Et intervju med Ellen Priest

Ellen Priest har satt sitt preg på kunstverdenen med sine livfulle abstrakte kollasjemalerier i over tretti år. Påvirket av Cezanne fra starten av karrieren, og jazz siden 1990-tallet, har hun forsøkt å fange bevegelsene og de intrikate rytmene i ulike jazzkomposisjoner i livlige fargestrøk. IdeelArt fikk muligheten til å diskutere hennes arbeidsprosess, samtidig som vi fikk innsikt i hennes påvirkninger og hennes lidenskap for musikk underveis.

Du nevner at du ble sterkt påvirket av en utstilling med tittelen «Cezanne: De sene verkene» som viste hans sene akvareller på Museum of Modern Art. Påvirker hans stil fortsatt og gjennomsyrer dine arbeider?

Å, absolutt. Det er morsomt; det er en av de innsiktene man får når man er ung. Denne satt fast for meg. Og jeg kunne merke allerede da at dette var noe stort. På Philadelphia Museum of Art finnes det et sent Cezanne-landskap som jeg går for å se når jeg trenger å klarne hodet, finne inspirasjon eller løse noe. Jeg står foran det landskapet til jeg finner ut av det. Hans sene verk har vært en konstant påvirkning i over tretti år. Jeg tror det handler om at han fant en måte å håndtere farger på, og det mange ikke skjønner er at valget av plassering av en bestemt farge i bunn og grunn er tegning. Cezanne hadde en måte å forstå hvordan objekter i rom svever på. Hans tankegang ser ut til å samsvare med min egen. Former dukker opp, så oppløses de. Så dukker de opp igjen og forsvinner på ny, noe som gir illusjonen av at maleriet puster. Han er fortsatt like magisk for meg som da jeg først så verket.

Jeg føler meg heldig, ærlig talt. Jeg tror det sier noe om styrken og briljansen i hans arbeid. For meg var han like banebrytende som Giotto med perspektiv og måten han håndterte figurer i rom. Min formening er at om jeg kunne hoppe 500 år frem i tid, ville folk fortsatt snakket om Cezanne som en banebryter. Den abstrakte ekspresjonismen som fascinerte meg tidlig, er like sterk for meg nå. Jeg føler meg heldig som traff på det og forsto det tidlig. Jeg innså rett og slett hva som var visuelt kraftfullt for meg.

Kan du fortelle om arbeidsprosessen din? Hvilke materialer og teknikker bruker du?

Jeg bruker papir; alt mitt arbeid er på papir. Malingen jeg bruker er flashe og olje. Flashe, som er en vinylbasert vannløselig maling, tar opp pigmenter på samme måte som akvarell og gouache. Den gjør ikke fargene litt brune slik akryl gjør. Den er veldig kompatibel med oljemaling. Fargemessig er den litt annerledes, men de fungerer virkelig godt sammen i rommet. Jeg bruker mye blyant også. Papirene varierer fra veldig tungt fransk akvarellpapir til to tykkelser av Canson kalkerpapir. Det ene er veldig tungt og heter Opalux, det andre er tynnere, og begge er arkivbestandige. Jeg har jobbet mye de siste femten årene med et par i Boston, Jim og Joan Wright, som begge er museumsbevarere, og de veiledet meg i denne prosessen. Jim lærte meg hvordan jeg kan bruke oljemaling på denne typen papir uten problemer. Jeg har holdt på med dette lenge nå, og arbeidene holder seg fint; jeg har ikke hatt noen vansker med det. Jeg bruker også MSA-gel som lim, og jeg laminerer ikke lagene – jeg limer dem punktvis – og jeg tynger dem ned for å få gelen til å stivne. Det tar omtrent en uke å tørke.

Du nevner at du bruker ett til fem år på en serie. Hvordan holder du motivasjonen oppe og unngår utbrenthet?

Prosessen min er ganske lang, men også variert. Den starter med penselstudier, som er mine første møter med lydene og bevegelsen i musikken. Penselstudiene varer kanskje i tretti sekunder, og utvikler seg gradvis til å bygge opp disse tykke, lagdelte verkene. Jeg har ikke problemer med det fordi prosessen har utviklet seg over mange år og fungerer veldig godt for meg. Det har blitt et språk jeg er veldig komfortabel med, selv om det alltid er en utfordring. Jeg tror også at på et visst punkt blir man bare profesjonell, og det spiller ingen rolle hvordan jeg føler meg den dagen. Det er tid for å jobbe. Jeg svømmer noen lengder, tar en smoothie og setter i gang. Jeg har lært at hvis hodet ikke er med, finnes det ulike ting jeg kan gjøre for å komme inn i det. Som regel vet jeg dagen før hva jeg må gjøre neste dag. Når jeg prøver å finne ut fargeforholdene, må jeg bare sitte og se på det, og stadig bytte ut fargeprøver for å se hvordan de oppfører seg i rommet. Jeg har også musikken på. Så prosessen i seg selv bærer meg noen ganger når verken sinn eller hjerte er helt til stede, men jeg må komme dit. Den disiplinen kommer med årene.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache på papir. 106,68 x 106,68 cm.

Hvordan velger du innhold og motiv?

Motiv og innhold er to forskjellige ting. Innholdet er sluttresultatet, eller følelsene du opplever når du ser på verket. Motivet er jazzen. Svært få abstrakte kunstnere har bevisste motiver. Jeg oppdaget tidlig at jeg ikke kunne holde bildene mine friske uten å hente motiv utenfra. Det strevde jeg med i omtrent ti år. Det skjedde endelig da jeg hørte på jazz. Jeg var på vei til Vermont for å stå på ski og hørte på den lokale NPR-stasjonen, og det var et stykke av Michel Camilo, en dominikansk jazzpianist. Plutselig innså jeg at rommene jeg så for meg i hodet var rom som fantes i musikken hans.

Det var i 1990, og siden har jeg jobbet med jazz. Det er bevisste motiver. Det tok meg flere år å utvikle hvordan jeg skulle lage bilder ut fra det. De Kooning så aldri på seg selv som en abstrakt maler; han studerte stadig figurer og landskap, av og til stilleben. Joan Mitchell, som er en av mine andre ikoner, hadde en svært lang karriere som abstrakt ekspresjonistisk maler, og det er virkelig tøft. Hun hentet inspirasjon fra landskap og poesi. Hun hadde flere venner som var poeter, blant dem John Ashbury, og hun «illustrerte» diktene hans. De Kooning og Mitchell er blant de få som har holdt fast ved denne gestiske ekspresjonistiske malestilen gjennom hele karrieren.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Ikke særlig godt. Jeg er en av dem som vet hvordan man skal være forretningsperson og er veldig profesjonell, men jeg føler ikke at jeg er særlig vellykket på det området. Det er et felt jeg fortsatt jobber hardt med. Den største hindringen for meg har vært at folk som ser mye kunst alltid sier at arbeidet mitt må oppleves i virkeligheten. Ikke bare det, arbeidet er unikt. Ingen andre ser på eller bruker materialene på denne måten. Unikhet er en styrke, men også en utfordring, fordi det kan være vanskelig for noen å finne en måte å forholde seg til det de ser på, siden de aldri har sett noe lignende.

Du nevner at verkene dine er sterkt påvirket av rytmene og den intellektuelle strengheten i jazzmusikk. Hva hører du på for tiden som gir næring til arbeidet ditt?

Jeg hører faktisk på musikk ett til to år før jeg begynner på et nytt prosjekt. Prosjektene mine kan ta alt fra ett til fem år, så hvis jeg skal jobbe med et bestemt verk så lenge, må jeg like det! Ellers ville jeg vært i trøbbel hvis det ikke festet seg hos meg. Jeg er i ferd med å avslutte Jazz Cubano-serien, og jeg tok fatt på den fordi jeg elsker afro-kubansk jazz. Rytmene er så komplekse at jeg innså at den eneste måten jeg kunne forstå dem på, var å bryte dem ned til de enkleste delene – én perkusjonslyd om gangen – og så bygge meg opp igjen. Dette har vært en veldig morsom serie. Jeg blir ferdig med den innen høsten, og så begynner jeg på et CD-lengde verk kalt The River av en Chicago-basert pianist og komponist ved navn Ryan Cohan.

Det er et vakkert stykke med åtte nøye skrevne deler. Mellom hver del er det en improvisert pianoseksjon – det er symbolsk elven. Han fikk et stipend for å reise til Afrika, og Chamber Music America, som også finansierte Edward Simons Venezuelanske Suite, som jeg jobbet med i fem år, finansierte komposisjonen. Det Ryan har gjort, er å ta afrikanske rytmer sammen med alt annet han er påvirket av, og gjøre det til noe som virkelig er hans eget. Dette er et vakkert fordøyd og nyskapende musikkstykke. Det er veldig intelligent og har et stort følelsesregister. Det jeg oppdager, er at jeg ofte blir tiltrukket av ting både følelsesmessig og intellektuelt. Jeg gleder meg virkelig til The River. Den begynner jeg på sent i høst, eller mest sannsynlig før året er omme.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008. Papir, olje, flashe, blyant, MSA-gel. 106,68 x 106,68 cm.

Hvilke av dine kunstverk er du mest stolt av, og hvorfor?

Jeg tror de verkene jeg er mest fornøyd med, er i to forskjellige grupper: den ene er de siste stykkene i Venezuelan Suite-serien, fordi jeg klarte å oppnå en balanse mellom kompleksitet og enkelhet som jeg var veldig fornøyd med. Jeg klarte endelig å fange musikkens fart uten at det gikk tapt. Jeg likte også tegningene i Jazz Cubano-serien veldig godt. De er så nedstrippet, men har mye kraft. Det ville være de to gruppene jeg ville si jeg er ekstremt stolt av. Når det gjelder et enkelt verk, kan jeg egentlig ikke si.

Hvordan vet du når et verk er ferdig?

Jeg tror det kommer et punkt hvor jeg ser på et verk, og på hvert trinn må jeg ta den avgjørelsen. Når det ikke er mer jeg ønsker å gjøre, eller når det føles som om alt mer jeg gjør blir for mye, da vet jeg at det er ferdig. Jeg pleier å vente og se på det en stund. Noen ganger vet jeg med en gang hva jeg skal gjøre, men noen ganger tar det litt tid. Hvis det er et område som ikke utvikler seg, prøver jeg å finne en måte å få det i gang på. Ofte betyr det at jeg må justere en annen del av maleriet. Det trenger ikke nødvendigvis være stedet selv; det kan være en annen komponent som må endres. Som regel sover jeg på det litt. Jeg kan tro det er ferdig, men jeg venter litt. Jeg må ta disse avgjørelsene før jeg limer. Når jeg trimmer kantene på stykket, får jeg noen ganger en overraskelse – og det er ikke alltid positivt. Av og til setter jeg sammen noe som ikke er som jeg forventet. Noen ganger kan stykket bli ubalansert etter trimming, og jeg kan miste det fordi det ikke lenger viser det følelsesregisteret det en gang hadde.

Hva betyr det for prosessen din å ha et fysisk rom å lage kunst i, og hvordan får du rommet til å fungere for deg?

Jeg har et gammelt hus, et treetasjes fra 1890-tallet, eller det vi kaller en tomannsbolig. Jeg har tre etasjer med nordlys, og jeg bor i et hjørne. Så jeg har enorme mengder lys. Jeg bruker hele første etasje til atelieret mitt bortsett fra kjøkkenet. I andre etasje har jeg kontor og oppholdsrom, og i tredje etasje har jeg limerom og lagringsrom. Så jeg har ikke bare nok plass, men også god plass, og det har gjort en stor forskjell. Å ha et fast, romslig sted har vært en gave for arbeidet mitt. Å kunne slå seg til ro og få det til å fungere ordentlig har vært fantastisk. Noen ganger tenker jeg at jeg kunne trenge mer plass, men jeg har nok plass!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud, 2016. Papir, olje, flashe, blyant, MSA-gel. 81,23 x 81,23 cm.

Hva taler til deg når du ser et abstrakt verk?

For meg har abstraksjon (når den er god) en klarhet i tankegangen som virkelig tiltaler meg. Det kan være farger, det kan være svart-hvitt, det kan være fullt av bilder eller bare en enkelt form som svever i rommet. Men det er en kvalitet av skarp tenkning. En av mine favorittkunstnere i vår tid er billedhuggeren Martin Puryear. Jeg gikk en gang inn i en retrospektiv utstilling av hans verk på MoMA, og det tok pusten fra meg. Den samme utstillingen ble vist i Washington D.C., og jeg endret hele timeplanen min for å se den igjen. Han er briljant; arbeidet hans har en slik renhet i form og tanke. Hans verk har referanser til kjøretøy, dyr, båter. Abstraksjon kan vise til den virkelige verden, og likevel være abstrakt. Øynene våre bruker de samme ledetrådene for å orientere seg i verden som de bruker for å se på abstrakt kunst. Våre øyne lærer dette tidlig i livet. Vi bruker de samme verktøyene for å se på abstrakt kunst, men vi er ikke klar over det. Det er noe med abstraksjon som bygger på vår forståelse av verden.

Er du med på noen kommende utstillinger eller arrangementer? Hvor og når?

Jeg er i samtaler med Saint Peter’s Church i Manhattan, hvor jeg stilte ut denne våren – jeg håper å vise et nytt prosjekt der, som handler om The River. Utover det kan det bli en lokal utstilling her i Wilmington, Delaware, til høsten med Jazz Cubano-serien.


Forsidebilde: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papir, olje, flashe, blyant, MSA-gel. 81,3 x 119,4 cm.