축소하도록 영향을 주었습니다. 미래주의는 선의 생명력과 힘을 보여주었습니다. 다다이즘 은 예술의 의미에 도전하며, 예술이 부르주아로부터 자유롭고 이를 거부해야 한다고 재확인했습니다. 1920년대에 초현실주의는 예술가들의 마음을 잠재의식의 힘에 열었습니다. 꿈 같은 이미지에 초점을 맞추고 의식적인 논리를 거부함으로써, 초현실주의는 추상 예술가들이 그들의 무의식적인 자아와 더 직접적으로 연결될 수 있는 기술, 매체 및 방법을 더 많이 실험하도록 깊은 영향을 미쳤습니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 6, 1913, 유채화, 76 2/5 × 115 7/10 인치, 194 × 294 cm, © 바실리 칸딘스키 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리 / 에리히 레싱 / 아트 리소스, NY

새롭게 만들어보세요!

1930년대에 독일 태생의 미국 화가 한스 호프만은 현대주의로 알려지게 된 본질적인 철학을 미국에 전파한 공로로 인정받고 있다. 그는 추상 화가로서 캘리포니아에서 뉴욕에 이르는 학생들에게 새로운 이미지 제작 방법을 채택하도록 격려하며, 급속히 산업화되는 사회의 불안과 경이로움을 대면하고 표현할 방법을 찾고자 했다. 1934년, 시인 에즈라 파운드는 현대주의자들의 태도를 요약하며 이제는 유명한 예술가들에게의 외침인 "새롭게 만들어라!"라고 말했다. 파운드는 논란의 여지가 있는 인물로, 궁극적으로 이탈리아로 이주하여 제2차 세계 대전의 주요 파시스트 인물들을 지지했다. 그럼에도 불구하고 그의 열정적인 구식 거부는 추상 예술가들의 마음에 뿌리를 내리게 되었고, 가까운 미래에 강력한 변화를 이끌어냈다.

바실리 칸딘스키 - 블랙 스팟 I (세부), 1912, 유화. 39.4 × 51.2인치 (100.0 × 130.0 cm), 러시아 박물관, 상트페테르부르크, 러시아

새로운 순수함

두 차례의 세계 대전, 세계적인 경제 불황, 기근, 잔혹 행위, 그리고 인구가 밀집한 도시들에 대한 두 차례의 핵 공격 이후, 1940년대 중반 평균 인간이 경험하고 있던 불안의 정도는 과장할 수 없다. 이러한 불안은 비교적 젊은 분야인 정신분석에 대한 새로운 광범위한 관심을 불러일으켰다. 이 시기에 정신분석에 의지한 수많은 사람들 중에는 잭슨 폴록 이 있었으며, 그는 추상 표현주의자들로 알려진 예술가 그룹의 주요 멤버 중 한 명이었다. 폴록은 재활 치료 중 정신분석에 노출되었고, 이는 그의 잠재의식에 잠겨 있는 원초적 지식의 세계에 대한 마음을 열어주었다. 그의 동시대 많은 예술가들은 인간성의 숨겨진 본질과 연결할 새로운 방법을 찾고 있었으며, 그들의 그림을 통해 원초적이고 날것의 감정을 표현하기 위해 노력하고 있었다. 폴록은 숨겨진 이미지를 추구하며, 자신 안에 있는 더 깊은 무언가, 추상 예술이 아직 표현하지 못한 더 순수한 무언가와 연결되기를 희망했다. 1947년경, 폴록은 지금은 상징적인 그의 드립 기법을 개척했다. 이 기법은 도구를 캔버스에 직접 접촉시키는 대신 중력과 운동량과 같은 힘을 사용하여 표면에 페인트를 적용하는 것이었다. 이러한 새로운 신체성의 수준을 수용하고 인식 가능한 형태의 모든 감각을 완전히 거부한 폴록은 잠재의식의 의도, 색상, 움직임, 힘과 힘에 전적으로 기반한 순수 추상의 새로운 영역에 들어섰다.

바실리 칸딘스키 - 칸딘스키의 첫 번째 추상 수채화, 1910, 종이에 수채화와 인디안 잉크 및 연필, 19.5 × 25.5인치, (49.6 × 64.8 cm), 파리, 조르주 퐁피두 센터

시작의 끝

폴록의 작업은 여러 면에서 추상의 약속을 실현했습니다: 미적 기대의 제약에서 예술가를 완전히 해방시키는 것입니다. 아마도 그의 노력은 추상의 논리적 끝으로 이어졌습니다. 폴록은 질감, 물질성, 과정의 중요성과 예술 작품을 예술을 전달하는 표면이 아니라 하나의 통합된 형태로 보는 아이디어를 날카롭게 부각시켰습니다. 이러한 개념은 폴록의 작업에서 원초적인 의미로 반영되었지만, 1960년대 가장 영향력 있는 예술가로서 추상 표현주의자를 대체할 미니멀리스트들의 작업에 필수적입니다. 미니멀리스트 운동의 주요 인물인 칸딘스키처럼, 도널드 클라렌스 저드는 열렬한 미술 이론가이자 작가였습니다. 그는 미니멀리스트라는 꼬리표를 거부했지만, 시각 언어를 간소화하고 형태와 공간의 개념을 정화하는 아이디어를 대표하게 되었습니다. 저드와 같은 미니멀리스트 예술가들은 인식 가능한 시각적 참조와 객관적 현실을 거부하기보다는, 형태, 생생하고 순수한 색상, 날카로운 선, 최소한의 질감 및 현대적 물질성에 집중했습니다. 현실을 추상화하기보다는, 미니멀리스트들은 추상 미술에서 자주 탐구되는 형태, 색상, 형태 및 선을 물리적 공간에서 표현적인 방식으로 구현했습니다.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

새로운 새로운

추상 미술의 역사는 예술가들이 자유를 추구하는 역사입니다. 오늘날 그것이 의미하는 바는 예술가들이 자신이 선택한 어떤 방식으로든 자유롭게 자신을 표현할 수 있으며, 그들을 자극하는 어떤 방법을 탐구할 수 있다는 것입니다. 오늘날의 개방적인 스타일의 아름다움은 예술가가 아이디어를 실현하는 데 가장 잘 맞는 어떤 스타일, 매체 또는 방법을 사용할 수 있다는 것입니다. 미니멀리즘이 1970년대에 추상 미술을 한쪽으로 밀어냈을지라도, 추상은 많은 예술가들의 작업에서 다시 전면에 나왔습니다. 현대의 추상 화가들은 그들의 선배들이 가진 개방적인 사고방식의 혜택을 누리고 있습니다. 추상은 우리가 객관적인 현실로는 설명할 수 없는 무언가와 계속 연결되어 있습니다; 가시적인 현실을 넘어서는 우리 안의 깊은 무언가입니다.

특징 이미지: 바실리 칸딘스키 - 칸딘스키의 첫 번째 추상 수채화, 1910, 사진 출처: 위키백과

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필립 Barcio