ABSTRAKT / NIEABSTRAKT autorstwa Gagosian i Jeffrey Deitch na Art Basel Miami Beach 2017
Tydzień Sztuki Miami 2017 dobiegł końca, a przy ponad tuzinie równoczesnych targów i dziesiątkach tymczasowych wystaw w całym mieście, można śmiało powiedzieć, że nikt nie zobaczył wszystkiego. Mimo konkurencji, współpraca Jeffrey Deitch / Larry Gagosian Art Basel Miami w budynku Moore w Dzielnicy Designu odniosła sukces po raz trzeci z rzędu, stając się jedną z najbardziej komentowanych wystaw tygodnia. Deitch i Gagosian to jedni z najbardziej doświadczonych i znających rynek sztuki weteranów żyjących dziś. Deitch rozpoczął karierę jeszcze na studiach, otwierając galerię w małym pokoju hotelu w Massachusetts na początku lat 70. XX wieku. W latach 80. założył dział inwestycji artystycznych w Citibanku, a w latach 90. otworzył Deitch Projects w Nowym Jorku. Zamknął swoją galerię w 2010 roku, aby objąć stanowisko dyrektora Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles. Po odejściu z tej roli w 2015 roku powrócił do korzeni jako handlarz sztuką. Gagosian również zaczął karierę na studiach. W latach 60. sprzedawał plakaty w pobliżu kampusu UCLA. Stopniowo rozwijał swój handel, ostatecznie otwierając galerie w Los Angeles i Nowym Jorku. Galeria Gagosian powstała w 1980 roku i dziś ma 16 lokalizacji na całym świecie. Ci dwaj wizjonerzy rozpoczęli współpracę w Miami Beach w 2015 roku wystawą „Unrealism”, prezentującą prace 50 międzynarodowych artystów, która badała to, co uważali za powrót do figuratywnego obrazu we współczesnej sztuce. W 2016 roku zaprosili Dianę Widmaier Picasso (wnuczkę artysty) do kuratorowania wystawy „Desire”, która zgłębiała współczesne pojęcia erotyzmu w pracach 50 artystów. W tym roku Deitch i Gagosian dokonali całkowitego zwrotu w stosunku do swojej pierwszej współpracy i zaprezentowali „ABSTRAKCYJNE / NIEABSTRAKCYJNE”, wystawę z udziałem 33 artystów, która próbowała zgłębić ogromną głębię i szerokość współczesnej sztuki abstrakcyjnej.
Te korzenie sięgają głęboko
Pierwotna informacja prasowa o wystawie ABSTRAKCYJNE / NIEABSTRAKCYJNE sugerowała, że będzie to próba pokazania całej ewolucji abstrakcji. Wspominała, że korzenie abstrakcji sięgają około 1910 roku i podkreślała, jak niezwykłe jest to, że ponad 100 lat później artyści wciąż znajdują nowe sposoby na badanie i poszerzanie granic sztuki abstrakcyjnej. Choć ambitne, myśl o takiej wystawie z udziałem tylko 33 artystów i odbywającej się w budynku Moore budziła mój niepokój. To miejsce jest duże i piękne, wyposażone w wiele wspaniałych przestrzeni do prezentacji sztuki, ale potrzeba byłoby znacznie więcej miejsca i być może tysięcy artystów, by opowiedzieć pełną historię korzeni modernistycznej abstrakcji.
Na szczęście ostateczna wersja wystawy nie podjęła się tego ambitnego zadania. Jej zakres okazał się zdecydowanie bardziej współczesny. Była raczej eksploracją ostatnich czterech dekad abstrakcji. Wśród starszych artystów na wystawie znaleźli się John Armleder i Richard Prince, obaj bliscy 70. roku życia, oraz Rudolf Stingel, Jeff Koons i Albert Oehlen, wszyscy po sześćdziesiątce. Wśród młodszych wyróżniali się Torey Thornton (27), którego kapryśne, w stylu Art Brut kompozycje przywołują świat snów między sobotnimi kreskówkami a neonową pustynią; Analia Saban (37), której stonowane, ziemiste prace przywodzą na myśl luksus, jednocześnie sugerując coś, co zawsze pozostaje ukryte; oraz Korakrit Arunanondchai (31), którego wizualnie wybuchowe, wielodyscyplinarne dzieła wykorzystują kolor i formę w ekscytujący sposób, ożywiając niewidzialne energie na płótnach i ekranach.
Jeff Koons - Krajobraz (Wodospad) I, 2007. © Jeff Koons. Fotografia Rob McKeever. Za zgodą Gagosian
Nowy kontekst dla współczesnej abstrakcji
Najbardziej odświeżające w wystawie ABSTRAKCYJNE / NIEABSTRAKCYJNE jest to, że udało się jej poszerzyć ograniczone pojęcie, jakie media artystyczne miały o sztuce abstrakcyjnej w ostatnich latach. Należę do wielu autorów, którzy uważają, że wystawa była skutecznym argumentem przeciwko istnieniu tak zwanego Zombie Formalizmu. Po raz pierwszy spotkałem się z tym terminem w 2014 roku, w artykule Waltera Robinsona na Artspace. Robinson użył tego określenia, by wyrazić żal, że jego zdaniem tak wiele współczesnej abstrakcji wygląda tak samo. Wyjaśnił to jako: „‘Formalizm’, ponieważ ta sztuka polega na prostym, redukcyjnym, esencjalistycznym sposobie tworzenia obrazu... i ‘Zombie’, ponieważ przywraca do życia odrzuconą estetykę Clementa Greenberga.” Moim zdaniem temu punktowi widzenia brakuje perspektywy. Brzmi to mniej jak oświecona krytyka, a bardziej jak sfrustrowany lament przemęczonego recenzenta sztuki, który odwiedził zbyt wiele wystaw z podobnymi pracami w krótkim czasie.
Rzeczywistość jest bardziej barwna, niż Robinson sugerował. Oczywiście, przeszłość wpływa na teraźniejszość. Ale jeśli chodzi o współczesną estetykę, wszystko z każdego okresu jest ważne przez cały czas. Ktoś, kto lubi fakturę, może cieszyć się pracami setek artystów badających fakturę i nigdy się nie znudzić. Ktoś, kto czerpie znaczenie z relacji kolorów, może oglądać prace setek artystów zafascynowanych teorią barw i nigdy nie mieć dość. Ktoś, kto docenia abstrakcję i rozumie inherentną trudność stworzenia nowego dzieła sztuki, nigdy nie skrytykuje całego pokolenia artystów etykietą, która czyni ich wydawać się wtórnymi i banalnymi. Dlatego chwalę Deitcha i Gagosiana. Dzięki ABSTRAKCYJNE / NIEABSTRAKCYJNE zrobili swój mały wkład w położenie kresu idei Zombie Formalizmu. Choć mogli łatwo uwzględnić wielu więcej artystów i zapełnić znacznie więcej przestrzeni, wybór artystów zaprezentowanych na tej wystawie oferuje wystarczająco zróżnicowany przegląd zakresu prac tworzonych dziś przez artystów abstrakcyjnych, by niepodważalnie udowodnić, że korzenie abstrakcji są nadal tak zdrowe, jak kiedykolwiek, i sięgają tak głęboko, jak zawsze.
John M. Armleder - Galaktyka, 2014. Zdjęcie EPW Studio. Za zgodą artysty oraz Massimo De Carlo, Mediolan/Londyn/Hongkong i Gagosian
Zdjęcie główne: Steven Parrino - Bez tytułu, 1988, emalia na płótnie, 182,9 × 274,3 cm, © Steven Parrino. Za zgodą Rodziny Parrino i Galerii Gagosian. Fotografia Rob McKeever.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
