Wadsworth Atheneum Museum of Art eert de abstract expressionistische beeldhouwer Herbert Ferber

Herbert Ferber was een enigma. Hij was een van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20^ste eeuw, en toch heeft de meeste mensen vandaag de dag nog nooit van hem gehoord. Ferber verkeerde in de kringen van de meest beroemde van de beroemden—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Hij exposeerde zelfs naast hen in de Betty Parsons Gallery. In feite was Ferber een van de 18 "Irascibles" die een open brief schreven aan het Metropolitan Museum of Art als protest tegen de American Painting Today tentoonstelling in 1950. Hij is opgenomen in de beroemde van die beruchte groep die de Life Magazine-artikel vergezeld ging dat wordt toegeschreven aan het introduceren van Abstract Expressionism aan de wereld. Ondanks al deze claims op roem, is Ferber echter niet precies een household name. Een reden waarom dat zo zou kunnen zijn, is omdat dat is hoe hij het wilde. Ferber is extreem moeilijk te beschrijven omdat hij zeer toegewijd was aan het idee dat kunst veel belangrijker zou moeten zijn dan kunstenaars. Hij vond dat het idee achter het werk besproken moest worden, en dat de vraag hoe goed het idee werd gerealiseerd de focus van alle kunstschrijverij zou moeten zijn. Niettemin, zo geldig als dit enigszins existentiële wereldbeeld ook mag zijn, lijkt het mij essentieel om in enige mate over de kunstenaar te praten. Zonder kunstenaars en de eigenaardigheden die hen doen doen wat ze doen, zou er helemaal geen kunst zijn om naar te kijken of over te schrijven. Vooral in het geval van Ferber zijn de details van zijn persoonlijke leven essentieel voor de ideeën die hij ontwikkelde. Als je niet bekend bent met zijn ideeën, is dit het perfecte moment om kennis te maken. Een retrospectieve tentoonstelling in het Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut, getiteld Herbert Ferber: Space in Tension, toont 40 werken van de kunstenaar, die zijn hele carrière beslaan en de basis leggen voor het begrijpen van zijn belang voor de ontwikkeling van abstracte kunst.

Bouw het op, breek het af

Geboren in New York City in 1906, kwam Ferber via de tandheelkunde bij de beeldhouwkunst. Hij moest anatomische studies maken in de klas. Een van zijn instructeurs herkende dat hij bijzonder getalenteerd was in het tekenen van lichaamsdelen en raadde Ferber aan om kunst als een soort extra-tandheelkundige hobby na te jagen. Ferber schreef zich prompt in voor avondlessen aan het Beaux-Arts Institute of Design in New York. Hoewel hij afstudeerde van de tandheelkundige school en zelfs parttime tandheelkunde beoefende, veroverde zijn passie voor de ideeën die hij op de kunstschool tegenkwam al snel al zijn vrije tijd. Hij begon met tekenen en schilderen, maar voelde zich al snel meer aangetrokken tot het conceptuele domein van de beeldhouwkunst.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Erfenis van Herbert Ferber

Zijn eerste sculpturale experimenten bestonden uit het opbouwen van lagen gips om figuratieve modellen van de menselijke figuur te creëren. Ferber verwees naar dit proces van het opbouwen van een sculpturale vorm met lagen als een "tijdloze" traditie. Toch vereiste zijn nieuwsgierigheid dat hij andere methoden zou verkennen. Hij was onder de indruk van de manier waarop de romaanse architectuur een valse indruk van schaal en perspectief creëerde. Hij vond het mooi hoe de lege ruimte binnenin, laten we zeggen, een kerk, evenveel belang kreeg als de fysieke structuur zelf. Hij was geïnspireerd door dit idee van een kader dat samenwerkt met open ruimte. Het opbouwen van een sculptuur, of zelfs het uithakken van een sculptuur, kon datzelfde gevoel van ruimte niet bereiken, dus besloot hij met metaal te werken. Het lasproces stelde hem in staat om te creëren wat hij "open sculpturen" noemde, of vormen die waren samengesteld om zowel solide materialen als lege ruimte te incorporeren.

Herbert Ferber - Apocalyptische Ruiter II, 1947, © Erfenis van Herbert Ferber

Gestuele Abstracte Sculptuur

De eerste grote tentoonstelling die Ferber kreeg, was in de Betty Parsons Gallery. Het omvatte wat hij "gestuele" sculpturen noemde - "naturalistische" vormen met "een soort gestuele ordening." Het werk werd door sommige critici als Surrealistisch beschouwd, en door anderen als abstract. Ferber zei dat geen van beide beschrijvingen helemaal accuraat was. Hij was gewoon aan het experimenteren met manieren om bij eenvoudige ideeën te komen. Hij wilde vormen maken die de ruimte doordrongen. Hij wilde begrijpen wat het verschil is tussen vorm en ruimte. Hij wilde verkennen hoe een fysieke gebaar zich kon manifesteren als een solide object. Hij wilde zijn materialen en processen hun waarheid laten uitdrukken. Deze, merkte Ferber op, waren de kwesties waar alle kunstenaars van de New York School destijds over spraken. Het waren echter geen belangrijke kwesties voor het kooppubliek, dat Ferber en de meeste van zijn tijdgenoten grotendeels negeerde, althans in de vroege dagen.

Herbert Ferber - Hommage aan Piranesi IV B, 1963-64, © Erfenis van Herbert Ferber

Ondanks dat hij arm was en grotendeels genegeerd, bleven Ferber en de anderen filosofisch en idealistisch. Hij herinnert zich dat hij eindeloos met andere kunstenaars sprak over een enkel kunstwerk, dieper en dieper in de conceptuele implicaties ervan. Zoals hij in een interview in 1968 voor de Smithsonian Archives of American Art zei: “we spraken niet over de soort winkel die ik tegenwoordig hoor, waar je tentoonstelt of wat je verkoopt, of welke opdrachten je hebt gekregen. Maar het ging altijd over de ideeën die betrokken waren bij het losbreken van of ontwikkelen naar een nieuwe vorm of een nieuw idee.” Uiteindelijk rijpten die ideeën tot de goed gevestigde gespreksonderwerpen die nu talloze museumtentoonstellingen en essays over de Amerikaanse kunst van het midden van de 20e eeuw definiëren. Ferber ging echter verder dan dat. Hij bleef zich ontwikkelen en zichzelf uitdagen in zijn studio. Elke keuze die hij als kunstenaar maakte, stelde hem in staat een idee te vervullen, en dat bleef zijn primaire focus tot het einde. Zijn afkeer van zelfverheerlijking heeft hem misschien onder de radar van de massamedia gehouden, aangezien hij altijd de ideeën en niet zijn naam eerde, maar het gaf zijn werk ook authenticiteit, vitaliteit en kracht. Herbert Ferber: Space in Tension is te zien tot 29 juli 2018 in het Wadsworth Atheneum Museum of Art.

Uitgelichte afbeelding: Herbert Ferber: Ruimte in Spanning, installatiezicht in het Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio