Fem bemerkelsesverdige skulpturer av Anthony Caro

Da han døde i 2013, ble Anthony Caro regnet som den mest innflytelsesrike britiske billedhuggeren i sin generasjon. Hans innflytelse kom både fra hans arbeid og fra hans undervisning. To dager i uken fra 1953 til 1981 underviste han ved St Martin's School of Art i London. Mens han var der, var en av hans viktigste nyskapninger å kombinere skulptur- og tegnetimer, og endre fokuset i timene fra å kopiere motiver til å «forstå dem.» Det samme perspektivet preget også hans arbeid som kunstner. Tidlig kopierte han sine skulpturer etter naturen. Han formet sine tidlige verk eller hogg dem ut av stein, og plasserte dem på sokler på tradisjonelt vis. Men i 1960 endret han brått stil og begynte å lage ikke-figurative, abstrakte skulpturer i metall, som han satte direkte på gulvet. I stedet for å oppfatte disse verkene som adskilt fra omgivelsene, følte betrakterne en forbindelse til verket og kunne til og med gå rundt det og se hvordan det forandret seg i utseende etter som de beveget seg. Hans mål om å forstå, og deretter uttrykke, den abstrakte essensen av motivene førte ham også til konklusjonen at han burde bruke funnede gjenstander og materialer i sitt arbeid. Disse, mente han, er ting fra det moderne dagliglivet. Den iboende meningen de bærer, taler sterkt til moderne betraktere. Hans utvikling som kunstner gjorde Caro til en perfekt bro mellom kunstnere som Marcel Duchamp, som først satte sammen ferdiglagde gjenstander fra hverdagslivet til skulpturer, og samtidskunstnere som Jessica Stockholder, som utvider dette konseptet til å skape storskala perseptuelle opplevelser som omdefinerer menneskets forhold til rom. Arven Caro etterlot seg er en av utrettelig oppfinnsomhet, og her er fem av hans mest bemerkelsesverdige verk:

Kvinne som våkner (1955)

Caro lærte å hugge skulpturer etter naturen mens han studerte ved Royal Academy i London. Han ble lært opp til å kopiere skulpturer av greske, romerske og etruskiske kunstnere direkte. Etter endt utdanning flyttet han fra London til Hertfordshire, hvor han beryktet ringte opp Henry Moore, den store modernisten og biomorfe billedhuggeren, og spurte om en stilling som hans assistent i atelieret. Moore avslo, men ba ham komme tilbake om seks måneder. Caro gjorde det, og fikk jobb. Til tross for sin respekt for Moore, slet Caro med både sin akademiske opplæring og den innflytelsen Moore hadde på ham. Da Caro fikk sin første separatutstilling i 1956, er disse to påvirkningene tydelig synlige, særlig i den mest omtalte skulpturen på utstillingen: «Kvinne som våkner» (1955). Kvinnens positur ligner utvilsomt på de liggende kvinneskikkelsene Moore hugget, mens verkets heroiske fysiske og følelsesmessige egenskaper vekker mange klassiske assosiasjoner.

Tjuefire timer (1960)

Til tross for sin indre kamp for å finne en egen stemme, ble de figurative skulpturene Caro laget godt mottatt av publikum. En ble vist på Venezia-biennalen i 1958, og en annen vant skulpturprisen på Paris-biennalen i 1959. Berømmelsen brakte ham imidlertid også i kontakt med innflytelsesrike abstrakte kunstnere fra USA, som Helen Frankenthaler, Kenneth Noland og Robert Motherwell. Møtet med dem styrket hans egen instinktive driv mot abstraksjon, og ga ham mot til å gjøre en dramatisk endring i stilen. Hans nye tilnærming viste seg først i 1960 med «Tjuefire timer.» Suksessen med dette verket førte til at han radikalt endret undervisningsplanen sin, og plasserte ham i fronten av den britiske akademiske avantgarden.

Tidlig en morgen (1962)

I 1963 holdt Whitechapel Gallery i London en separatutstilling med femten abstrakte skulpturer av Caro, utstillingen som skjøt ham til internasjonal berømmelse. For mange betraktere så det ut som om det pågikk byggearbeid i galleriets indre rom – metallformer lå tilsynelatende strødd rundt og ventet på et ytre skall. Fremtredende blant de andre formene sto en stor, lysende, rød sammensetning av stål og aluminium med tittelen «Tidlig en morgen» (1962). Former, linjer og vinkler møttes for å skape denne ubestemmelige formen: tydelig resultat av intellektuelle valg; valg, ikke tilfeldigheter. Hver vinkel man ser verket fra, gir nye muligheter. Dette er ikke en støtte for en annen konstruksjon, men en støtte for en esoterisk reise, hvor poenget er å se og drømme.

Gul huske (1965)

Da Caro først reiste til Amerika i 1959, var en av de mest innflytelsesrike kontaktene han fikk med billedhuggeren David Smith, en abstrakt ekspresjonist som allerede arbeidet med sveiset metall på den tiden. Smith og Caro ble både venner og rivaler. Caro laget skulpturen «Gul huske» (1965) året Smith døde i en bilulykke. Verkets mangefasetterte egenskaper gir tilsynelatende uendelige visuelle tolkninger når betrakteren beveger seg rundt det. Tomrom er innarbeidet i komposisjonen, og utøver til tider perseptuell autoritet over de faste materialene. Den sterke bruken av farger uttrykker det ønsket Caro en gang snakket om, at han og hans samtidige på en måte kunne sees som arvtakere etter impresjonismens ånd – vokterne av en revolusjonerende eksperimentell holdning.

Emma Dipper (1977)

I 1977 befant Caro seg i en knipe da han innså at han fra det avsidesliggende atelieret i Saskatchewan, Canada, hvor han midlertidig hadde kommet for å arbeide, ikke hadde tilgang til sine vanlige materialer. Han tilpasset derfor sin praksis til å bruke den typen tynn metall som ble brukt lokalt til landbruksformål. «Emma Dipper» (1977), vist over, var den første skulpturen han laget av dette materialet. Den er oppkalt etter Emma Lake, hvor atelieret hans lå. Verket er blitt beskrevet som ydmykt, siden det nedtoner selve skulpturen. De tynne metalllinjene trer tilbake til fordel for formene de skaper av tomrommene innenfor og rundt verket. Skulpturen er som selve kjernen i det taoistiske gåteordet om at en beholder bare er en tom form, men det er tomrommet inni som vi finner nyttig.

Utvalgt bilde: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Malt stål. Samling. Med tillatelse fra Barford Sculptures Ltd

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio