Herbezoeken van de Color Field en Op Art van de beroemde Poolse kunstenaar Wojciech Fangor

Wojciech Fangor had een talent om zowel eenvoud als diepgang in zijn kunst uit te drukken. Oorspronkelijk opgeleid als realistisch kunstenaar in zijn geboorteland Polen in de jaren 1930, bracht hij de eerste jaren van zijn loopbaan door met zich te ontwikkelen tot een vaardig figuratief schilder, grafisch ontwerper en architect. Na de Tweede Wereldoorlog wijdde hij, net als veel van zijn Poolse tijdgenoten, zijn inspanningen aan het creëren van beelden die het socialistisch realisme promootten. Toch breidde hij na verloop van tijd zijn interesse uit voorbij het figuratieve schilderen, en uiteindelijk was het zijn abstracte werk dat zijn reputatie als een van de meest invloedrijke Poolse kunstenaars van de 20^e eeuw veiligstelde. Zijn reis naar abstractie begon in de jaren 1950, toen hij begon te onderzoeken op welke manieren geschilderde composities de waarneming van fysieke ruimte door kijkers konden beïnvloeden. De abstracte werken die uit dit onderzoek voortkwamen, zijn zijn meest iconische prestaties. Verschillende daarvan werden opgenomen in de baanbrekende MoMA-tentoonstelling van 1965 The Responsive Eye, die Op Art in de publieke verbeelding introduceerde. (Fangor was de enige in Polen geboren schilder die in die tentoonstelling was opgenomen.) Met de focus op cirkels, diagonalen en golfvormen lokken deze schilderijen het oog om beweging waar te nemen. Nuances ontstaan aan de randen waar de vormen oplossen. Subtiliteiten in de gedempte kleurrelaties nodigen uit tot overdenking van de omringende leegtes. Met deze werken overbrugde Fangor de oogbedriegerijen die normaal gesproken met Op Art worden geassocieerd met de introspectieve geestelijke ruimte die hoort bij kleurvlakschilderkunst. Een selectie van de werken die Fangor toonde in The Responsive Eye zal binnenkort weer te zien zijn, vanaf 19 april 2018, in de openingspresentatie bij Heather James Fine Art New York. Wojciech Fangor: The Early 1960s belooft hedendaagse kijkers opnieuw te betrekken bij het gesprek dat Fangor meer dan een halve eeuw geleden begon over de abstracte mysteries van kleur, vorm en beeldruimte.

De ordening van ruimte

Fangor kwam tot zijn waardering voor abstractie via een heel praktische weg. Een treinstation wees hem de weg. Hij werkte samen met een paar architecten aan het herontwerpen van de ondergrondse gedeelten van het centrale spoorwegsysteem van Warschau. Hun doel was om de ruimte menselijker en minder benauwend te maken. Fangor bedacht het idee om abstracte mozaïekwerken in de stenen muren te plaatsen met een kleurenschema dat geleidelijk zou evolueren terwijl reizigers zich door het station haastten. De kinetische beweging van de voorbijgangers activeerde de beelden op de muren en creëerde een dynamische esthetische ervaring die mensen meer verbonden liet voelen met hun omgeving. Zijn werk aan het ontwerp van het metrostation inspireerde Fangor om de ervaring die kijkers hebben bij een kunsttentoonstelling opnieuw te bedenken. In plaats van tentoonstellingen te zien als gelegenheden waarbij mensen bewegingsloos voor afzonderlijke kunstwerken staan, vroeg hij zich af hoe hij de tentoonstellingsruimte op een vergelijkbare manier kon activeren als hij dat bij het metrostation deed.

Wojciech Fangor - #6, 1963, 155,6 x 130,2 cm, Olie op doek, © Wojciech Fangor, met toestemming van Heather James Fine Art New York

De oplossing die hij bedacht werd onthuld in zijn tentoonstelling van 1958 Spatial Study, die in première ging in de “Nowa Kultura” Salon in Warschau. De tentoonstelling wordt beschouwd als een van de vroegste voorbeelden van een omgevingsinstallatie. Voor het werk werkte Fangor samen met Stanisław Zamecznik, een van de architecten van het metroproject. Samen bedachten ze een scenario waarin kunstkijkers de vrijheid kregen om zich vrij door een ruimte te bewegen en esthetische elementen onderweg te ervaren. Hun beweging zou net zo belangrijk zijn voor hun ervaring als de kunst zelf. Fangor maakte 20 abstracte schilderijen voor de installatie. Vier van de schilderijen hingen aan de muur, en de andere 16 stonden verspreid door de ruimte op ezels. De beelden speelden optische trucjes met elkaar afhankelijk van het perspectief van de kijker. Elke bezoeker die binnenkwam koos zijn eigen weg door de installatie. Terwijl ze door de ruimte navigeerden, evolueerden de optische illusies. Hun ervaring veranderde afhankelijk van hun bewegingen.

Wojciech Fangor - Zwart en Roze, 1960, 96,5 x 78,7 cm, Olie op doek, © Wojciech Fangor, met toestemming van Heather James Fine Art New York

Het verdwijnen van het oppervlak

Fangor deed verschillende ontdekkingen tijdens het maken van de abstracte werken voor de Spatial Study-installatie. Een belangrijke vondst was dat wanneer hij een optisch abstracte compositie maakte, hij het beeld leek te zien loskomen van het oppervlak en de ruimte in te projecteren. Hij noemde dit verschijnsel “positieve illusoire ruimte.” Hij begon het proces van het creëren van positieve illusoire ruimte te zien als het geleidelijke verdwijnen van het oppervlak. Met andere woorden, hoe meer illusoire ruimte hij met een beeld kon creëren, hoe minder de kijker zou waarnemen dat er überhaupt een oppervlak was dat het beeld ondersteunde — de vormen leken te zweven in de leegte tussen het doek en de ogen van de kijker. Dit idee ligt ten grondslag aan de meeste beelden die Fangor toonde in The Responsive Eye, en aan die welke te zien zijn bij Heather James Fine Art New York.

Wojciech Fangor - Roze en Zwarte Spil, 1960, 99 x 75 cm, Olie op doek, © Wojciech Fangor, met toestemming van Heather James Fine Art New York

De illusie van ruimte in deze werken wordt versterkt door de manier waarop Fangor de randen van zijn vormen vervaagde. De spookachtige kleuren vervagen terwijl de vormen lijken los te komen van de achtergrond. Concentische ringen lijken te pulseren; een golf van kleur golft over het doek en lijkt voor het oog te schommelen; een verticale zuil van maansikkels lijkt langzaam uit de lucht te vallen. Deze schilderijen bezitten een genuanceerde bewegingsgevoeligheid. Hoe dichter men naar de vormen kijkt en hoe langer men staart, hoe meer ze inderdaad lijken te zweven in de ruimte. Naarmate de vormen meer driedimensionaal worden, worden de kleuren vluchtiger en glijdt het oppervlak naar de achtergrond. Vergeleken met het werk van andere pioniers van Op Art zoals Bridgett Riley en Victor Vasarely, zijn de schilderijen die Fangor maakte subtiel. Toch is het, gezien het grote geheel van zijn oeuvre, duidelijk dat ze een vitale rol speelden in zijn ontwikkeling en in de ontdekkingen die zijn generatie deed over de mysteries van vorm en ruimte. Wojciech Fangor: The Early 1960s is te zien bij Heather James Fine Art New York van 19 april tot en met 30 juni 2018.

Afbeelding uitgelicht: Wojciech Fangor - Vierkant 21, 1962, 90 x 90 cm, Olie op doek, © Wojciech Fangor, met toestemming van Heather James Fine Art New York

Door Phillip Barcio