Herbezoeken van de Color Field en Op Art van de beroemde Poolse kunstenaar Wojciech Fangor

Wojciech Fangor had een talent voor het uitdrukken van zowel eenvoud als diepte in zijn kunst. Oorspronkelijk opgeleid als realistisch kunstenaar in zijn geboorteland Polen in de jaren 30, ontwikkelde hij zich in de vroege jaren van zijn carrière tot een bekwame figuratieve schilder, grafisch ontwerper en architect. Na de Tweede Wereldoorlog wijdde hij, net als veel van zijn Poolse tijdgenoten, zijn inspanningen aan het creëren van beelden die het socialistisch realisme bevorderden. Maar in de loop der tijd breidde hij zijn interesse uit voorbij figuratieve schilderkunst, en uiteindelijk was het zijn abstracte werk dat zijn reputatie als een van de meest invloedrijke Poolse kunstenaars van de 20^ste eeuw veiligstelde. Zijn reis naar abstractie begon in de jaren 50, toen hij begon te verkennen op welke manieren geschilderde composities de perceptie van kijkers over fysieke ruimte konden beïnvloeden. De abstracte werken die uit dit onderzoek voortkwamen, zijn zijn meest iconische prestaties. Verschillende daarvan werden opgenomen in de baanbrekende tentoonstelling van MoMA in 1965 The Responsive Eye, die Op Art in de publieke verbeelding introduceerde. (Fangor was de enige in Polen geboren schilder die in die tentoonstelling was opgenomen.) Focussend op cirkels, diagonalen en golfvormen, lokken deze schilderijen het oog om beweging waar te nemen. Nuances komen tevoorschijn aan de randen waar de vormen oplossen. Subtiliteiten van de gedempte kleurrelaties inspireren tot contemplatie van de omringende leegtes. Met deze werken overbrugde Fangor de oogtrucs die normaal gesproken geassocieerd worden met Op Art met de introspectieve mentale ruimte die geassocieerd wordt met Color Field Painting. Een selectie van de werken die Fangor tentoonstelde in The Responsive Eye zal binnenkort weer te zien zijn, te beginnen op 19 april 2018, in de inaugurele tentoonstelling bij Heather James Fine Art New York. Wojciech Fangor: The Early 1960s belooft hedendaagse kijkers opnieuw te betrekken bij het gesprek dat Fangor meer dan een halve eeuw geleden begon over de abstracte mysteries van kleur, vorm en picturale ruimte.

De Indeling van Ruimte

Fangor kwam tot zijn waardering voor abstractie via een zeer praktische weg. Een treinstation toonde hem de weg. Hij was betrokken bij een samenwerking met een paar architecten om de ondergrondse gebieden van het centrale Warschau spoorwegsysteem opnieuw te ontwerpen. Hun doel was om de ruimte humanistischer en minder claustrofobisch te maken. Fangor kwam op het idee om abstracte mozaïekwerken in de stenen muren te plaatsen met een kleurenschema dat geleidelijk zou evolueren terwijl reizigers zich haastig door het station bewoogen. De kinetische beweging van de voorbijgangers activeerde de beelden op de muren en creëerde een dynamische esthetische ervaring die mensen meer verbonden deed voelen met hun omgeving. Zijn werk aan het ontwerp van het metrostation inspireerde Fangor om de ervaring van bezoekers aan een kunsttentoonstelling opnieuw te bedenken. In plaats van tentoonstellingen te beschouwen als kansen voor mensen om stil te staan voor enkele kunstwerken, vroeg hij zich af hoe hij de tentoonstellingsruimte kon activeren, vergelijkbaar met hoe hij het metrostation activeerde.

Wojciech Fangor - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 in, Olie op doek, © Wojciech Fangor, met dank aan Heather James Fine Art New York

De oplossing die hij bedacht had, werd onthuld in zijn tentoonstelling Spatial Study, die in première ging in de “Nowa Kultura” Salon in Warschau in 1958. De tentoonstelling wordt beschouwd als een van de vroegste voorbeelden van een omgevinginstallatie. Om het werk te creëren, werkte Fangor samen met StanisÅ‚aw Zamecznik, een van de architecten van het metroproject. Samen bedachten ze een scenario waarin kunstkijkers de vrijheid zouden hebben om vrij door een ruimte te bewegen, terwijl ze esthetische elementen onderweg ervoeren. Hun beweging zou net zo belangrijk zijn voor hun ervaring als de kunst. Fangor creëerde 20 abstracte schilderijen voor de installatie. Hij hing vier van de schilderijen aan de muur, en de andere 16 waren verspreid over de kamer op ezels. De beelden speelden optische trucs met elkaar, afhankelijk van het perspectief van de kijker. Elke kijker die binnenkwam, koos zijn eigen pad door de installatie. Terwijl ze de ruimte navigeerden, evolueerden de optische trucs. Hun ervaring veranderde afhankelijk van hun bewegingen.

Wojciech Fangor - Zwart en Roze, 1960, 38 x 31 in, Olieverf op doek, © Wojciech Fangor, met dank aan Heather James Fine Art New York

De Eliminatie van Oppervlak

Fangor had verschillende inzichten tijdens het maken van de abstracte werken voor de Spatial Study-installatie. Een belangrijke ontdekking was dat wanneer hij een optisch abstracte compositie creëerde, hij waarnam dat het beeld leek te komen van het oppervlak en zich in de ruimte projecteerde. Hij noemde dit fenomeen "positieve illusoire ruimte." Hij begon het proces van het creëren van positieve illusoire ruimte te beschouwen als de geleidelijke eliminatie van het oppervlak. Met andere woorden, hoe meer illusoire ruimte hij met een beeld kon creëren, hoe minder de kijker zou waarnemen dat er ook maar enig oppervlak was dat het beeld ondersteunde - de vormen leken te zweven in de leegte tussen het canvas en de ogen van de kijker. Dit idee staat centraal in de meeste beelden die Fangor toonde in The Responsive Eye, en die te zien zijn bij Heather James Fine Art New York.

Wojciech Fangor - Roze en Zwarte Spindle, 1960, 39 x 29 1/2 in, Olieverf op doek, © Wojciech Fangor, met dank aan Heather James Fine Art New York

De illusie van ruimte in deze werken wordt versterkt door de manier waarop Fangor de randen van zijn vormen vervaagde. De spectrale kleuren vervagen terwijl de vormen lijken te scheiden van de achtergrond. Concentische ringen lijken te pulseren; een golf van kleur ripplet over een doek, schijnbaar fluctuërend voor het oog; een verticale kolom van halve manen lijkt in slow motion uit de lucht te vallen. Deze schilderijen bezitten een genuanceerde kinetische gevoeligheid. Hoe dichter men naar de vormen kijkt en hoe langer men staart, des te meer lijken ze inderdaad in de ruimte te zweven. Terwijl de vormen meer dimensionaal worden, worden de kleuren vluchtiger, en het oppervlak glijdt de verte in. Vergeleken met het werk van andere Op Art-pioniers zoals Bridgett Riley en Victor Vasarely, zijn de schilderijen die Fangor maakte subtiel. Toch, kijkend over de uitgestrekte omvang van de rest van zijn oeuvre, is het duidelijk dat ze een vitale rol speelden in zijn ontwikkeling, en in de ontdekkingen die zijn generatie deed over de mysteries van vorm en ruimte. Wojciech Fangor: The Early 1960s is te zien bij Heather James Fine Art New York van 19 april tot 30 juni 2018.

Uitgelichte afbeelding: Wojciech Fangor - Square 21, 1962, 35 1/2 x 35 1/2 in, Olieverf op doek, © Wojciech Fangor, met dank aan Heather James Fine Art New York

Door Phillip Barcio