Joanne Freeman Intervju
Elegante hvite lerret prydet med bare noen få nøye utformede sløyfer i forskjellige farger, som utstråler en viss rytme av fred og harmoni. Less-is-more-prinsippet er tydelig i verkene til Joanne Freeman. Med bare noen få effektive linjer klarer hun å bygge en imponerende visjon og fange betrakterens oppmerksomhet. IdeelArt hadde en unik mulighet til å stille Joanne Freeman noen spørsmål om hennes arbeid, kreative prosess og liv som kunstner. Vi diskuterte hennes tanker om arbeidet hennes, hvordan hun oppfatter forholdet mellom skaperen og kunsten, og mellom kunsten og betrakteren. Så, nyt vårt korte, men innsiktsfulle intervju med den veldig sjarmerende Joanne Freeman.
"Du har gått på college i Madison, Wisconsin, holdt forelesninger i Massachusetts, stilt ut mye over hele USA og internasjonalt, og du bor og jobber i New York City. Kan du snakke om måtene arbeidet ditt er påvirket av en følelse av sted?"
Mitt arbeid er sterkt påvirket av sted. Som nevnt bor og jobber jeg i New York City, og det visuelle og kulturelle klimaet har en sterk innvirkning på arbeidet mitt. Jeg blir alltid overrasket når jeg drar bort og kommer tilbake, over hva jeg legger merke til. Tiden borte gir meg alltid et fornyet perspektiv og en friskhet i blikket. Reiser gjør det samme; når jeg er i et annet miljø, er jeg åpen for ting andre kanskje finner hverdagslige gjennom familiaritet. Jeg kan fortelle om mange av påvirkningene på arbeidet, noen ganger direkte mens jeg skaper det, og noen ganger lenge etterpå når jeg ser på det.
Hvordan påvirker din egen fysikalitet arbeidet ditt?
Min prosess i studioet er fysisk anstrengende, spesielt ettersom størrelsen på maleriene øker. De harde kantlinjene i maleriene lages ved å sveipe armen min fra den ene kanten av lerretet til den andre. Størrelsen på både de ytre støttene og de indre linjene er relatert til både prosessen og proporsjonene av kroppen min.
"Du jobber noen ganger med runde overflater. Med tanke på den fysiske naturen av gestene du gjør, hvordan utvikler forbindelsen din med overflaten seg når du står overfor sirkulært rom?"
Gestene blir mer innholdte og kontrollerte når de kombineres med sirkulært rom. De er mer bevisste, roterende og etterligner den sirkulære formen på lerretet. Der jeg i de større rektangulære maleriene utfører store sveip som går utenfor kantene og antyder uendelighet, sentrerer de sirkulære stykkene seg om seg selv, og fremhever formen og kanten på overflaten, noe som bidrar til å objektivisere maleriet.
Noe av arbeidet du gjør innebærer å begrense tilgangen din til overflaten ved å tape områder av. Hvordan varierer din emosjonelle/intellektuelle tilstand når du konfronterer et slikt arbeid, sammenlignet med når du har full frihet til å få tilgang til hele overflaten?
Jeg tror du refererer til mine arbeider på papir hvor jeg tapetserer områder og lager former av farge, i motsetning til maleriene mine, som virker mer åpne. Prosessen er faktisk ganske lik mellom de to mediene og er faktisk ganske intuitiv. Jeg plasserer enten en linje eller en form på overflaten og bygger videre på det. Med maleriene er komposisjonen mer fast og alternativene mine har mer å gjøre med fargevalg. Den monokrome fargen jeg bruker i tegningene lar meg leke mer med komposisjon. Uansett har jeg redusert språket, satt grenser og begrenset valgene mine, noe som paradoksalt nok gir mer frihet.
"Du har nevnt at du er påvirket av arbeidet til Reductive-kunstnere. Kan du nevne noen av kunstnerne hvis arbeid du beundrer, og snakke om spørsmålene de har hjulpet deg med å finne eller svare på."
Jeg ser på mye kunstneres arbeid, noen som kommer til tankene er: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi og Ellsworth Kelly. Jeg beundrer arbeidet til kunstnere hvis verk fremstår som minimale og monumentale, men som samtidig feirer det håndlagde og fantasifulle. Det er litt av en Catch-22, prosessen med reduktiv maling, fordi du må gå gjennom mye arbeid og overkill for å nå en enkel, ærlig uttalelse. Jeg stiller spørsmål ved mine reaksjoner på mine forgjengeres arbeid, og prøver å finne selvtilliten til å si mer med mindre.
Hva opplever du intellektuelt under den fysiske handlingen av reduktiv bildeskaping?
Jeg prøver å handle refleksivt i studio ved å kontrollere kritiske vurderinger og forsøke å gjøre vurderinger visceralt, basert på informasjonen foran meg. Kanonisering av kunstnere og de sterke påvirkningene fra kunsthistorien kan føre til en situasjon som ble beskrevet for meg som Mona Lisa-syndromet, der mytologien rundt et verk overskygger en ærlig reaksjon på det. Jeg har internalisert et reduktivt visuelt språk som fungerer for meg basert på dets kunsthistoriske forløpere; russisk konstruktivisme, Bauhaus-skolen, neoplastisisme, og mindre åpenbart, den tidlige kristne kunsten til Giotto og Fra Angelico, ved klosteret San Marco. Disse lærdommene sammen med påvirkningene fra mer samtidskunstnere er alltid med meg i studio. Forhåpentligvis fører dette lærte felles språket til en unik tolkning.
Hva håper du at seeren vil oppleve når de møter arbeidet ditt?
Merkelig nok, fordi jeg er så involvert i prosessen med å skape arbeidet mitt, kan jeg ha problemer med å faktisk se det i øyeblikket. Jeg har hatt opplevelsen av å se arbeidet mitt noen år senere i noens hjem eller i konteksten av en annen institusjon. I det øyeblikket er det alltid fint å tenke: "åh wow, det fungerer". Jeg håper det samme for en seer.
Joanne Freeman
Utvalgt bilde: Fotografiet tatt av Joanne Freemans ''Covers''-serie på Art on Paper, Kathryn Markel-boden, Pier 36, New York, NY. 4.-6. mars - Med tillatelse fra kunstneren
