Henri Matisse sin Sneglen og de Nøkkelkvalitetene til Abstrakt Kunst

“Sneglen” (1953) ble fullført året før Matisse døde. Det regnes som hans siste store "utskjæring", og også et mesterverk. For Matisse, som var utrettelig i sin produktivitet, var det kanskje bare et annet kunstverk, noe han glemte så snart han var ferdig med det, slik at han kunne gå videre til neste verk. Men for de som har sett “Sneglen” personlig, er det et gripende, til og med uforglemmelig bilde som eksemplifiserer høyden av modernistisk abstraksjon. Verket er omtrent tre meter kvadratisk, dobbelt så høyt som de fleste seere. Det består av fargede former limt på en hvit bakgrunn. Hver form er kuttet fra et stykke gouache-farget papir. Formene er arrangert i en løs spiral – et uttrykk for skallet til en snegle. Matisse ga også verket en annen tittel: “La Composition Chromatique,” eller “Den Kromatiske Komposisjonen.” Denne andre tittelen bærer mystikk. De fleste forfattere antar at Matisse mente det som en referanse til fargene. Han valgte tross alt perfekt komplementære nyanser for verket, og skapte en visuell komposisjon som er livlig og gledelig. Likevel, mens ordet kromatisk ofte brukes for å bety noe som relaterer til farge, har det også en musikalsk konnotasjon – som ordet komposisjon. I musikk inkluderer en kromatisk skala alle 12 tonene som kan spilles på et standard piano. Det er en komplett, altomfattende skala. Når man ser på “Sneglen,” oppfatter mange seere 12 nyanser som til stede. Kan Matisse ha referert til musikk så vel som farge med denne sekundære tittelen? En ting er sikkert, ved å tildele begge titler til dette verket, ga Matisse det både figurative og abstrakte kvaliteter, og la til rike lag klare for tolkning, og gjorde “Sneglen” til et ideelt kunstverk å bruke som studie i de viktigste kvalitetene av abstrakt kunst.

Utrullingen

“Sneglen” ble kjøpt av Tate i London i 1962. Fjorten år senere mottok museet et brev fra Mme Lydia Delectorskaya, en eksilert russer som var modell, studioassistent og karrieremanager for Matisse i hans senere år. Brevet beskriver skapelsen av “Sneglen.” Det siterer Matisse: “Jeg tegnet først sneglen fra naturen, holdt den. Jeg ble klar over en utrulling, jeg fant et bilde i mitt sinn renset for skallet, så tok jeg saksen.” Innenfor denne enkle setningen ligger en poetisk oppsummering av hele karrieren til Matisse. Han arbeidet først og fremst fra naturen, malte figurative bilder. Hans etterligning av naturen utviklet seg deretter mens han utforsket de dynamiske abstrakte kvalitetene av farge. Han forenklet, og reduserte arbeidet sitt til rensede bilder som “Danse II” (1932), et veggmaleri i Barnes Foundation i Pennsylvania, eller “Liggende naken” (1935), som Mme Delectorskaya modellerte for. Til slutt “tok han saksen,” og forvandlet sin arbeidsmetode etter å ha funnet ut at han ikke lenger kunne male etter komplikasjoner fra operasjon for duodenalkreft.

Den setningen, "tok saksene," refererer til klippe-og-lime teknikken Matisse utviklet mens han var syk. Rullestolbundet, foreskrev han de nøyaktige fargene han ønsket å bruke til assistentene, som deretter malte papirbiter i disse fargene i gouache. Matisse klippet i papirene med saks, og formet papiret for å passe til sin fantasi. Han dirigerte sine assistenter i skapelsen av presise komposisjoner på paneler hengt på veggen. Denne utviklingen, fra maleri til klipp, ble født av nødvendighet, men det var også en perfekt modernistisk gest, for det fjernet falskheten ved å tegne former og deretter male farge i dem, noe som tillot en mer ærlig prosess der metode, medium og materiale ble ett. "Sneglen" anses dessuten som en spesielt dyp modernistisk uttalelse fordi spiralformen på et sneglehus, det Matisse refererte til som "utrullingen," refererer til Den gyldne ratio, en komposisjonsstrategi som ofte ble brukt i tidlig abstrakt kunst og som anses som et uttrykk for universell harmoni i naturen.

Farge og musikk

Ved å gi "Sneglen" den ekstra tittelen "La Composition Chromatique," åpnet Matisse døren for at verket kunne vurderes ikke bare ut fra sine narrative representasjonskvaliteter, men også ut fra sine rent formelle estetiske vilkår. Dette valget var en anerkjennelse fra kunstnerens side av at han omfavnet måtene hans arbeid kunne tolkes på begge måter av betrakterne. Det ble oppfattet på begge måter av ham, og han ønsket tydelig at vi også skulle åpne våre sinn for begge synspunkter. Sett som en enkel, konkret sammensetning av farger og former, erklærer verket et spekter av emosjonelle og fysiske kvaliteter, som jubel, energi og bevegelse. Flatheten i bildet konkurrerer på subtile måter med de dimensjonale aspektene av de lagdelte papirene. De mørke og lyse nyansene skaper illusjoner av dybde.

For de som ønsker å reflektere over de musikalske kvalitetene i "La Composition Chromatique", er det en glede å se nærmere på de ulike nyansene som er til stede i verket. Hvor mange nyanser av oransje finnes det? Hvor mange nyanser av grønn? Det er 11 former i sentrum av bildet, pluss den hvite bakgrunnen og den oransje rammen, som i seg selv består av minst syv deler. Avhengig av hvordan hjernen din oppfatter farge, kan det være så mange som 19 forskjellige nyanser. Men de fleste ser ni distinkte nyanser i sentrum, pluss hvit, pluss to ekstra oransje nyanser i rammen. Disse 12 nyansene sirkler lyrisk rundt komposisjonen, og hyller en annen stor modernistisk tanke: at abstrakte visuelle elementer er lik musikk. Samlet sett utgjør disse ulike måtene å forholde seg til dette mesterverket en mesterklasse i hvordan man interagerer med abstrakt kunst. Denne ene utskjæringen er delvis maleri, delvis relieffskulptur, delvis konkret, delvis lyrisk, delvis geometrisk, delvis figurativ, og delvis abstrakt. Den er alt dette, og ingenting av dette. I sin mangfoldighet legemliggjør den mysteriet av troen Matisse en gang uttrykte, at "Nøyaktighet er ikke sannhet."

Fremhevet bilde: Henri Matisse - Sneglen, 1953. Gouache på papir, klippet og limt på papir montert på lerret. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ tommer × 108 tommer). Modern, London. © Succession Henri Matisse/DACS 2018
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio