Elementer av Abstraksjon - Elizabeth Gourlay i et intervju

Elizabeth Gourlay ser på sitt arbeid som en meditasjon over former og farger, og sammenligner noen ganger sin atelierpraksis med prosessen å komponere musikk. Ved å bruke en blanding av materialer, fra oljemaling til grafitt og collage, skaper Gourlay abstrakte komposisjoner som refererer til et estetisk vokabular sublimt balansert mellom natur og geometri. Som bosatt i Chester, Connecticut, har Gourlay arbeid med i fire gruppeutstillinger denne måneden, i New York, Connecticut og Massachusetts. IdeelArt fikk en sjanse til å snakke med henne om hennes praksis, utstillingskalender og hennes nye kunstverk.

Elizabeth Gourlay intervju - Nylige utstillinger og aktiviteter

IdeelArt: Du har en travel måned! Denne måneden er du med i fire gruppeutstillinger i fire forskjellige byer. Når du befinner deg i en slik tid, hvor mange ulike betraktere får muligheten til å møte ditt arbeid, finner du da fortsatt tid til å være aktiv i atelieret, eller foretrekker du å være i galleriene for å møte disse betrakterne og ta inn deres reaksjoner på arbeidet ditt?

Elizabeth Gourlay: Dette er første gang jeg har så mye aktivitet på en gang. Det er spennende, men jeg er så vant til å gi individuelle utstillinger min fulle oppmerksomhet, nå måtte jeg gå glipp av én åpning for å delta på en annen. Men når kunsten er levert, blir tiden min egen. Selv om jeg er svært ivrig etter å komme inn i atelieret etter selv en kort periode med aktivitet som tar meg bort, liker jeg også samspillet som skjer i galleriet, å snakke med medkunstnere og venner under åpninger og andre galleriarrangementer. Abstrakt kunst er et språk, og samtaler med betraktere, særlig kunstnere og venner under arrangementer, bygger opp en følelse av motstandskraft i de nye uttrykkene vi finner.

IA: Du har utstillinger denne måneden i idylliske, landlige omgivelser, som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, samt i tettbefolkede bysentra, som 1285 Avenue of the Americas Gallery i Midtown Manhattan. På hvilke måter har betraktere i så forskjellige miljøer respondert ulikt på arbeidet ditt?

E.G. I begge tilfeller var publikum visuelt sofistikerte og virket engasjerte og positive. I New York City virket de generelt mer vokale, stilte spørsmål og ga uttrykk for meninger mer åpent. Jeg tror betrakterne i New York hadde en tendens til å komme nærmere verkene!

IA: På hvilke måter har samtaler eller andre typer samspill med betraktere påvirket retningen i din praksis?

E.G. Jeg prøver å ikke la meg påvirke av betrakteres reaksjoner, men uunngåelig, hvis responsen er positiv til en ny retning jeg er begeistret for i arbeidet, har det en tendens til å påvirke meg til å fortsette å utforske den veien. Det er alltid interessant å oppleve meningsforskjeller og hvordan og hvorfor folk trekkes mot ulike verk.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypi på papir. 40,6 x 38,1 cm.

Fortid og nåtid

IA: Hvordan skiller arbeidet du lager i dag seg fra arbeidet du har laget tidligere? 

E.G. Mitt arbeid, fra omtrent 1994, var ofte rutenettbasert og i kvadratisk format. Det ble bygget opp i lag med vasker og tegnete linjer. Rundt 2005 begynte jeg å leke med mye dristigere geometriske former og mettet farge. Siden da har jeg gått fram og tilbake mellom dristige, sterke former og farger og arbeid som er mer sart og dempet, av og til kombinert de to. Verkene starter ofte på lignende måte, men kan ende veldig forskjellig. Den største endringen er nok friheten jeg tillater meg selv i skaperprosessen.

IA: Du nevner noen ganger meditasjon når du snakker om arbeidet ditt. Kan du utdype hva det ordet betyr i forhold til kunsten din? For eksempel, anser du prosessen med å lage arbeidet som meditativ? Anser du det ferdige produktet som en potensiell meditativ mellomstasjon for betraktere? 

E.G. Jeg anser prosessen som meditativ. Jeg prøver å ikke ta med for mange ideer inn i atelieret, kanskje en fargeidé eller en formidé. Når jeg begynner å arbeide, lar jeg det indre øyet, det ubevisste sinnet, svare på arbeidet og lede meg til å fange det flyktige mentale elementet som kan være fjernt og likevel så nærværende. Vanligvis skjer mitt beste arbeid når tankene mine er ryddige, når jeg er i harmoni med arbeidet. Enten jeg tegner direkte eller legger lag med vasker, nyter jeg opplevelsen av å la verket vokse fram. Jeg kan ikke si det bedre enn Paul Klee som sa: «min hånd er helt og holdent instrumentet til en fjernere sfære.» Jeg arbeider ikke med hensikt å skape noe for andres opplevelse, men jeg er åpen for deres reaksjon og tolkning. Jeg har hatt folk som lever med verkene ofte si at det å se på arbeidet gir dem fred, rolig glede, eller at verket er forankrende. Så jeg er sikker på at det å betrakte de ferdige verkene som meditative mellomstasjoner er helt gyldig, men jeg overlater til dem som lever med verkene og eksperter på sinn og meditasjon å gjøre den beste vurderingen. Hvis et ikon, eller meditativ mellomstasjon, er et objekt som gir rolig glede eller en fred som forankrer, så ja, får jeg ofte høre at mine verk har slike virkninger.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypi på papir. 38,1 x 40,6 cm.

Om prosessen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musikk og dens evne til å formidle følelser på et abstrakt nivå. Du trekker også forbindelser mellom musikk og ditt arbeid. En forbindelse du nevner er at ditt visuelle vokabular av linjer og farger kan tolkes som referanser til musikalske skalaer. Hvilke andre måter deler prosessen din eller dine kunstverk fellestrekk med musikalsk komposisjon?      

EG: Jeg tenker ikke bevisst på musikk eller musikalsk komposisjon. Likevel er det så mange som gjør den forbindelsen til musikk, at det må være noe i analogien. Jeg hører ofte på musikk når jeg arbeider, og jeg lærte å spille piano som barn, så dette kan påvirke arbeidet. Jeg «komponerer» på en måte som kan virke lik musikalsk komposisjon, særlig i prosessen med å leke med streker, linjer og fargeblokker. Å flytte dem rundt på billedflaten er så likt som å ha toner og akkorder på ulike steder i et partitur. 

IA: Fortell litt om prosessen din, spesielt forholdet du har til collage. For eksempel, på hvilke måter påvirker prosessen med å legge lag med papir i arbeidet deg annerledes enn maleriprosessen? 

EG: Som oftest er maleriprosessen min, enten på papir eller lerret, veldig direkte. Vanligvis begynner jeg med å tegne linjer, etterfulgt av fargevasker, og deretter elementer av form. Jeg prøver å overraske meg selv med en sterk, uventet form, eller en farge utenfor min vanlige palett. Jeg flytter disse rundt, og prøver å finne balanse mellom farge og form. Dette stadiet føles som en dans som pågår, hvor formalismen sniker seg inn for en stund, og hvor jeg skyver tilbake mot den. Beslutningene om å inkludere eller ikke inkludere de dristige inntrengingene er en slags dynamikk som kan holde meg engasjert i et verk i flere uker. Collageverkene starter med å leke med farge, fargekanter med blekk og tegne linjer på japansk papir, som så klippes i strimler. Jeg limer disse forsiktig, men uten en forhåndsbestemt komposisjon eller struktur i tankene, på lerret eller lin. Etter hvert som verket utvikler seg, begynner jeg å analysere for å slippe redaktøren inn i rommet igjen, for å justere farge eller form til verket føles riktig.   

Utvalgt bilde: Elizabeth Gourlay i atelieret