Elementer av Abstraksjon - Elizabeth Gourlay i et intervju

Elizabeth Gourlay anser sitt arbeid som en meditasjon over former og farger, og sammenligner noen ganger sin studio-praksis med prosessen av å komponere musikk. Ved å bruke en blanding av medier som spenner fra olje til grafitt til collage, skaper Gourlay abstrakte komposisjoner som refererer til et estetisk vokabular som er sublimt balansert mellom natur og geometri. Som bosatt i Chester, Connecticut, har Gourlay verk i fire gruppeutstillinger denne måneden, i New York, Connecticut og Massachusetts. IdeelArt fikk muligheten til å prate med henne om hennes praksis, hennes utstillingskalender og hennes nye verk.

Elizabeth Gourlay Intervju - Nylige Utstillinger og Aktiviteter

IdeelArt: Du har en travel måned! Denne måneden deltar du i fire gruppeutstillinger i fire forskjellige byer. Når du befinner deg i en tid som dette, når mange forskjellige seere får muligheten til å møte arbeidet ditt, tar du deg fortsatt tid til å være aktiv i studioet, eller foretrekker du å være i galleriene og interagere med de seerne og absorbere deres reaksjon på arbeidet ditt?

Elizabeth Gourlay: Dette er første gang jeg har hatt så mye aktivitet på en gang. Det er spennende, men jeg er så vant til å gi individuelle show min udelte oppmerksomhet, nå måtte jeg gå glipp av en åpning for å delta på en annen. Men når kunstverket er levert, blir tiden min egen. Selv om jeg er ekstremt ivrig etter å komme meg inn i studioet etter selv en kort periode med aktivitet som tar meg bort, liker jeg også interaksjonen som skjer i galleriet, å snakke med medkunstnere og venner under åpninger og andre galleriarrangementer. Abstrakt kunst er et språk, og å snakke med besøkende, spesielt kunstnere og venner under arrangementer, bygger opp en følelse av motstandskraft i de nye uttrykkene vi finner.

IA: Du har show denne måneden i idylliske, landlige områder, som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, samt i tett befolkede bysentra, som 1285 Avenue of the Americas Gallery, i Midtown Manhattan. Hvordan har seerne i dramatisk forskjellige miljøer reagert forskjellig på arbeidet ditt?

F.eks. I begge tilfeller var publikum visuelt sofistikerte og så ut til å være engasjerte og positive. I New York City så de generelt ut til å være mer verbale, stille spørsmål og uttrykke meninger mer villig. Jeg tror at seerne i New York hadde en tendens til å komme nærmere verkene!

IA: På hvilke måter har samtaler eller andre typer interaksjoner med seerne påvirket retningen på din praksis?

F.eks. "Jeg prøver å ikke la meg påvirke av seernes reaksjoner, men uunngåelig, hvis responsen er positiv til en ny retning som jeg er begeistret for i arbeidet, så har det en tendens til å påvirke meg til å fortsette å utforske den veien. Det er alltid interessant å oppleve forskjellen i meninger og hvordan og hvorfor folk blir tiltrukket av forskjellige verk."

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype på papir. 40,6 x 38,1 cm.

Fortid og nåtid

IA: Hvordan er arbeidet du lager i dag annerledes enn arbeidet du har laget tidligere? 

F.eks. "Mitt arbeid, fra omtrent 1994, var veldig ofte rutenettbasert og i firkantet format. Det ble bygget opp i lag av vasker og tegnede linjer. Rundt 2005 begynte jeg å leke med mye dristigere geometriske former og mettet farge. Siden den gang har jeg gått frem og tilbake mellom dristige, sterke former og farger og arbeid som er mer delikat og dempet, av og til kombinert de to. Stykkene starter ofte på en lignende måte, men kan ende veldig forskjellig. Sannsynligvis er den største endringen friheten jeg tillater meg selv i prosessen med å skape."

IA: Du refererer noen ganger til meditasjon når du diskuterer arbeidet ditt. Kan du utdype hva det ordet betyr i forhold til kunsten din? For eksempel, anser du prosessen med å lage arbeidet som mediterende? Anser du det ferdige produktet som en potensiell mediterende mellomting for seerne? 

F.eks. Jeg anser prosessen som meditativ. Jeg prøver å ikke ta med for mange ideer til studioet, kanskje en fargeidé eller en formidé. Når jeg begynner å jobbe, lar jeg det indre øyet, det ubevisste sinnet, svare på arbeidet og lede meg til å fange det illusive mentale elementet som kan være fjernt og likevel så til stede. Vanligvis skjer mitt beste arbeid når tankene mine er ryddige, når jeg er i harmoni med arbeidet. Enten jeg tegner direkte eller når jeg lager lag med vask, liker jeg opplevelsen av å la stykket komme til syne. Jeg kan ikke si det bedre enn Paul Klee som sa: "hånden min er helt instrumentet til en mer fjern sfære." Jeg jobber ikke med noen intensjon om å skape noe for opplevelsen til en annen, men jeg er åpen for deres reaksjon og tolkning. Jeg har hatt folk som lever med arbeidet ofte si at det å se på arbeidet gir dem fred, rolig glede, eller at stykket er forankrende. Så jeg er sikker på at det å betrakte de ferdige stykkene som meditative mellomledd er veldig gyldig, men jeg lar det være opp til de som lever med stykkene og de som er eksperter på sinn og meditasjon å gjøre den beste vurderingen. Hvis et ikon, eller meditativt mellomledd, er et objekt som gir en rolig glede, eller en fred som er forankrende, så ja, jeg får ofte høre at stykkene mine har disse effektene.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype på papir. 38,1 x 40,6 cm.

Om prosessen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musikk og dens evne til å kommunisere følelser på et abstrakt nivå. Du lager også forbindelser mellom musikk og arbeidet ditt. En forbindelse du lager er at ditt visuelle vokabular av linjer og farger kan tolkes som en referanse til musikalske skalaer. Hva er noen andre måter prosessen din eller kunstverkene dine deler likheter med musikalsk komposisjon?

EG: Jeg tenker ikke bevisst på musikk eller musikalsk komposisjon. Likevel er antallet mennesker som gjør den forbindelsen til musikk så stort, at det må være noe ved analogien. Jeg lytter ofte til musikk når jeg jobber, og jeg lærte å spille piano som barn, så dette kan påvirke arbeidet. Jeg "komponerer" på en måte som kan virke lik musikalsk komposisjon, spesielt i prosessen med å leke med stenger, linjer og blokker av farge. Å flytte dem rundt på bildeflaten er så likt å ha noter og akkorder på forskjellige steder rundt et partitur. 

IA: Snakk litt om prosessen din, spesielt forholdet du har til collage. For eksempel, hvilke måter påvirker prosessen med å lagre papir i arbeidet ditt deg annerledes enn prosessen med å male? 

EG: Ofte er malerprosessen min, enten på papir eller lin, veldig direkte. Vanligvis begynner jeg med å tegne linjer, etterfulgt av vasker av farge, etterfulgt av elementer av form. Jeg prøver å overraske meg selv med en sterk uventet form, eller en farge som er utenfor min vanlige palett. Jeg flytter disse rundt, og prøver å få en balanse mellom farge og form. Denne fasen føles som en dans som pågår, hvor formalismen sniker seg inn en stund og hvor jeg presser tilbake mot den. Beslutningene om hvorvidt jeg skal inkludere de resulterende dristige inntrengningene er en slags dynamikk som kan holde meg engasjert med et verk i flere uker. Kollasjstykkene begynner med å leke med farge, fargelegge kanter med blekk og tegne linjer på japansk papir, og deretter kutte disse i strimler. Jeg limer disse på lerretet eller linnen nøye, men uten en forhåndsbestemt komposisjon eller struktur i tankene. Etter hvert som stykket utvikler seg, begynner jeg å analysere for å la redaktøren komme tilbake i rommet, for å justere farge eller form til stykket føles riktig.   

Utvalgt bilde: Elizabeth Gourlay i studio