Livskraft og Energi i Joan Mitchells Malerier

Når vi ser på et Joan Mitchell-maleri, ser vi et bilde av frihet. Vi ser en oppgivelse gjort håndgripelig. Mitchell nærmet seg maleriet som en handling fra et sted av total frihet, uten en plan eller et fastlagt opplegg. Det som endte opp på lerretet kom fra hennes intuisjon, og var en umiddelbar refleksjon av hennes sannhet. Det kan være glede hun følte, eller sinne, eller frykt; det kan være et bilde dannet av biter og deler av et minne hun bar i hodet, eller et kjært landskap hun bar i hjertet. Når vi møter hennes malerier, i et raskt eller tilfeldig blikk, kan vi kanskje føle det Mitchell følte, eller kanskje ikke. Vi kan kanskje ikke gjenkjenne den nøyaktige meningen hun ønsket å formidle. Men energien som strømmet gjennom henne med hvert penselstrøk roper til oss. Den fanger oss i rommet og taler til det grunnleggende i oss som kjenner det igjen for hva det er: det livfulle, tidløse, universelle ekkoet av kjærlighet, tap, glede, frykt, stolthet og smerte.

Å Handle

Hvert penselstrøk en maler gjør, er resultatet av fysisk bevegelse. Likevel klarer ikke hvert penselstrøk å kunngjøre denne bevegelsen til betrakterne. Noen penselstrøk søker bevisst å skjule bevegelsen som skapte dem, og å overse at en menneskehånd var involvert i det hele tatt. Det er et kjennetegn ved aksjonsmalere at de klarer å formidle kraften og energien i bevegelsen av sin fysiske kropp gjennom rommet på lerretets overflate. Joan Mitchell var en aksjonsmaler, medlem av det som regnes som den andre generasjonen av abstrakte ekspresjonistiske kunstnere. Men hun begynte ikke sin karriere med fokus på gestikk og bevegelse, eller abstraksjon, eller nødvendigvis maleri. Mens hun gikk på Kunstinstituttet i Chicago, var hun en talentfull figurativ kunstner som hadde vunnet priser for sin litografi.

Men Mitchell var alltid en svært fysisk person. På videregående i Chicago var hun en nasjonalt konkurrerende idrettsutøver, og oppnådde så høyt som fjerdeplass i USAs mesterskap i kunstløp. En kneskade avsluttet idrettskarrieren hennes. Men etter at hun ble uteksaminert fra Kunstinstituttet i Chicago i 1947, flyttet hun til New York og ble eksponert for arbeidet til gestiske abstrakte malere som Arshile Gorky og Jackson Pollock. Hun innarbeidet umiddelbart fysiskhet i sin malerteknikk. Innen 1951 hadde hun utviklet en moden, abstrakt gestisk stil, og hadde blitt venn med flere av den første generasjonen abstrakte ekspresjonister, som Will de Kooning og Franz Kline, og etter invitasjon hadde hun til og med blitt med i deres prestisjefylte Eighth Street Club, som arrangerte kunstnermøter og foredrag.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Oljemaleri på lerret. 6' 5 7/8" x 9' (197,9 x 274 cm). Museum of Modern Art (MoMA) samling, New York. © Joan Mitchells bo

Landskapene til Joan Mitchell

Etter å ha vokst opp bare et par kvartaler fra bredden av Lake Michigan i sentrum av Chicago, utviklet Joan Mitchell fra ung alder en dyp følelsesmessig tilknytning til horisontlinjen der vann møter himmel. Som voksen, bosatt av og til på landsbygda i Frankrike, samt i Hamptons, utviklet hun også en stor kjærlighet til landlige landskap. Selv om hennes modne verk alle regnes som abstrakte, kalte hun seg ofte en landskapsmaler. Mange av hennes malerier hadde ordet landskap i tittelen, eller var oppkalt etter naturskjønne steder som sto henne nær.

Det er mulig i mange av hennes malerier å finne visuelle hint av komposisjoner, former eller fargepaletter som antyder et naturlandskap, eller til og med svake ekko av horisontlinjer. Men de typene landskap Mitchell malte var ikke figurative forsøk på å fange den naturlige verden. Snarere internaliserte Mitchell en følelse av de emosjonene hun følte mens hun var på steder som sto henne nær. Hun hadde en skarp estetisk sans og tilknytning til nostalgi, og forsøkte å fange fargen, balansen og harmonien i sine kjære landskap, samtidig som hun formidlet energien og den personlige følelsen hun knyttet til dem i minnet sitt.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, olje på lerret (diptyk), Joan Mitchell Foundation, New York. © Joan Mitchells bo

Komplementære motsetninger

Mye av kraften vi kan føle i Joan Mitchells malerier synes å være knyttet til ideen om motstridende krefter. Et fremtredende eksempel er måten hun beveget seg bort fra den såkalte helhetsmalerstilen, der hele lerretet dekkes med abstrakte bilder, til en mer tradisjonell figur-bakgrunn-komposisjon, med store områder av hvitt eller ugrunnert lerret. Men snarere enn å se motstridende krefter i hennes figur- og bakgrunnskomposisjoner, er det mer presist å si at kreftene er komplementære. De motsetter seg ikke hverandre eller kjemper mot hverandre. Figuren og bakgrunnen bytter roller, belyser hverandre og utveksler innflytelse over betrakterens blikk.

På samme måte fungerer de andre tydelige motsetningene i hennes verk på samme måte. Lette penselstrøk utfyller aggressive penselstrøk, og definerer hverandre gjennom sine relative forskjeller; tette, lagdelte, impasto-overflater gir tyngde til sine flate motstykker; geometriske eller biomorfe former blir opphøyet av lyriske abstrakte markeringer. Den samlende essensen som går gjennom Joan Mitchells verk er ikke en av motsetning, men en av engasjement i en verden av komplementære forhold som bygger opp til en harmonisk helhet.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Oljemaleri på lerret. Joan Mitchell Foundation, New York. © Joan Mitchells bo

Uferdig abstraksjon

Gjennom sin karriere endret Joan Mitchell sin estetikk flere ganger. Hver endring var knyttet til enten et geografisk skifte eller en endring i personlige omstendigheter. En av de største endringsperiodene hun opplevde var på 1960-tallet, da hun mistet begge foreldrene og en kjær venn i løpet av få år. En annen kom på 1980-tallet da hun fikk kreftdiagnose. Mens hver estetisk endring synes å uttrykke ulike følelsesnyanser, føles ingen som en avslutning på noe. Hver utvikling i hennes arbeid bærer en følelse av det uferdige; det embryonale løftet om noe nytt og ennå uformet.

Etter tiåret med tap hun opplevde på 1960-tallet, beveget Mitchell seg mot geometrisk figurativitet, og skiftet så snart igjen, tilbake til helhetsmaling. Paletten hennes endret seg til dype grønntoner og livfulle gultoner, som reflekterte naturens farger. På 1980-tallet endret paletten seg til å inkludere mer rene og grunnleggende farger: blått, oransje, grønt og rødt. Penselstrøkene hennes ble korte og kraftige, elektriske og nesten vibrerende. Hver ny fase formidler ideen om en ny, ubestemt begynnelse, og er dermed iboende uttrykk for noe håpefullt og nytt.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Oljemaleri på lerret. Privat samling. © Joan Mitchells bo

Å gi slipp

Gjennom alle stadier av sitt virke er en vedvarende følelse av energi og livskraft til stede i Joan Mitchells malerier, enten gjennom penselstrøkene, komposisjonene, harmoniene eller bruken av komplementære motsetninger. Den energien fortsetter å inspirere den tredje generasjonen av abstrakte ekspresjonistiske malere som arbeider i dag, som Francine Tint. Den preger også arbeidet til samtidskunstnere innen gestisk abstraksjon som Ellen Priest.

Et univers av følelser åpner seg i arbeidet til disse malerne, alltid i vekslende mellom det mørkeste og det lyseste, det mest aggressive og det mest rolige, som hopper ut fra malerienes flater med en febrilsk følelse av umiddelbarhet. Mitchell beskrev en gang kilden til denne febrilske umiddelbarheten ved å sammenligne hvordan hun følte det når hun malte med en orgasme. Hun beskrev det også som «å sykle uten hender». Begge beskrivelsene peker på den fulle gleden ved følelsesmessig frigjøring som er mulig med en handling av total oppgivelse. Og begge peker på uttrykket for menneskelig ærlighet som bare er mulig når noen er fri.

Utvalgt bilde: Joan Mitchell - Untitled, 1977, olje på lerret, Joan Mitchell Foundation, New York. © Joan Mitchells bo
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio