Elementer av Abstraksjon - Elizabeth Gourlay i et intervju

Elizabeth Gourlay betrakter arbeidet sitt som en meditasjon over former og farger, og sammenligner noen ganger atelierpraksisen sin med prosessen med å komponere musikk. Ved å bruke en blanding av medier, fra oljemaling til grafitt og collage, skaper Gourlay abstrakte komposisjoner som viser til et estetisk vokabular sublimt balansert mellom natur og geometri. Gourlay bor i Chester i Connecticut og har arbeider med i fire gruppeutstillinger denne måneden, i New York, Connecticut og Massachusetts. IdeelArt fikk anledning til å snakke med henne om praksisen hennes, utstillingskalenderen og den nye serien med arbeider.

Intervju med Elizabeth Gourlay - nylige utstillinger og aktiviteter

IdeelArt: Du har en travel måned! Denne måneden deltar du i fire gruppeutstillinger i fire forskjellige byer. Når du opplever en periode som dette, hvor mange ulike betraktere får muligheten til å møte arbeidene dine, setter du fortsatt av tid til å arbeide aktivt i atelieret, eller foretrekker du å være i galleriene, samhandle med betrakterne og ta inn reaksjonene deres på arbeidene dine?

Elizabeth Gourlay: Dette er første gang jeg har hatt så mye aktivitet på én gang. Det er spennende, men jeg er så vant til å vie enkeltutstillinger min fulle oppmerksomhet at jeg nå måtte gå glipp av én åpning for å delta på en annen. Men når kunstverkene er levert, blir tiden min igjen. Selv om jeg er svært ivrig etter å komme inn i atelieret etter selv en kort periode med aktivitet som tar meg bort derfra, liker jeg også samspillet som oppstår i galleriet, når jeg snakker med andre kunstnere og venner under åpninger og andre gallerieventer. Abstrakt kunst er et språk, og samtaler med betraktere, særlig kunstnere og venner under arrangementer, bygger opp en følelse av motstandskraft i de nye uttrykkene vi finner frem til.

IA: Du har utstillinger denne måneden på idylliske, landlige steder, som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, så vel som i tett befolkede bysentre, som 1285 Avenue of the Americas Gallery i Midtown Manhattan. På hvilke måter har betraktere i så dramatisk forskjellige miljøer reagert ulikt på arbeidene dine?

E.G. I begge tilfeller var publikum visuelt sofistikert og virket engasjert og positivt innstilt. I New York City virket de generelt mer taleføre, stilte spørsmål og ga lettere uttrykk for meningene sine. Jeg tror betrakterne i New York hadde en tendens til å gå nærmere arbeidene!

IA: På hvilke måter har samtaler eller andre former for samhandling med betraktere påvirket retningen på praksisen din?

E.G. Jeg prøver å ikke la meg påvirke av betrakteres reaksjoner, men uunngåelig vil en positiv respons på en ny retning i arbeidet som jeg er begeistret for, ha en tendens til å påvirke meg til å fortsette å utforske den veien. Det er alltid interessant å oppleve forskjeller i oppfatning, og hvordan og hvorfor mennesker trekkes mot ulike arbeider.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypi på papir. 40.6 x 38.1 cm.

Fortid og nåtid

IA: Hvordan skiller arbeidene du lager i dag seg fra arbeidene du har laget tidligere? 

E.G. Arbeidene mine fra rundt 1994 var svært ofte basert på rutenett og i kvadratisk format. De ble bygget opp i lag med fargeskjæringer og tegnede linjer. Rundt 2005 begynte jeg å leke med langt dristigere geometriske former og mettede farger. Siden den gang har jeg beveget meg frem og tilbake mellom dristige, sterke former og farger og arbeider som er mer delikate og dempede, og noen ganger kombinert de to. Arbeidene begynner ofte på en lignende måte, men kan ende svært forskjellig. Den største endringen er sannsynligvis friheten jeg tillater meg selv i skapelsesprosessen.

IA: Du viser noen ganger til meditasjon når du snakker om arbeidene dine. Kan du utdype hva dette ordet betyr i forbindelse med kunsten din? Betrakter du for eksempel prosessen med å lage arbeidene som meditativ? Betrakter du det ferdige produktet som et mulig meditativt mellomledd for betrakterne? 

E.G. Jeg betrakter prosessen som meditativ. Jeg prøver å ikke ta med meg for mange ideer inn i atelieret, kanskje en idé om en farge eller en form. Når jeg begynner å arbeide, lar jeg det indre øyet, det ubevisste sinnet, reagere på arbeidet og lede meg til å fange det unnvikende mentale elementet som kan være fjernt og likevel så nærværende. Vanligvis oppstår de beste arbeidene mine når tankene mine er ryddige, når jeg er i takt med arbeidet. Enten jeg tegner direkte eller legger fargeskjæringer i lag, liker jeg opplevelsen av å la verket tre frem. Jeg kan ikke si det bedre enn Paul Klee, som sa: «min hånd er helt og holdent et instrument for en fjernere sfære». Jeg arbeider ikke med den hensikt å skape noe for andres opplevelse, men jeg er åpen for reaksjonene og tolkningene deres. Jeg har opplevd at mennesker som lever med arbeidene, ofte sier at det å se på dem gir dem fred, rolig glede, eller at verket virker forankrende. Så jeg er sikker på at det er helt gyldig å betrakte de ferdige arbeidene som meditative mellomledd, men jeg vil la dem som lever med arbeidene, og de som er eksperter på sinn og meditasjon, gjøre den beste vurderingen. Hvis et ikon, eller et meditativt mellomledd, er et objekt som gir rolig glede eller en forankrende fred, så blir jeg ofte fortalt at arbeidene mine har disse virkningene.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypi på papir. 38.1 x 40.6 cm.

Om prosessen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musikk og dens evne til å kommunisere følelser på et abstrakt nivå. Du trekker også forbindelser mellom musikk og arbeidene dine. Én forbindelse du trekker, er at det visuelle vokabularet ditt av linjer og farger kan tolkes som en referanse til musikalske skalaer. Hvilke andre måter deler prosessen din eller kunstverkene dine fellestrekk med musikalsk komposisjon?      

EG: Jeg tenker ikke bevisst på musikk eller musikalsk komposisjon. Likevel er antallet mennesker som trekker den forbindelsen til musikk, så stort at det må ligge noe i analogien. Jeg hører ofte på musikk når jeg arbeider, og jeg lærte å spille piano som barn, så dette kan påvirke arbeidene. Jeg «komponerer» på en måte som kan virke lik musikalsk komposisjon, særlig i prosessen med å leke med staver, linjer og fargeblokker. Å flytte dem rundt på billedflaten ligner så på å ha noter og akkorder på ulike steder i et partitur. 

IA: Fortell litt om prosessen din, særlig om forholdet ditt til collage. På hvilke måter påvirker prosessen med å legge papir i lag i arbeidene dine deg annerledes enn maleprosessen? 

EG: Maleprosessen min, enten jeg arbeider på papir eller lin, er som oftest svært direkte. Vanligvis begynner jeg med å tegne linjer, etterfulgt av fargeskjæringer og deretter formelementer. Jeg prøver å overraske meg selv med en sterk, uventet form eller en farge utenfor den vanlige paletten min. Jeg flytter disse rundt og prøver å oppnå en balanse mellom farge og form. Dette stadiet føles som en pågående dans, der formalismen sniker seg inn en stund og jeg stritter imot. Beslutningene om hvorvidt jeg skal ta med de resulterende, dristige inntrengingene eller ikke, skaper en dynamikk som kan holde meg engasjert i et verk i flere uker. Collagearbeidene begynner med at jeg leker med farger, farger kantene med blekk og tegner linjer på japansk papir, før jeg skjærer dette i strimler. Jeg collagerer disse forsiktig på lerretet eller linen, men uten å ha en forhåndsbestemt komposisjon eller struktur i tankene. Etter hvert som verket utvikler seg, begynner jeg å analysere for å slippe redaktøren inn i rommet igjen, og justerer farge eller form til verket føles riktig.   

Fremhevet bilde: Elizabeth Gourlay i atelieret 

Av IdeelArt-redaksjonen

Kilder

• Elizabeth Gourlay: Connecticut-fargekunstner, Two Coats of Paint: Uavhengig profil som underbygger tilknytningen hennes til Connecticut, den fargedrevne praksisen og bruken av collage, gouache og monotypi.
• Den musikalske maleren: Paul Klee, The Sublime Blog: Bakgrunn om Klees musikalske oppvekst og det siterte utsagnet hans om at hånden hans var redskapet for en fjern sfære.
• Kandinsky, Om det åndelige i kunsten (tekst fra Wabash College): Gjengivelse av Kandinskys bok, der farge sammenlignes med et klaviatur og sjelen med et instrument kunstneren spiller på.