Arven etter banebryteren innen abstrakt kunst, Gillian Ayres

Den britiske abstrakte maleren og grafikkeren Gillian Ayres er død, 88 år gammel. Hennes bortgang etterlater et tomrom i kunstverdenen, og også innen utdanning og som forbilde. Ayres var uten tvil en av de mest karismatiske og selvsikre kunstlærerne i Storbritannia, mye på grunn av hennes fulle omfavnelse av ukonformitet. Hun underviste ved Bath Academy of Art fra 1959 til 1965, holdt forelesninger ved Saint Martin’s School of Art i London fra 1966 til 1978, og i 1978 ble hun leder for maleravdelingen ved Winchester School of Art. Den siste stillingen var mer en lederrolle enn en undervisningsstilling. Hun forlot den etter stadig å ha strid med skoleledelsen om hvordan, og faktisk om i det hele tatt, avdelingen skulle styres. Ayres mente at kunstutdanning ville bli bedre tjent uten at et kontor hadde ansvaret for det. Selv om dette var hennes siste offisielle akademiske stilling, fortsatte Ayres å undervise gjennom sitt eget eksempel. Hun var et forbilde for viktigheten av å ha prinsipper og stå fast ved dem. Hennes prinsipper inkluderte stor gavmildhet overfor sine elever og venner (som hun ofte tok imot i sitt hjem), en kjærlighet til champagne og sigaretter (som hun unnet seg til det siste), og fullstendig avsky for medlemmene av den såkalte Euston Road-skolen, en gruppe tradisjonelle realistiske kunstnere som var imot avantgarde og abstrakt kunst. Hennes hengivenhet til abstraksjon inspirerte utallige andre britiske abstrakte kunstnere, og bidro til å snu den institusjonelle fordommen mot abstraksjon i skoler, gallerier og museer. Arven hun håpet å etterlate kan oppsummeres i en uttalelse hun ga i et intervju med Financial Times i 2015. Hun sa: «Folk liker å forstå, og jeg skulle ønske de ikke gjorde det. Jeg skulle ønske de bare ville se.»

Former og rom

Ayres fullførte kunstskolen i 1950 og tok jobb som assistent i et galleri. Hun beholdt stillingen i seks år deltid samtidig som hun malte. Hun har sagt at hun i disse tidlige årene av sin karriere i stor grad ble påvirket av Jackson Pollock og de abstrakte ekspresjonistene. Det som inspirerte henne mest ved dem, var imidlertid ikke deres metafysiske tendenser, altså deres forsøk på å knytte seg til en urkilde av dype, skjulte følelser. Hun ble snarere inspirert av deres arbeidsmetoder, som for henne virket frie og eksperimentelle. Hun tok i bruk teknikken med å arbeide på gulvet og bruke løse, lyriske bevegelser under malingen. Mange av hennes arbeider fra denne tiden kan beskrives som action-malerier. De inneholder ofte sprutet og dryppet maling, gestiske penselstrøk og store, energisk påførte fargeflater.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Tresnitt på 75gsm Unryu-shi japansk papir, 33 3/5 × 64 2/5 tommer, 85,4 × 163,5 cm, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Samtidig som hun utforsket «all-over»-stilens action-maling, viste Ayres også interesse for en direkte utforskning av former og rom. Mange av hennes malerier fra 1950- og 60-tallet inneholder løse komposisjoner av sirkler, firkanter og andre geometriske eller kvasi-geometriske former. Formene ser ofte ut til å sveve rundt hverandre i et tomrom. Disse maleriene er rent abstrakte, men ikke i den forstand at Ayres «abstraherte» dem fra den naturlige verden. Hun søkte rett og slett å skape komposisjoner uten fortellende eller figurativt innhold, fordi hun trodde på potensialet i abstrakte bilder av former som samspiller i rommet til å være «berusende». Med andre ord mente hun at slike bilder kunne være rusgivende. Hun mente denne egenskapen var avgjørende for at folk bare kunne nyte å se på kunsten hennes uten å føle press til å tenke logisk om den, eller engang bruke intellektet sitt.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Tresnitt på 75gsm Unryushi japansk papir, 36 1/5 × 40 9/10 tommer, 92 × 104 cm, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Overdådig farge

I tillegg til sin kjærlighet til former og rom, var Ayres en entusiastisk fargeelsker. Hun sa en gang: «For meg er farge i kunst vidunderlig overbærende.» Hun ønsket at folk skulle drikke inn maleriene hennes. Hun betraktet dem som festmåltider for øynene. Hun sa: «Jeg forstår ikke hvorfor man ikke skulle fylle seg opp, gjøre seg glad – nyte seg selv, feire skjønnhet.» Selv om dette i dag høres ut som et uskyldig synspunkt, var det en tid da det førte til at Ayres ble dypt mistenkeliggjort av britiske publikum. Den mistilliten kulminerte i 1957, da hun etter å ha vært med i utstillingen Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, fikk i oppdrag å male et veggmaleri i spisesalen på en skole i London. Nesten med en gang etter at hun var ferdig, beordret skoleledelsen at det skulle dekkes til med tapet. Først flere tiår senere, etter at Ayres var blitt berømt, ble veggmaleriet gjenoppdaget i nesten perfekt stand under tapetet.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Tresnitt på Unryushi 75gsm papir, 18 4/5 × 22 4/5 tommer, 47,8 × 57,9 cm, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Den hengivenheten Ayres hadde for farge som motiv er tydelig gjennom hele hennes karriere. Etter hvert som komposisjonene hennes ble mindre lyriske, mindre gestiske og mer strukturerte og arkitektoniske med tiden, vokste hennes kjærlighet til farge bare sterkere. På 1980-tallet utviklet hun en noe lunefull, feirende estetisk visjon basert på livfulle, lyse farger og biomorfe former. Disse senere verkene virker inspirert av naturen. Noen mistenker at det skyldes at Ayres på denne tiden i livet flyttet med familien til et kystnært landlig område i Wales. Hun har sagt at forholdene der, særlig landskapet, hadde stor innflytelse på henne. Likevel insisterte hun alltid på at arbeidet hennes ikke var abstrahert fra naturen, eller forenklet fra bilder av landsbygda. På noen måter minner de siste maleriene Ayres laget om utskjæringene til Matisse. Begge kunstnerne tok i bruk en lignende fargepalett sent i karrieren, og begge utviklet en liknende følelse for romlige forhold. Forskjellen er at mens Matisse stolt håpet å framkalle former og figurer fra naturen i sine sene verk, holdt Ayres fast til det siste at verkene hennes ikke var basert på noe. De er bare bilder av farger og former i rom uten mening utover seg selv, og tilbyr ren glede til betraktere som våger å la seg henføre av deres skjønnhet.

Forsidebilde: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Tresnitt på Unryu-shi japansk papir, 30 7/10 × 45 7/10 tommer, 78 × 116 cm, opplag på 18, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Av Phillip Barcio