Et intervju med John Monteith

John Monteith ble født i 1973 i Newmarket, Ontario, Canada og er utdannet fra Parsons The New School for Design’s MFA-program i 2008. Han har reist mye og bodd over hele verden, noe som har påvirket og endret hans produksjonspraksis gjennom årene. Hans intrikate og fargerike verk av voks og pigmenter på lagdelt tegnefilm, samt hans møysommelig lagde fotodokumentasjoner, har gjort ham til en ettertraktet og velkjent abstrakt kunstner.

John Monteith har vært internasjonalt representert og fokus for flere solo- og gruppeutstillinger, som: "At Night All Cats Are Grey", O’Born Contemporary, Toronto, ON; "Not Yet Titled", Galerie Wenger, Zürich, Sveits; og "Vector Issue 5", Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Tyskland. Hans verk er en del av permanente samlinger ved The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; og Morris and Associates i London, England. IdeelArt hadde gleden av å intervjue kunstneren for å diskutere hans arbeidsprosess og kommende prosjekter.

Hvilke materialer og teknikker bruker du i arbeidsprosessen din? Hvordan har praksisen din endret seg over tid?

I min tidligere malerpraksis brukte jeg olje på lerret og arbeidet representativt, og laget storskalige figurative malerier. Siden 2005 har jeg gjort et betydelig skifte når det gjelder medium og emne. Retningen på arbeidet mitt har utviklet seg naturlig sammen med tankene mine, ikke bare om urbane rom, men også om personlige relasjoner og flere lag av relasjon. Jeg har alltid vært fascinert av hva som kjennetegner det viste og det skjulte.

I 2006 begynte jeg å jobbe med tegnefilm, og utnyttet dens gjennomskinnelige egenskaper til å lagre bilder sammen. Mens jeg fortsatt jobbet representativt, brukte jeg oljemaling, som ble tynnet ut for å dra nytte av dens transparente natur. Jeg malte arkitektur og urbane sentre, steder jeg hadde besøkt som hadde historisk betydning, og til og med restene av en gammel bilulykke jeg så i en skog i Kyoto, Japan, der et par biler kjørte av en bratt vei for kanskje femten år siden eller så. Hver av disse scenene var en gang eller er fortsatt steder for brudd. I skapelsen av maleriene fra denne serien malte jeg hvert bilde to ganger på to forskjellige ark med tegnefilm, og plasserte deretter arkene oppå hverandre, og forskjøv registreringen slik at det øverste maleriet ville være litt forskjøvet fra det nederste maleriet, som deretter ble lagdelt for å skape ett bilde. Å kombinere disse to "delene" til ett maleri skapte et verk som ble værende innenfor en gåtefull sone av flux, på en måte, en bevegelse fanget i tid. Etter å ha stilt ut disse maleriene sammen med en serie tekstbaserte verk, ble jeg mer reduktiv i min kunstneriske produksjon, og tok en konkret tilnærming til å lage mine tegninger og malerier, som opprettholdt en referanse til det temporale innen den urbane sfæren, og en minne/historiediskurs som fremmet av forfattere som Andreas Huyssen.

I 2011 begynte jeg serien (de) Construction/(re) Construction, som ble laget fra fotodokumentasjon av interstitielle rom som døråpninger og ganger, av kjøpesentre, flyplassterminaler og andre offentlige rom. Jeg laget disse maleriene ved å bruke formene av kastet lys og skygger som er til stede i disse "søppelrommene", et begrep myntet og skrevet om av Rem Koolhaas. Dette er "ingen sted" steder hvor vi tilbringer mye av tiden vår i transitt fra Punkt A til Punkt B. Som med min forrige gruppe malerier, brukte jeg den samme strategien med å male to identiske lag, men denne gangen, når jeg plasserte lagene sammen, ville jeg forskyve dem til ønsket posisjon før jeg fullførte maleriet, trekke ut og dytte tilbake visse elementer.

I fullføringen av disse maleriene monterte jeg dem på ugjennomsiktig hvit plexiglass, håndkuttet til dimensjonene av hvert maleri. Dette gjorde at jeg kunne henge verkene på veggen som man ville gjort med et tradisjonelt maleri, men alternativt tenke på maleriene skulpturelt ved å henge hvert verk på sin egen stang. Å installere arbeidet på denne måten skapte nye fysiske relasjoner mellom verkene samtidig som det refererte til arkitekturen i galleriet og endret "en til en" synslinje for visning, og dermed endret naturen av ens opplevelse av maleriene. Mine verk får på denne måten forskjellige assosiasjoner. Jeg har alltid vært interessert i lagdeling, men jeg er også interessert i å bruke ett materiale for å referere til et annet, i dette tilfellet mine malerier installert som skulpturer. Ulike malerier kan se ut som tegninger, og fotografier og tegninger kan se ut som malerier. Hvert steg i min kreative prosess manifesterer seg visuelt i det endelige verket; sporene er alltid lesbare. For meg er dette hvor innholdet ligger. I våre byer utspiller dette scenariet seg når vi ser etter bevis og spor fra fortiden, skjult innenfor overflaten av nåtiden.

Jeg tilbrakte de siste to årene i Berlin, hvor jeg laget tegninger som vokste organisk i motsetning til min tidligere bruk av fotografiske referanser. Jeg så spesielt på rekonstruksjonen av byen, dens topografi og også "tomrommene" i byen som opprettholder spor av fortiden. Fra denne forskningen skapte jeg sammenkoblede grupper av tegninger som informerer hverandre når de sees i sammenheng, samt arbeid som vurderte den arkitektoniske rekonstruksjonen som skjer i sentrum av byen.

Hvor lang tid tar vanligvis et arbeid?

Det avhenger virkelig. Da jeg var i Berlin, var jeg vanligvis i studioet mitt seks dager i uken. Det er vanskelig å si hvor lang tid et arbeid vil ta, da jeg pleier å jobbe med flere verk samtidig. I prosessen min begynner jeg med veldig tynn maling og bygger det sakte opp, eller i tilfelle av tegningene mine, bruker jeg ofte et par uker på å lage tester før jeg ferdigstiller tilnærmingen min til arbeidet. I bunn og grunn er prosessen min en langsom, arbeidskrevende en.

Hva er integrert i arbeidet ditt?

"Min praksis har ført meg til mange byer, både for å bo og for forskning. Hver gang jeg flytter, påvirker og endrer det arbeidet mitt. Disse stedene er katalysatorer for måtene jeg tenker på å lage kunst og hvordan jeg utfører prosessen min. Nye måter å tenke og lage på dukker opp når gamle vaner blir brutt og rystet opp." 

Hvordan vet du når et arbeid er ferdig? 

Jeg jobber ikke på en så nebuløs måte; det er klarere for meg. Det har aldri vært noe spørsmål om hva jeg må gjøre neste gang for å løse et arbeid. Det største spørsmålet for meg er hvordan jeg plasserer hver del kontekstuelt med andre deler i utstillingen, og hvordan arbeidet skal installeres? Dette er alltid de vanskeligste spørsmålene når jeg vurderer hvordan arbeidet mitt vil bli lest og hvordan utstillingsrommet vil påvirke denne lesbarheten. Når jeg jobber med mitt valgte materiale, er innramming også en vurdering. Innramming kan enten gjøre eller ødelegge arbeidet mitt. Jeg liker å jobbe med innrammere jeg stoler på som kan tilby sin innsikt og sine ideer.

Hva betyr det å ha et fysisk rom for å lage kunst for prosessen din, og hvordan får du studioet ditt til å fungere for deg?

Mitt studio må være et ensomt og stille rom. Jeg er fleksibel med beliggenheten, men studioet setter visse rammer, spesielt når det gjelder skala og hvor stort det er mulig å jobbe. Hvis du har et lite rom, vil et verk se mye større ut i studioet ditt enn det vil gjøre når det henger på veggene i et stort galleri. 

Er det noe du jobber med for øyeblikket, eller noe du er spent på å starte, som du kan fortelle meg om?

For øyeblikket er jeg i Halifax, Canada, og gjør forskning på fiberbaserte kunstpraksiser for et nytt prosjekt med vevde verk. Mens jeg var i Berlin, ble jeg stadig mer interessert i å utvide min tradisjonelle praksis og inkorporere nye medier – jeg vil fortsatt male, men bare på en annen måte.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Jeg tror den beste måten å håndtere presset på er å tilbringe så mye tid som mulig i studioet ditt og fortsette å lage arbeid. Det er en viss trøst i prosessen med å gå videre på måter som er utfordrende for deg. Jeg leser forskjellige tekster og kunstpublikasjoner som er rettet mot kulturteori og undersøkelse i stedet for rett frem utstillingsanmeldelser eller artikler viet til kunstmarkedet. Det hjelper også å ha fellesskapet mitt rundt meg—jeg har grupper i Berlin, New York og Toronto—bestående av kunstnere, kuratorer, forfattere, designere, musikere og DJ-er som støtter arbeidet mitt mens jeg støtter deres. Å delta i samtaler og bare være til stede med dem hjelper meg enormt med å takle presset ved å være kunstner.

Hva er det beste rådet du har fått når du brøt inn i kunstverdenen? Hvilket råd har du til unge, fremadstormende kunstnere?

Det beste rådet jeg fikk var fra Martha Rosler som sa: "Stol aldri på noen med karrieren din. Du må alltid ha et øye på hvordan du blir representert, og hvordan de som representerer deg rammer inn samtalen rundt arbeidet ditt."

Er du involvert i noen kommende show eller arrangementer? Hvor og når?

Jeg vil være en del av en gruppeutstilling på Gallery Wenger i Zürich, Sveits, som åpner 24. oktober 2015 og varer til 9. januar. Jeg har også noen andre prosjekter som er i de tidlige utviklingsfasene.

Fremhevet bilde: Memorial Day-installasjon O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Med vennlig hilsen fra kunstneren