ABSTRAKT / NIEABSTRAKT autorstwa Gagosian i Jeffrey Deitch na Art Basel Miami Beach 2017

Art Week Miami 2017 dobiegła końca, a przy ponad tuzinie równoległych targów i setkach pop-upów w całym mieście, można śmiało powiedzieć, że nikt nie zobaczył wszystkiego. Mimo konkurencji, współpraca Jeffrey Deitch / Larry Gagosian Art Basel Miami w Moore Building w Design District po raz trzeci z rzędu stała się jedną z najbardziej komentowanych wystaw tygodnia. Deitch i Gagosian to jedni z najbardziej doświadczonych i znających się na rynku sztuki weteranów żyjących dzisiaj. Deitch rozpoczął swoją karierę jeszcze na studiach, otwierając galerię w małym pomieszczeniu hotelowym w Massachusetts na początku lat 70. XX wieku. W latach 80. założył dział inwestycji w sztukę w Citibanku, a w latach 90. otworzył Deitch Projects w Nowym Jorku. Zamknął swoją galerię w 2010 roku, aby objąć stanowisko dyrektora Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles. Po odejściu z tej roli w 2015 roku, powrócił do swoich korzeni jako dealer sztuki. Gagosian również rozpoczął swoją karierę na studiach. W latach 60. sprzedawał plakaty w pobliżu kampusu UCLA. Stopniowo rozwijał swój handel, ostatecznie otwierając galerie w Los Angeles i Nowym Jorku. Gagosian Gallery została otwarta w 1980 roku i obecnie ma 16 lokalizacji na całym świecie. Ci dwaj wizjonerzy rozpoczęli swoją współpracę w Miami Beach w 2015 roku od wystawy „ Unrealism ”, wystawy prezentującej prace 50 międzynarodowych artystów, która badała to, co postrzegali jako powrót do figuralnych obrazów w sztuce współczesnej. W 2016 roku zaangażowali Dianę Widmaier Picasso (wnuczkę artysty) do kuratowania „ Desire ”, wystawy badającej współczesne pojęcia erotyzmu w pracach 50 artystów. W tym roku Deitch i Gagosian dokonali zwrotu o 180 stopni od swojej pierwszej współpracy i zaprezentowali „ABSTRACT / NOT ABSTRACT”, wystawę prezentującą prace 33 artystów, która próbowała zbadać ogromną głębię i szerokość współczesnej sztuki abstrakcyjnej.

Te korzenie sięgają głęboko

Początkowy komunikat prasowy dotyczący ABSTRACT / NOT ABSTRACT sprawił, że wystawa brzmiała, jakby miała na celu pokazanie całej ewolucji abstrakcji. Wspomniano, że korzenie abstrakcji sięgają około 1910 roku, i przedstawiono pomysł, jak niesamowite jest to, że ponad 100 lat później artyści wciąż znajdują nowe sposoby na eksplorację i poszerzanie granic sztuki abstrakcyjnej. Choć ambitna, myśl o takiej wystawie z udziałem tylko 33 artystów i odbywającej się w Moore Building przerażała mnie. Ta przestrzeń jest duża i piękna, a także obdarzona wieloma wspaniałymi miejscami do wystawiania sztuki, ale potrzeba by znacznie więcej miejsca i może tysięcy więcej artystów, aby opowiedzieć pełną historię korzeni modernistycznej abstrakcji.

Na szczęście, ostateczna inkarnacja wystawy nie próbowała podjąć się tego ambitnego zadania. Jej zakres okazał się zdecydowanie bardziej współczesny. Była bardziej jak eksploracja ostatnich czterech dekad abstrakcji. Wśród starszych artystów uwzględnionych w wystawie byli John Armleder i Richard Prince, obaj zbliżający się do 70. roku życia, oraz Rudolf Stingel, Jeff Koons i Albert Oehlen, wszyscy w wieku 60 lat. Na młodszym końcu wyróżniali się Torey Thornton (27), którego fantazyjne, przypominające Art Brut kompozycje przywołują świat marzeń między sobotnimi porankami a neonową pustynią; Analia Saban (37), której stonowane, w odcieniach ziemi kreacje wywołują poczucie luksusu, jednocześnie sugerując coś, co zawsze pozostaje ukryte; oraz Korakrit Arunanondchai (31), którego wizualnie eksplodująca, multidyscyplinarna praca wykorzystuje kolor i formę w ekscytujący sposób, ożywiając niewidzialne energie na płótnach i ekranach.

Jeff Koons - Landscape (Waterfall) I, 2007. © Jeff Koons. Photography by Rob McKeever. Courtesy Gagosian

Nowy kontekst dla współczesnej abstrakcji

Najbardziej odświeżające w ABSTRACT / NOT ABSTRACT jest to, że udało mu się rozszerzyć ograniczoną koncepcję, jaką media artystyczne miały na temat sztuki abstrakcyjnej w ostatnich latach. Jestem jednym z wielu pisarzy, którzy uważają, że wystawa była skutecznym argumentem przeciwko istnieniu tzw. Zombie Formalism. Po raz pierwszy przeczytałem ten termin w 2014 roku, w artykule Waltera Robinsona na Artspace. Robinson przywołał ten termin jako sposób na ubolewanie, że, jego zdaniem, tak wiele współczesnej abstrakcji wygląda tak samo. Wyjaśnił to jako: „‘Formalizm’, ponieważ ta sztuka polega na prostym, redukcyjnym, esencjalistycznym sposobie tworzenia obrazu... i ‘Zombie’, ponieważ przywraca do życia odrzucone estetyki Clementa Greenberga.” To, czego brakuje w tym punkcie widzenia, moim zdaniem, to perspektywa. Brzmi to mniej jak oświecona krytyka, a bardziej jak przytłoczona tyrada przepracowanego recenzenta sztuki, który poszedł na zbyt wiele wystaw z podobnymi rodzajami prac w krótkim czasie.

Rzeczywistość jest bardziej żywa, niż Robinson dał do zrozumienia. Oczywiście, przeszłość wpływa na teraźniejszość. Ale jeśli chodzi o współczesną estetykę, wszystko z każdego okresu jest ważne przez cały czas. Ktoś, kto lubi teksturę, mógłby cieszyć się oglądaniem prac setek artystów, którzy badają teksturę i nigdy by się nie znudził. Ktoś, kto czerpie znaczenie z relacji kolorów, mógłby patrzeć na setki artystów obsesyjnie zajmujących się teorią koloru i nigdy by się tym nie zmęczył. Ktoś, kto docenia abstrakcję i rozumie inherentne trudności w tworzeniu nowego dzieła sztuki, nigdy nie zlekceważyłby całej generacji artystów etykietą, która sprawia, że wydają się oni wtórni i banalni. Dlatego chwalę Deitcha i Gagosiana. Dzięki ABSTRAKCJA / BRAK ABSTRAKCJI, zrobili swoją małą część, aby położyć kres idei Zombie Formalizmu. Choć mogli łatwo uwzględnić znacznie więcej artystów i zająć znacznie więcej miejsca, wybór artystów, których uwzględnili w tym pokazie, oferuje wystarczająco zróżnicowany wgląd w zakres prac tworzonych przez współczesnych artystów abstrakcyjnych, aby niepodważalnie udowodnić, że korzenie abstrakcji są nadal tak zdrowe, jak kiedykolwiek, i sięgają tak głęboko, jak kiedykolwiek.

John M. Armleder - Galaxy, 2014. Photo by EPW Studio. Courtesy the artist and Massimo De Carlo, Milan/London/Hong Kong and Gagosian

Obraz wyróżniony: Steven Parrino - Bez tytułu, 1988, emalia na płótnie, 72 × 108 cali, 182,9 × 274,3 cm, © Steven Parrino. Dzięki uprzejmości rodziny Parrino i Gagosian Gallery. Fotografia: Rob McKeever.

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio