Et intervju med John Monteith

John Monteith ble født i 1973 i Newmarket, Ontario, Canada, og er utdannet fra Parsons The New School for Design sitt MFA-program i 2008. Han har reist mye og bodd over hele verden, noe som har påvirket og endret hans arbeidsmåte gjennom årene. Hans intrikate og fargerike verk i voks og pigmenter på lagdelt tegnefilm, samt hans nøye lagdelte fotodokumentasjoner, har gjort ham til en ettertraktet og velkjent abstrakt kunstner.

John Monteith har vært internasjonalt representert og vært i fokus for flere separatutstillinger og gruppeutstillinger, som: «At Night All Cats Are Grey», O’Born Contemporary, Toronto, ON; «Not Yet Titled», Galerie Wenger, Zürich, Sveits; og «Vector Issue 5», Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Tyskland. Hans verk inngår i faste samlinger ved The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; og Morris and Associates i London, England. IdeelArt hadde gleden av å intervjue kunstneren for å diskutere hans arbeidsprosess og kommende prosjekter.

Hvilke materialer og teknikker bruker du i arbeidsprosessen? Hvordan har praksisen din endret seg over tid?

I min tidligere malerpraksis brukte jeg olje på lerret og arbeidet figurativt, med store figurative malerier. Siden 2005 har jeg gjort et betydelig skifte både i medium og motiv. Arbeidets utvikling fulgte naturlig mine tanker, ikke bare om urbane rom, men også personlige relasjoner og flere lag av forhold. Jeg har alltid vært fascinert av hva som kjennetegner det synlige og det skjulte.

I 2006 begynte jeg å arbeide med tegnefilm, og brukte dens gjennomsiktige egenskaper til å legge bilder lagvis. Selv om jeg fortsatt arbeidet figurativt, brukte jeg oljemaling, som ble tynnet for å utnytte dens gjennomsiktige natur. Jeg malte arkitektur og bysentra, steder jeg hadde besøkt som hadde historisk betydning, og til og med restene av en gammel bilulykke jeg så i en skog i Kyoto, Japan, som involverte et par biler som kjørte av en bratt vei for omtrent femten år siden. Hvert av disse motivene var en gang eller er fortsatt steder for brudd. Når jeg laget maleriene i denne serien, malte jeg hvert bilde to ganger på to forskjellige ark med tegnefilm, og la arkene oppå hverandre, og forskjøv registreringen slik at det øverste maleriet ble litt forskjøvet i forhold til det nederste, som så ble lagt lagvis for å skape ett bilde. Å kombinere disse to «delene» til ett maleri skapte et verk som hvilte i en gåtefull sone av flyt, på en måte en bevegelse fanget i tid. Etter å ha stilt ut disse maleriene sammen med en serie tekstbaserte arbeider, ble jeg mer reduktiv i min kunstproduksjon, og tok en konkret tilnærming til mine tegninger og malerier, som beholdt en referanse til det tidsmessige innenfor den urbane sfæren, og en minne-/historiediskurs som fremmet av forfattere som Andreas Huyssen.

I 2011 begynte jeg serien (de) Construction/(re) Construction, som ble laget ut fra fotodokumentasjon av mellomrom som døråpninger og ganger i kjøpesentre, flyplasser og andre offentlige rom. Jeg laget disse maleriene ved å bruke formene av kastet lys og skygger som finnes i disse «søppelrommene», et begrep myntet og skrevet om av Rem Koolhaas. Dette er «ingensteds»-steder hvor vi tilbringer mye tid i transitt fra punkt A til punkt B. Som med min forrige gruppe malerier brukte jeg samme strategi med å male to identiske lag, men denne gangen, når jeg la lagene sammen, forskjøv jeg dem til ønsket posisjon før jeg fullførte maleriet, og trakk ut og skjøv tilbake visse elementer.

For å fullføre disse maleriene monterte jeg dem på ugjennomsiktig hvit pleksiglass, håndskåret til dimensjonene til hvert maleri. Dette gjorde det mulig å henge verkene på veggen som et tradisjonelt maleri, men også å tenke på maleriene skulpturelt ved å henge hvert verk på sin egen sokkel. Å installere verkene på denne måten skapte nye fysiske relasjoner mellom verkene samtidig som det refererte til galleriets arkitektur og endret «en til en»-synslinjen for betraktning, og dermed endret opplevelsen av maleriene. Mine verk får på denne måten ulike assosiasjoner. Jeg har alltid vært interessert i lagdeling, men jeg er også interessert i å bruke ett materiale for å referere til et annet, i dette tilfellet mine malerier installert som skulpturer. Ulike malerier kan se ut som tegninger, og fotografier og tegninger kan se ut som malerier. Hvert steg i min skapende prosess manifesterer seg visuelt i det endelige verket; sporene er alltid lesbare. For meg ligger innholdet her. I våre byer utspiller dette seg når vi leter etter bevis og spor fra fortiden, skjult under nåtidens overflate.

Jeg tilbrakte de siste to årene i Berlin, hvor jeg laget tegninger som vokste organisk, i motsetning til min tidligere bruk av fotografiske referanser. Jeg studerte særlig byens gjenoppbygging, dens topografi og også «tomrommene» i byen som bærer spor av fortiden. Fra denne forskningen skapte jeg sammenkoblede grupper av tegninger som utfyller hverandre når de sees samlet, samt arbeider som tok for seg den arkitektoniske gjenoppbyggingen som skjer i byens sentrum.

Hvor lang tid tar et verk vanligvis?

Det varierer. Da jeg var i Berlin, var jeg vanligvis i atelieret seks dager i uken. Det er vanskelig å si hvor lang tid et verk tar, da jeg ofte arbeider med flere stykker samtidig. I min prosess starter jeg med veldig tynn maling og bygger den sakte opp, eller i tilfellet med mine tegninger, brukte jeg ofte et par uker på å gjøre tester før jeg fastsatte min tilnærming til verket. Kort sagt er min prosess en langsom og arbeidskrevende en.

Hva er avgjørende for ditt arbeid?

Min praksis har ført meg til mange byer, både for å bo og for forskning. Hver gang jeg flytter, påvirker og endrer det arbeidet mitt. Disse stedene er katalysatorer for hvordan jeg tenker om å lage kunst og hvordan jeg utfører prosessen. Nye måter å tenke og skape på oppstår når gamle vaner brytes og rystes opp.

Hvordan vet du når et verk er ferdig?

Jeg arbeider ikke på en så vag måte; det er klarere for meg. Det har aldri vært et spørsmål om hva jeg må gjøre videre for å fullføre et verk. Det største spørsmålet for meg er hvordan jeg plasserer hvert verk i sammenheng med andre verk i utstillingen, og hvordan verket skal installeres. Dette er alltid de vanskeligste spørsmålene når jeg vurderer hvordan arbeidet mitt vil bli oppfattet og hvordan utstillingsrommet vil påvirke denne lesbarheten. Mens jeg arbeider med mitt valgte materiale, er innramming også en vurdering. Innramming kan enten gjøre eller ødelegge verket mitt. Jeg liker å samarbeide med innrammere jeg stoler på, som kan tilby innsikt og ideer.

Hva betyr det for prosessen din å ha et fysisk rom å lage kunst i, og hvordan får du atelieret til å fungere for deg?

Atelieret mitt må være et ensomt og stille sted. Jeg er fleksibel med plasseringen, men atelierets størrelse setter visse rammer, særlig når det gjelder målestokk og hvor stort det er mulig å arbeide. Har du et lite rom, vil et verk se mye større ut i atelieret enn når det henger på veggene i et stort galleri.

Er det noe du jobber med nå, eller gleder deg til å starte på, som du kan fortelle om?

Akkurat nå er jeg i Halifax, Canada, og gjør forskning på fiberbaserte kunstpraksiser for en ny serie vevde arbeider. Mens jeg var i Berlin ble jeg stadig mer interessert i å utvide min tradisjonelle praksis og inkorporere nye medier—jeg skal fortsatt male, men på en annen måte.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Jeg tror den beste måten å håndtere presset på er å tilbringe så mye tid som mulig i atelieret og fortsette å lage verk. Det finnes en viss trøst i prosessen med å bevege seg framover på måter som utfordrer deg. Jeg leser ulike tekster og kunstpublikasjoner som er rettet mot kulturteori og undersøkelse, heller enn rene utstillingsanmeldelser eller artikler om kunstmarkedet. Det hjelper også å ha mitt fellesskap rundt meg—jeg har grupper i Berlin, New York og Toronto—bestående av kunstnere, kuratorer, forfattere, designere, musikere og dj-er som støtter mitt arbeid slik jeg støtter deres. Å delta i samtaler og bare være til stede med dem hjelper meg enormt med å takle presset ved å være kunstner.

Hva er det beste rådet du har fått da du brøt gjennom i kunstverdenen? Hvilket råd har du til unge, kommende kunstnere?

Det beste rådet jeg fikk var fra Martha Rosler som sa: «Stol aldri på noen med karrieren din. Du må alltid følge med på hvordan du blir representert, og hvordan de som representerer deg rammer inn samtalen rundt arbeidet ditt.»

Er du med i noen kommende utstillinger eller arrangementer? Hvor og når?

Jeg skal delta i en gruppeutstilling ved Gallery Wenger i Zürich, Sveits, som åpner 24. oktober 2015 og varer til 9. januar. Jeg har også noen andre prosjekter som er i tidlige utviklingsfaser.

Utvalgt bilde: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Med tillatelse fra kunstneren