Joanne Freeman Intervju

Elegante hvite lerreter pyntet med bare noen få nøye utformede løkker i forskjellige farger, som utstråler en viss rytme av fred og harmoni. Mindret er mer-prinsippet er tydelig i verkene til Joanne Freeman. Med bare noen få effektive linjer klarer hun å bygge en slagkraftig visjon og fange betrakterens oppmerksomhet. IdeelArt hadde en unik mulighet til å stille Joanne Freeman noen spørsmål om hennes arbeid, kreative prosess og liv som kunstner. Vi diskuterte hennes tanker om arbeidet, hvordan hun oppfatter forholdet mellom skaperen og kunsten, og mellom kunsten og betrakteren. Så, nyt vårt korte, men innsiktsfulle intervju med den svært hyggelige Joanne Freeman.

Du har studert i Madison, Wisconsin, holdt foredrag i Massachusetts, stilt ut bredt i USA og internasjonalt, og du bor og arbeider i New York City. Kan du fortelle om hvordan arbeidet ditt er preget av en følelse av sted?

Arbeidet mitt er sterkt påvirket av sted. Som nevnt bor og arbeider jeg i New York City, og det visuelle og kulturelle klimaet har stor innvirkning på arbeidet mitt. Jeg blir alltid overrasket når jeg drar bort og kommer tilbake, over hva jeg legger merke til. Tiden borte gir meg alltid et fornyet perspektiv og en friskhet i blikket. Reiser gjør det samme; i et annet miljø er jeg åpen for ting som andre kan finne trivielle på grunn av kjennskap. Jeg kan fortelle om mange av påvirkningene på arbeidet, noen ganger direkte mens jeg skaper det, og noen ganger lenge etterpå når jeg ser på det.

Hvordan påvirkes arbeidet ditt av din egen kroppslighet?

Prosessen min i atelieret er fysisk krevende, spesielt når malerienes størrelse øker. De skarpe kantlinjene i maleriene lages ved at armen min sveiper fra den ene kanten av lerretet til den andre. Størrelsen på både de ytre støttene og de indre linjene står i forhold til både prosessen og kroppens proporsjoner.

Du jobber noen ganger på runde flater. Med tanke på den fysiske naturen i bevegelsene dine, hvordan utvikler forbindelsen din med flaten seg når du møter et sirkulært rom?

Bevegelsene blir mer innelukkede og kontrollerte når de kombineres med sirkulært rom. De er mer bevisste, roterende og etterligner den sirkulære formen på lerretet. Mens jeg i de større rektangulære maleriene utfører store sveip som går utenfor kantene og antyder uendelighet, samler de sirkulære verkene seg om seg selv, fremhever formen og kanten på flaten, noe som bidrar til å gjøre maleriet til et objekt.

Noe av arbeidet ditt innebærer å begrense tilgangen til flaten ved å teipe av områder. Hvordan varierer din følelsesmessige/intellektuelle tilstand når du møter et slikt verk, sammenlignet med når du har full frihet til å bruke hele flaten?

Jeg tror du sikter til arbeidene mine på papir hvor jeg teiper av områder og skaper fargeformer, i motsetning til maleriene mine som virker mer åpne. Prosessen er faktisk ganske lik mellom de to mediene og er ganske intuitiv. Jeg plasserer enten en linje eller en form på flaten og bygger videre på den. Med maleriene er komposisjonen mer fastlagt, og valgmulighetene mine handler mer om fargevalg. Den monokromatiske fargen jeg bruker i tegningene lar meg leke mer med komposisjonen. Uansett har jeg forenklet språket, satt grenser og begrenset valgene mine, noe som paradoksalt nok gir mer frihet.

Du har nevnt å være påvirket av arbeidet til reduserende kunstnere. Kan du nevne noen av kunstnerne du beundrer, og fortelle om spørsmålene de har hjulpet deg å finne eller svare på?

Jeg ser på mye kunst, noen som faller meg inn er: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi og Ellsworth Kelly. Jeg beundrer arbeidet til kunstnere hvis verk virker enkle og monumentale, men samtidig feirer det håndlagde og lekne. Det er litt av en paradoks, prosessen med reduserende maleri, fordi du må gå gjennom mye arbeid og overflod for å nå et enkelt og ærlig uttrykk. Jeg stiller spørsmål ved mine reaksjoner på forgjengernes arbeid, og prøver å finne mot til å si mer med mindre.

Hva opplever du intellektuelt under den fysiske handlingen av reduserende billedskapning?

Jeg prøver å handle reflekterende i atelieret ved å kontrollere kritiske vurderinger og forsøke å gjøre vurderinger instinktivt, basert på informasjonen foran meg. Kanoniseringen av kunstnere og de sterke påvirkningene fra kunsthistorien kan føre til en situasjon som jeg har fått beskrevet som Mona Lisa-syndromet, der mytologien rundt et verk overskygger en ærlig reaksjon på det. Jeg har internalisert et reduserende billedspråk som fungerer for meg basert på dets kunsthistoriske forbilder; russisk konstruktivisme, Bauhaus-skolen, neoplastisisme, og mindre åpenbart, den tidlige kristne kunsten til Giotto og Fra Angelico ved klosteret San Marco. Disse læresetningene sammen med påvirkninger fra mer samtidskunstnere er alltid med meg i atelieret. Forhåpentligvis fører dette lærte felles språket til en unik tolkning.

Hva håper du at betrakteren vil oppleve når de møter arbeidet ditt?

Merkelig nok, fordi jeg er så involvert i prosessen med å skape arbeidet mitt, kan jeg ha vansker med å faktisk se det i øyeblikket. Jeg har opplevd å se arbeidet mitt noen år senere i noens hjem eller i en annen institusjons sammenheng. I det øyeblikket er det alltid hyggelig å tenke, «å, wow, det fungerer». Jeg håper det samme for en betrakter.

Joanne Freeman

Utvalgt bilde: Fotografert av Joanne Freemans ''Covers''-serie på Art on Paper, Kathryn Markel-stand, Pier 36, New York, NY. 4.-6. mars - Med tillatelse fra kunstneren