Et intervju med Ellen Priest
Ellen Priest har satt sitt preg på kunstverdenen med sine livlige abstrakte collager i over tretti år. Påvirket av Cezanne fra starten av karrieren, og jazz siden 1990-tallet, har hun søkt å fange bevegelsene og de intrikate rytmene i en rekke jazzkomposisjoner med levende fargede penselstrøk. IdeelArt hadde muligheten til å diskutere hennes arbeidsprosess, samtidig som vi fikk innsikt i hennes påvirkninger og hennes lidenskap for musikk underveis.
Du nevner at du ble sterkt påvirket av en utstilling med tittelen "Cezanne: The Late Works" som viste hans sene akvareller på Museum of Modern Art. Påvirker og gjennomtrenger hans stil fortsatt verkene dine?
Å ja, absolutt. Det er morsomt; det er en av de innsiktene vi har når vi er unge. Denne festet seg for meg. Og jeg kunne se på den tiden at dette var noe stort. På Philadelphia Museum of Art er det et sent Cezanne-landskap som jeg går for å se hver gang jeg trenger å rydde hodet mitt, få inspirasjon, eller finne ut av noe. Jeg står foran det landskapet til jeg finner ut av det. Hans sene arbeid har vært en konstant innflytelse, og det har vært mer enn tretti år. Jeg tror det er slik at han fant ut en måte å håndtere farger på, og det mange ikke innser er at valget av plassering av en bestemt farge i hovedsak er tegning. Cezanne hadde en måte å forstå hvordan objekter i rom svever. Hans måte å tenke på ser ut til å matche min egen. Former dukker opp, og så oppløses de. Så dukker de opp igjen og forsvinner igjen, noe som gir illusjonen av at maleriet puster. Han er fortsatt like magisk for meg som han var da jeg først så stykket.
Jeg føler meg heldig, ærlig talt. Jeg tror det taler til styrken og briljansen i arbeidet hans. For meg var han like mye en vannskille som Giotto med perspektiv og måten han håndterte figurer i rommet på. Min magefølelse er at hvis jeg kunne hoppe frem 500 år, ville folk fortsatt snakke om Cezanne som en vannskille. Den abstrakte ekspresjonismen som fascinerte meg fra tidlig av, er like sterk for meg nå. Jeg føler meg heldig som traff det og forsto det tidlig. Jeg innså rett og slett hva som var potent for meg visuelt.
Kan du fortelle oss om arbeidsprosessen din? Hvilke materialer og teknikker bruker du?
Jeg bruker papir; alt arbeidet mitt er på papir. Malingen jeg bruker er flash og olje. Flash, som er en vinylbasert vannløselig maling, tar opp pigmenter på samme måte som akvarell og gouache. Den blir ikke litt brun som akryl gjør. Den er veldig kompatibel med oljene. Fargemessig er den litt annerledes, men de fungerer virkelig sammen i rommet. Jeg bruker også blyant mye. Papirene går fra å være veldig tungt fransk akvarellpapir, og to vekter av Canson sporvellum. Den ene er veldig tung og heter Opalux, den andre er tynnere, og begge er arkivbestandige. Jeg har jobbet mye de siste femten årene med et par i Boston, Jim og Joan Wright, som begge er museumskonservatorer, og de har veiledet meg i denne prosessen. Jim lærte meg hvordan jeg skulle bruke oljemaling på denne typen papir uten å få problemer. Jeg har gjort dette i lang tid nå, og arbeidet ser ut til å holde seg fint; jeg har ikke hatt noen vanskeligheter med det. Jeg bruker også MSA-gel som lim, og jeg laminerer ikke lagene - jeg limer dem punktvis - og jeg legger vekt på dem for å få gelen til å sette seg. Det tar omtrent en uke å tørke.
"Du nevner at du bruker ett til fem år på en gitt serie. Hvordan opprettholder du motivasjonen din og unngår å bli utbrent?"
Min prosess er ganske lang, men den er også variert. Den går helt fra penselstudiene, som er mine første møter med lydene og bevegelsene i musikken. Og penselstudiene varer kanskje i tretti sekunder, og det utvikler seg fra det til sakte å bygge opp disse tykke, lagdelte stykkene. Jeg har ikke problemer fordi prosessen er en som har utviklet seg over mange år, og den fungerer virkelig for meg. Det har blitt et språk jeg er veldig komfortabel med, selv om det alltid er en utfordring. Jeg tror også at på et visst punkt blir man bare profesjonell, og det spiller ingen rolle hvordan jeg føler meg på en gitt dag. Det er tid for å gå på jobb. Jeg svømmer lengder, tar en smoothie, og går på jobb. Jeg har lært at hvis hodet mitt ikke er med, er det en rekke ting jeg kan gjøre for å komme meg inn i det. Vanligvis vet jeg dagen før hva jeg trenger å gjøre for neste dag. Når jeg prøver å finne ut fargeforholdene, må jeg bare sitte der og se på det, og fortsette å bytte ut fargeprøvene slik at jeg kan se hvordan de oppfører seg i rommet. Jeg har også musikken på. Så prosessen i seg selv bærer meg noen ganger videre når hodet og hjertet mitt ikke nødvendigvis er der, men jeg trenger å komme dit. Den disiplinen kommer bare med årene.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache på papir. 106,68 x 106,68 cm.
Hvordan velger du innholdet og emnet ditt?
Emne og innhold er veldig forskjellige ting. Innhold er sluttresultatet, eller følelsene du opplever når du ser på stykket. Emnet er jazzen. Veldig få abstrakte kunstnere har bevisst emne. Jeg fant tidlig ut at jeg ikke kunne holde bildene mine friske uten å gå til eksterne emner. Og jeg slet med det i omtrent ti år. Det skjedde endelig da jeg hørte på jazz. Jeg var på vei til Vermont for å gå på ski og hørte på den lokale NPR-stasjonen, og det var et stykke av Michel Camilo som er en dominikansk jazzpianist. Plutselig innså jeg at rommene jeg så i hodet mitt var rom som var til stede i musikken hans.
Det var i 1990, og jeg har jobbet med jazz siden den gang. Det er bevisst tema. Og det tok meg flere år å utvikle hvordan jeg ville utvikle bilder fra det. De Kooning så aldri på seg selv som en abstrakt maler; han så konstant på figurer og landskap, av og til stilleben. Joan Mitchell, som er en av mine andre ikoner, hadde en veldig lang karriere som abstrakt ekspresjonistisk maler, og det er virkelig tøft. Hun hentet inspirasjon fra landskap og poesi. Hun hadde en rekke venner som var poeter, en av dem var John Ashbury, og hun "illustrerte" diktene hans. De Kooning og Mitchell er blant de få som har opprettholdt denne gestural ekspresjonismen stilen av maling gjennom hele karrieren.
Hvordan navigerer du i kunstverdenen?
Ikke så bra. Jeg er en av de personene som vet hvordan man er forretningsmann, og jeg er veldig profesjonell, men jeg føler ikke at jeg er veldig vellykket på det området. Det er et område jeg fortsatt jobber veldig hardt med. Den største hindringen for meg har vært at, så langt jeg kan se, sier folk som ser på mye kunst alltid til meg at arbeidet mitt er noe man må se personlig. Ikke bare det, arbeidet er unikt. Ingen andre ser på eller bruker materialene på denne måten. Unikhet er en ressurs, men det er også en forpliktelse, fordi det er vanskelig for noen å ha en måte å relatere til det de ser, fordi de aldri har sett noe lignende.
Du nevner at verkene dine er sterkt påvirket av rytmene og den intellektuelle strengheten i jazzmusikk. Hva hører du på for tiden som gir deg inspirasjon til arbeidet ditt?
Jeg lytter faktisk et år eller to fremover før jeg starter et nytt prosjekt. Prosjektene mine kan ta alt fra ett til fem år, så hvis jeg skal jobbe med et bestemt stykke i den tiden, er det best at jeg liker det! Ellers ville jeg vært i store problemer hvis det ikke festet seg hos meg. Jeg er akkurat ferdig med denne Jazz Cubano-serien, og jeg tok tak i den fordi jeg elsker afro-kubansk jazz. Rytmene er så komplekse at jeg innså at den eneste måten jeg kunne finne ut av dem på, var å bryte dem ned til de enkleste delene—ett perkusjonslyd om gangen—og så bygge meg opp igjen. Dette har vært en virkelig morsom serie. Jeg vil bli ferdig med dette innen slutten av høsten, og så begynner jeg med en CD-lengde komposisjon kalt The River av en pianist og komponist fra Chicago ved navn Ryan Cohan.
Det er et vakkert verk, og det har åtte seksjoner som er veldig nøye skrevet. Mellom hver er det en improvisert pianoseksjon – det er symbolsk elven. Han hadde et stipend for å reise til Afrika, og Chamber Music America, som også finansierte Edward Simons venezuelanske suite, som jeg jobbet med i fem år, finansierte komposisjonen. Det Ryan har gjort, er å ta afrikanske rytmer sammen med alt annet han har blitt påvirket av, og gjøre det til noe som virkelig var hans eget. Dette er et vakkert fordøyd og innovativt musikkstykke. Det er veldig intelligent og har en stor følelsesmessig rekkevidde. Det jeg oppdager, er at jeg ofte blir tiltrukket av ting både følelsesmessig og intellektuelt. Jeg ser virkelig frem til The River. Det vil jeg begynne med sent på høsten, eller helt sikkert før slutten av året.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simons venezuelanske suite 16, 2008. Papir, olje, flashe, blyant, MSA gel. 106,68 x 106,68 cm.
Hvilket av kunstverkene dine er du mest stolt av, og hvorfor?
Jeg tror de verkene jeg er mest fornøyd med, er i to forskjellige grupper: den ene ville være de siste verkene i Venezuelan Suite-serien, fordi jeg klarte å oppnå et nivå av kompleksitet og enkelhet samtidig som jeg var veldig fornøyd med. Jeg klarte endelig å fange hastigheten i musikken uten at den gikk tapt. Jeg likte også veldig godt tegningene i Jazz Cubano-serien. De er så avkledde, men de har mye sting. Det ville være de to gruppene jeg vil si jeg er ekstremt stolt av. Når det gjelder et spesifikt verk, kan jeg virkelig ikke si.
Hvordan vet du når et arbeid er ferdig?
Jeg tror det kommer et punkt hvor jeg ser på et verk, og på hvert stadium må jeg ta den avgjørelsen. Når det ikke er noe mer jeg ønsker å gjøre, eller når det føles som om alt mer jeg ville gjort er for mye, da vet jeg at det er komplett. Jeg pleier vanligvis å vente og se på det en stund. Noen ganger vet jeg hva jeg skal gjøre med en gang, men noen ganger tar det litt tid. Hvis det er et område som ikke beveger seg, prøver jeg å finne en måte å få det i bevegelse. Ofte betyr det at jeg må justere en annen del av maleriet. Det trenger ikke nødvendigvis å være selve stedet; det kan være en annen komponent som må endres. Generelt sover jeg på det en stund. Jeg kan tro at det er ferdig, men jeg venter bare. Jeg må ta disse avgjørelsene før jeg limer. Når jeg beskjærer kantene på stykket, får jeg noen ganger en overraskelse – og det er ikke alltid bra. Av og til setter jeg noe sammen og det er ikke hva jeg forventet. Noen ganger, etter å ha trimmet stykkene, kan stykket være ubalansert og jeg kan miste stykket fordi det ikke lenger viser det følelsesmessige spekteret det en gang gjorde.
Hva betyr det å ha et fysisk rom for å lage kunst for prosessen din, og hvordan får du rommet til å fungere for deg?
Jeg har et gammelt hus, et tre-etasjes fra 1890-tallet, eller det vi kaller en tvilling. Jeg har tre etasjer med nordlys, og jeg er på et hjørne. Så jeg har enorme mengder lys. Jeg bruker hele første etasje til studioet mitt, bortsett fra kjøkkenet mitt. I andre etasje har jeg kontoret og stueområdet mitt, og i tredje etasje er det hvor liming og lagerrommet mitt er. Så jeg har virkelig ikke bare tilstrekkelig, men også godt med plass, og det har gjort en stor forskjell. Å ha permanent rikelig plass har vært en velsignelse for arbeidet mitt. Å kunne slå meg ned og få det til å fungere ordentlig har vært fantastisk. Noen ganger tenker jeg at jeg kunne trengt mer plass, men jeg har nok plass!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo og Elio, Tenker Høyt, 2016. Papir, olje, flashe, blyant, MSA gel. 81,23 x 81,23 cm.
Hva snakker til deg når du ser et abstrakt verk?
For meg har abstraksjon (når den er god) en klarhet i tankene som virkelig appellerer til meg. Det kan være farge, det kan være svart og hvitt, det kan være veldig fullt av bilder, eller det kan være en enkelt form som flyter i feltet. Men det er bare en kvalitet ved tankene som er skarp. En av mine favoritt samtidskunstnere gjennom tidene er skulptøren Martin Puryear. Jeg gikk en gang inn i en retrospektiv av hans verk på MoMA, og det tok pusten fra meg. Den samme utstillingen ble presentert i Washington D.C., og jeg omorganiserte hele timeplanen min for å gå og se den igjen. Han er strålende; arbeidet hans har en slik renhet av form og tanke. Arbeidet hans har referanser til kjøretøy, dyr, båter. Abstraksjon kan referere til den virkelige verden, og fortsatt være abstrakt. Øynene dine bruker de samme ledetrådene for å navigere i verden som de bruker for å se på abstrakt kunst. Øynene våre finner dette ut tidlig i livet. Vi bruker de samme verktøyene for å se på abstrakt kunst, men vi er ikke klar over det. Det er noe med abstraksjon som bygger på vår forståelse av verden.
Er du involvert i noen kommende show eller arrangementer? Hvor og når?
"Jeg er i samtaler med Saint Peter's Church i Manhattan, som er stedet jeg viste denne våren - jeg håper å vise et annet prosjekt der, som handler om The River. Bortsett fra det, kan jeg ha en lokal utstilling her i Wilmington, Delaware denne høsten på Jazz Cubano-serien."
Utvalgt bilde: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papir, olje, flashe, blyant, MSA gel. 81,3 x 119,4 cm.
