Arven etter banebryteren innen abstrakt kunst, Gillian Ayres

Den britiske abstrakte maleren og grafikeren Gillian Ayres er død i en alder av 88 år. Hennes død etterlater et tomrom i kunstverdenen, og også i utdannings- og rollemodellverdenene. Ayres var uten tvil en av de mest karismatiske, selvsikre kunstlærerne i Storbritannia, mye på grunn av hennes totale omfavnelse av ikke-konformitet. Hun underviste ved Bath Academy of Art fra 1959 til 1965, foreleste ved Saint Martin’s School of Art, London fra 1966 til 1978, og i 1978 ble hun leder for Malefaget ved Winchester School of Art. Den siste jobben var mer en lederstilling enn en undervisningsstilling. Hun forlot den etter å ha slitt konstant med skoleadministrasjonen om hvordan, og faktisk om det i det hele tatt, skulle lede avdelingen. Ayres trodde at kunstutdanning ville bli bedre tjent uten at et kontor hadde ansvaret for det. Selv om det var hennes siste offisielle akademiske stilling, fortsatte Ayres å undervise ved sitt eksempel. Hun var en rollemodell for viktigheten av å ha prinsipper og å stå fast ved dem. Hennes prinsipper inkluderte enorm generøsitet overfor studentene og vennene hennes (som hun ofte tok inn i hjemmet sitt), en kjærlighet for champagne og sigaretter (som hun unnet seg til slutten), og en fullstendig hat mot medlemmene av den såkalte Euston Road School, et kollektiv av tradisjonelle realistiske kunstnere som var imot avantgarde og abstrakt kunst. Hennes hengivenhet til abstraksjon hjalp til med å inspirere utallige andre britiske abstrakte kunstnere, og bidro til å reversere den institusjonelle fordommen mot abstraksjon i skoler, gallerier og museer. Arven hun håpet å etterlate seg kan oppsummeres i en uttalelse hun ga i et intervju med Financial Times i 2015. Hun sa: "Folk liker å forstå, og jeg skulle ønske de ikke gjorde det. Jeg skulle ønske de bare så."

Former og rom

Ayres fullførte kunstskolen i 1950 og tok en jobb som galleriassistent. Hun beholdt stillingen i seks år deltid mens hun også malte. Hun har sagt at hun i disse tidlige dagene av karrieren ble sterkt påvirket av Jackson Pollock og de abstrakte ekspresjonistene. Imidlertid var det ikke deres metafysiske tendenser, dvs. deres forsøk på å knytte seg til en primær kilde av dype, skjulte følelser, som inspirerte henne mest. Snarere ble hun inspirert av deres arbeidsmetoder, som for henne virket frie og eksperimentelle. Hun adopterte teknikken med å jobbe på gulvet og bruke løse, lyriske bevegelser mens hun malte. Mange av verkene hennes fra denne tiden kan beskrives som aksjonsmalerier. De inkluderer ofte sprutet og dryppet maling, gestikulerende penselstrøk, og store, energisk påførte fargefelt.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Tresnitt på 75gsm Unryu-shi japansk papir, 33 3/5 × 64 2/5 tommer, 85,4 × 163,5 cm, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Samtidig med hennes utforskning av "all-over" stil actionmaleri, viste Ayres også interesse for den direkte utforskningen av former og rom. Mange av maleriene hennes fra 1950- og 60-tallet inneholder løse komposisjoner av sirkler, firkanter og andre geometriske, eller kvasi-geometriske former. Formene ser ofte ut til å sveve rundt hverandre i et tomrom. Disse maleriene er rent abstrakte, men ikke i den forstand at Ayres "abstrakterte" dem fra den naturlige verden. I stedet søkte hun rett og slett å skape komposisjoner som ikke har noe narrativt eller figurativt innhold overhodet, fordi hun trodde på potensialet for abstrakte bilder av former som interagerer i rommet til å være "hodepine". Med andre ord, hun følte at slike bilder kunne være berusende. Hun mente denne kvaliteten var avgjørende slik at folk kunne nyte å se på kunsten hennes uten å føle press for å tenke logisk om det, eller til og med å engasjere intellektet sitt i det hele tatt.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Tresnitt på 75gsm Unryushi japansk papir, 36 1/5 × 40 9/10 tommer, 92 × 104 cm, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Overbærende farge

I tillegg til sin kjærlighet for former og rom, var Ayres en entusiastisk elsker av farger. Hun sa en gang: "For meg er farge i kunst vidunderlig selvtilfredsstillende." Hun ønsket at folk skulle drikke inn maleriene hennes. Hun anså dem som festmåltider for øynene. Hun sa: "Jeg ser ikke hvorfor du ikke skal fylle deg selv opp, gjøre deg selv lykkelig - nyte deg selv, fråtse i skjønnhet." Så mye som dette høres ut som et uskyldig synspunkt i dag, var det en tid da det førte til at Ayres ble dypt mistrodd av britiske publikum. Den mistroen kulminerte i 1957, da hun etter å ha blitt inkludert i utstillingen Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, ble kontraktert til å male et veggmaleri i spisesalen på en skole i London. Nesten så snart hun var ferdig med veggmaleriet, beordret skoleadministrasjonen at det skulle dekkes med tapet. Først flere tiår senere, etter at Ayres ble berømt, ble veggmaleriet gjenoppdaget i nesten perfekt stand under tapetet.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Tresnitt på Unryushi 75gsm papir, 18 4/5 × 22 4/5 tommer, 47,8 × 57,9 cm, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Den kjærlighet Ayres hadde for farge som motiv er tydelig gjennom hele hennes karriere. Etter hvert som komposisjonene hennes ble mindre lyriske, mindre gestuelle, og mer strukturerte og arkitektoniske med tiden, ble hennes kjærlighet for farge bare sterkere. På 1980-tallet hadde hun utviklet en noe lunefull, feirende estetisk visjon basert på livlige, lyse farger og biomorfe former. Disse alterverkene er tilsynelatende inspirert av naturen. Noen mennesker mistenker at det er fordi Ayres i løpet av denne tiden i livet flyttet med familien til et kystnært landlig samfunn i Wales. Hun har sagt at forholdene der, spesielt landskapet, hadde stor innflytelse på henne. Imidlertid insisterte hun alltid på at arbeidet hennes ikke var abstrahert fra naturen, ei heller redusert fra bilder av landsbygda. På noen måter minner de nyeste maleriene Ayres laget om klippene til Matisse. Begge kunstnerne adopterte en lignende fargepalett sent i karrieren, og begge utviklet en lignende følelse av romlige relasjoner. Unntatt at mens Matisse stolt håpet å fremkalle formene og figurene fra den naturlige verden i sitt sene arbeid, forble Ayres dedikert til slutten om at verkene hennes ikke var basert på noe. De er bare bilder av farger og former i rommet uten mening utover seg selv, og tilbyr ren glede til seere som er modige nok til å unne seg deres skjønnhet.

Fremhevet bilde: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Tresnitt på Unryu-shi japansk papir, 30 7/10 × 45 7/10 tommer, 78 × 116 cm, Utgave av 18, foto med tillatelse fra Alan Cristea Gallery, London

Av Phillip Barcio