Farge, Fokus og Felt i Kenneth Noland Malerier

En tilfeldig observatør kan forveksle Kenneth Noland som en maler av design. Faktisk uttrykker de mest minneverdige Kenneth Noland-maleri en begrenset rekke former og mønstre: sirkler, chevrons, diamanter, striper og rutemønster. Men i motsetning til det perspektivet, var Noland overhodet ikke interessert i ting som form og design. Grunnen til at han kom tilbake til de samme bildene gang på gang, var fordi han trodde at gjentakelse ville invitere seerne til å ignorere formene og designene, og i stedet fokusere på hans sanne interesseområde: det uendelige potensialet av farge og felt.

En reise til stil

I tillegg til å være en utmerket kunstner, er Kenneth Noland også et utmerket eksempel på verdien av G.I. Bill; et amerikansk regjeringsprogram som lar utskrevne soldater gå på universitetet uten å betale skolepenger. I 1942 meldte Noland seg inn i det amerikanske luftforsvaret i en alder av 18. Etter å ha returnert hjem til North Carolina på slutten av andre verdenskrig, brukte han sine G.I. Bill-rettigheter til å melde seg inn på sin lokale kunstskole. Den skolen var tilfeldigvis den berømte Black Mountain College, hvor mange innflytelsesrike lærere fra Bauhaus hadde flyttet da akademiet deres ble stengt som følge av nazistisk innblanding.

Mens han var ved Black Mountain College, studerte Noland under Ilya Bolotowsky, som hadde vært en protegé av Piet Mondrian, grunnleggeren av Neo-Plastisisme. I tradisjonen til Neo-Plastikerne, fremmet Bolotowsky enkle geometriske mønstre og rene farger. Noland studerte også under Josef Albers, en ledende modernistisk teoretiker og maler, og en lidenskapelig student av fargeforhold. Noland absorberte veiledningen fra lærerne sine og bygde videre på ideene deres, og utviklet en livslang interesse for de uttrykksfulle mulighetene i enkle komposisjoner laget av levende farger.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryl på lerret. 60 x 60 tommer. Samling av Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-malerisk abstraksjon

Sammen med Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko og Jules Olitski, ble Kenneth Noland snart assosiert med Color Field-bevegelsen, en av de kunstneriske tendensene knyttet til det som kalles Post-Painterly Abstraction. Begrepet Post-Painterly Abstraction ble myntet i 1964 av Clement Greenberg for en utstilling han kuraterte ved Los Angeles County Museum of Art, og refererer til en trend i maleri bort fra maleriske, impasto-verk, og mot flate overflater og mangel på synlige penselstrøk.

Selv om begrepet Color Field Painting lider av en noe uklar definisjon, var Kenneth Noland den quintessentiale representanten for Post-Painterly Abstraction. Maleriene hans avviste den personlige dramatikken i Abstract Expressionism. De forenklet malemåten, avviste collage, assemblage, funnede objekter og andre kompleksiteter, og stolte i stedet på de enkleste ingrediensene: maling og lerret. Fargene hans var livlige og rene, komposisjonene hans var direkte og enkle, og bildene hans ble ett med støttene sine.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryl på lerret. 75 x 141 tommer. © Kenneth Noland

Sammensmelting av farge med felt

Noland laget sine første såkalte Color Field-malerier rundt 1956. De besto av konsentriske ringer av fargede sirkler. Det er fristende å spekulere i at disse maleriene på en eller annen måte var relatert til hans erfaringer fra krigen, siden de lignet på mål. Men i ulike intervjuer har Noland sagt at han valgte sirkelmotivet fordi det var et ikke-bilde som kunne la øyet bli trukket inn i en opplevelse av farge. Men farge var ikke det eneste maleriene hans handlet om. De handlet også om å konfrontere separasjonen mellom et maleri og dets overflate.

I løpet av det meste av kunsthistorien har malerier blitt sett på som bilder malt på toppen av forberedte overflater. Feltet som maleriet eksisterer på, dvs. lerretet, var forhåndsbehandlet, forhåndsstrukket og grunnet. Det ventet på maleriet, støttet det, og var adskilt fra bildet. I sinnet til malere som Noland var denne separasjonen en ulempe. I stedet for å nyte fri, uhemmet uttrykk, var kunstneren begrenset eller styrt av en forhåndsbestemt støtte til tross for at det resulterende bildet kanskje fortsatt var uforestilt. Noland ønsket å smelte sammen bildet med støtten og kombinere farge med felt i en enhetlig estetisk uttalelse.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Akryl på lerret. 103,7 x 142,5 tommer. © Kenneth Noland

Det Enhetlige Uttrykkende Objekt

Noland fikk sin åpenbaring i 1953, i form av et studio-besøk hos maleren Helen Frankenthaler. I sitt New York-studio hadde Frankenthaler vært en pioner innen det hun kalte soak-stain-teknikken. I stedet for å grunne en forhåndsstørket lerret i forberedelse til et malt bilde, la hun ut rå lerret på gulvet og helte deretter maling direkte på den ugrunnet overflaten. Malingen smeltet sammen med overflaten, og spredte seg på organiske måter over overflaten mens den smeltet sammen med stoffet. Malingen og støtten ble én enhet.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Akrylharts på lerret. 98 x 208 tommer. © Kenneth Noland

Noland adopterte umiddelbart Frankenthaler soak-stain-teknikken. Den ga ham muligheten til å skape et enhetlig objekt, der fargen var innebygd. Den gjorde det også mulig for ham å eliminere utseendet av penselstrøk, som ble sett på som et tegn på kunstnerens personlighet. Sammen tillot disse to fremskrittene ham å begynne å lage malerier som ikke fokuserte på å avbilde noe spesifikt, men som handlet om de essensielle elementene som opptok ham, som farge, overflate, tekstur, symmetri og skala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryl på lerret. © Kenneth Noland

Beskjæring

Det er godt dokumentert at Noland, så vel som hans samtidige Morris Louis, adopterte soak-stain-teknikken fra Helen Frankenthaler. Men det er en annen teknikk Kenneth Noland adopterte senere i karrieren som også kan ha vært inspirert av Frankenthaler. Det er praksisen med beskjæring. I fotografering betyr det å beskjære et bilde å velge bare den delen av en eksponering som du ønsker å skrive ut, og avsløre bare det du liker. Mange bilder av Frankenthaler i studioet hennes viser henne arbeide med massive, ustrakte lerreter. Hun beskåret og rammet inn lerretene sine etter å ha malt dem, noe som gjorde at hun kunne utvikle bildet med så få begrensninger som mulig, og deretter velge hvilket område hun mente resulterte i det mest uttrykksfulle objektet. Dette var en praksis som Kenneth Noland brukte mye, spesielt da han begynte å lage formede lerreter. Han jobbet på et massivt lerret på gulvet og skapte fargekomposisjoner uten romlige begrensninger. Dette ga ham muligheten til å utforske fargeforhold fritt uten å bekymre seg for det endelige resultatet. Når prosessen med skapelse og oppdagelse var fullført, kunne han deretter "stemple ut" det endelige bildet, og velge området han ønsket å ramme inn fra uendelige mulige alternativer i det som i utgangspunktet var en redigeringsprosess. Noland omtalte skjønnheten i denne prosessen i et intervju fra 1977 med Diane Waldman for Art in America, og sa: “En farge kunne være på kanten av et bilde eller inne i rommet til et bilde: spørsmålet om topp, bunn, venstre, høyre ble helt fleksibelt, akkurat som spørsmålet om parallell eller vertikal eller horisontal.”

Kenneth Noland - Sommer Slett, 1967. Akryl på lerret. © Kenneth Noland

Dypet av Enkelhet

Kenneth Noland så periodisk til skulptører i et forsøk på å utforske den abstrakte naturen av farge. Skulptøren David Smith inspirerte ham spesielt, og Noland samarbeidet til og med av og til med skulptøren Tony Caro, og malte skulpturene hans etter at de var bygget. Han gjorde dette utelukkende av nysgjerrighet, og i eksperimentets ånd. Han kunne ikke uttrykke nøyaktig hva han håpet å finne, eller hva slike eksperimenter var ment å bety. Han sa: “Vi har en tendens til å undervurdere mye av meningen som skjer i livet som ikke er verbal. Farge kan formidle et totalt spekter av humør og uttrykk, av ens erfaringer i livet, uten å måtte gi det beskrivende eller litterære kvaliteter.”

Kenneth Noland - Kadmium Stråling. © Kenneth Noland

Folk med en forkjærlighet for det kompliserte kan lett avvise en karriere basert utelukkende på enkelhet og nysgjerrighet. Kenneth Noland-maleriene ser faktisk ut til å inneholde ingen drama overhodet. Og likevel er de uttrykksfulle. De er som klagen til et barn, klangen av en klokke, eller skriket til en sirene. Vi gjenkjenner dem umiddelbart for hva de er. Vi vet at de ber oss om å reagere, selv om vi kanskje ikke forstår deres eksakte hensikt eller nøyaktig hva vår reaksjon skal være. Men kanskje, som med klokker, rop og sirener, er en reaksjon fra alle ikke nødvendig.

Utvalgt bilde: Kenneth Noland - April (detalj), 1960. Akryl på lerret. 16 x 16 tommer. © Kenneth Noland
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio