Rozwijanie Abstrakcji Optycznej, czyli jak Victor Vasarely znalazł swój własny styl

Czasami zakłada się, że kiedy mówimy o „sztukach i naukach”, mówimy o wyraźnie różnych rzeczach. Nauka dotyczy badania rzeczy, w końcu, podczas gdy sztuka dotyczy tworzenia rzeczy. Ale czy naukowcy również nie tworzą, a artyści nie badają? I czy wyobraźnia nie jest integralną częścią obu? Victor Vasarely był zarówno naukowcem, jak i artystą. Ojcem nowoczesnego ruchu sztuki abstrakcyjnej znanego jako Op-Art, swobodnie zamieszkiwał oba światy. Początkowo wykształcony w medycynie, Vasarely podchodził do sztuki z systematycznej perspektywy. Analizował formalne cechy tego, co stanowiło obiekt estetyczny. Badał naturę w poszukiwaniu budulców wizualnego wszechświata. I analizował sposób, w jaki widzowie postrzegali wizualny wszechświat w poszukiwaniu tego, jak sztuka mogłaby pomóc ujawnić fundamentalne prawdy. Od lat 20. XX wieku, kiedy przeprowadzał swoje najwcześniejsze eksperymenty estetyczne, przez lata 60., kiedy ujawnił swoje ostateczne dzieło, „Alphabet Plastique”, aż do końca swojego życia w wieku 90 lat, Vasarely podchodził do swojej sztuki z punktu widzenia, który jednocześnie obejmował kreatywność i analizy. Po drodze zmienił sposób, w jaki ludzie postrzegają przestrzeń dwuwymiarową i stworzył zbiór prac, który nawet dziesięciolecia po jego śmierci nadal inspiruje artystów, miłośników sztuki, projektantów i naukowców.

Victor Vasarely naukowiec

W 1906 roku, kiedy urodził się Victor Vasarely, artyści i naukowcy byli równie szanowani. W Budapeszcie, gdzie Vasarely studiował na uniwersytecie, nie byłoby niczym niezwykłym, gdyby przedstawiciele obu dziedzin wchodzili ze sobą w interakcje, szczególnie w tętniących życiem kawiarniach wzdłuż brzegów Dunaju, które były centrami europejskiej sceny intelektualnej. Kiedy Vasarely po raz pierwszy wszedł na uniwersytet, miał zamiar studiować na kierunku medycyny w Szkole Medycznej Uniwersytetu Budapeszteńskiego. Jednak po dwóch latach w programie nagle zmienił kierunek i postanowił poświęcić się studiowaniu sztuki.

Ale chociaż jego temat zmieniał się, jego podejście do nauki pozostało niezmienne. W 1927 roku, w wieku 21 lat, Vasarely zapisał się do prywatnej szkoły artystycznej, gdzie otrzymał formalne wykształcenie jako malarz. Doskonalił się jako student sztuki, a podczas doskonalenia swoich umiejętności estetycznych kontynuował również czytanie książek autorów wiodących naukowców tamtych czasów. Jednym z jego ulubionych autorów do czytania w tym okresie jego życia był Niels Bohr, który w 1922 roku otrzymał Nagrodę Nobla za swoje badania nad strukturą atomu. W fizyce kwantowej model Bohra przedstawia strukturę atomu jako podobną do struktury układu słonecznego. Wizualnie przypomina to okrąg otoczony większymi okręgami, wzór, który Vasarely wielokrotnie badał w swojej sztuce.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ok. 1988. Sitodruk. 38 1/2 × 28 1/2 cala; 97,8 × 72,4 cm. Edycja 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Budowanie jego sprawy

Poprzez swoje podwójne studia sztuki i nauki, Vasarely zaczął formułować teorię, że dwa tryby myślenia krzyżują się w sposób, który, gdy są postrzegane razem, mogą, jak powiedział, „tworzyć wyimaginowaną konstrukcję, która jest zgodna z naszą wrażliwością i współczesną wiedzą.” W 1929 roku zapisał się do Akademii Muhely w Budapeszcie, która w tamtym czasie była węgierskim odpowiednikiem Bauhausu. Jego studia koncentrowały się na koncepcji totalnej sztuki opartej na geometrii. Eksperymentował z abstrakcją geometryczną i zaczął rozumieć, jak iluzje optyczne mogą być tworzone poprzez układ geometrycznych kształtów i kolorów na dwuwymiarowej powierzchni. Porównanie jednego z jego obrazów z Akademii Muhely zatytułowanego Etudes Bauhaus C z obrazem, który namalował w 1975 roku zatytułowanym Vonal-Stri, pokazuje całe życie Vasarely'ego i jego jednoznaczne skupienie na możliwościach geometrii do wyrażania przecięcia nauki i sztuki.

Po opuszczeniu Akademii Muhely, Vasarely przeniósł się do Paryża, ożenił się i miał dwoje dzieci. Utrzymywał rodzinę jako grafik, realizując swoją sztukę w nocy. Podczas gdy jego praca dzienna wymagała czystego, precyzyjnego stylu, jego praktyka artystyczna była otwarta na wyobraźnię. Rozwinął osobisty styl, który łączył oba te elementy. Przejawił się on w jego obrazach „Zebra” i „Harlequin”, seriach, do których wracał przez całe życie, oraz w obrazach takich jak „The Chessboard.”

Victor Vasarely - Szachownica, 1975. Sitodruk. 31 1/2 × 30 cali; 80 × 76,2 cm. Edycja 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Zła ścieżka

Po 14 latach pracy na dwóch etatach w Paryżu, Vasarely w końcu otrzymał swoją pierwszą dużą wystawę. Została ona na tyle dobrze przyjęta, że był przekonany, iż może poświęcić się w pełni byciu artystą. W tym czasie postanowił odejść od wizualnego stylu, który tworzył. Podczas wakacji na wyspie w Bretanii zwrócił uwagę na to, jak fale wpływają na krajobraz, a szczególnie jak zmieniają linię brzegową i formują kamienie. To spostrzeżenie poprowadziło go w kierunku pewnego rodzaju biomorficznej abstrakcji geometrycznej, gdy próbował połączyć się z wizualną manifestacją naturalnej geometrii organicznego świata.

Chociaż Vasarely później określił ten czas w swoim życiu jako „złą drogę”, doprowadził on do ważnej ewolucji w jego pracy. Dodał bardziej zaokrąglone elementy do swoich obrazów. Kiedy powrócił do swojego wcześniejszego geometrycznego stylu, uczynił to z włączeniem dynamicznych zaokrąglonych form, które wydawały się wypukłe na zewnątrz z obrazu lub zapadały się do wewnątrz z powierzchni. Sposób, w jaki te formy oszukiwały oko, sprawiał, że wydawało się, iż obraz się porusza. Ta iluzja kinetyczna, w połączeniu z trójwymiarowością obrazów na płótnach Vasarely'ego, stała się fundamentem ikonicznej estetyki, którą teraz nazywamy Op-Art.

Victor Vasarely - Bez tytułu #8 (różowa i turkusowa kula). Sitodruk. 13 × 10 cali; 33 × 25,4 cm. Edycja 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Żółty Manifest

W 1955 roku Vasarely zaprezentował część swojej twórczości na wystawie sztuki kinetycznej zatytułowanej „Le Movement” w Paryżu. Aby towarzyszyć swojej pracy, opublikował esej zatytułowany Notes for a Manifesto. Wydrukowany na żółtym papierze, esej ten od tego czasu znany jest jako The Yellow Manifesto. W nim Vasarely ogłosił: „Jesteśmy u progu wielkiej epoki.” Nalegał, że etykiety takie jak malarstwo i rzeźba są przestarzałe, ponieważ artyści tacy jak Arp, Kandinsky, Mondrian i Calder zniszczyli sztuczne podziały między sztukami plastycznymi. Oświadczył, że ponieważ wszystkie zjawiska estetyczne są manifestacjami tego samego impulsu, nadszedł czas, aby traktować wszystkie osiągnięcia artystyczne jako część „jednej plastycznej wrażliwości w różnych przestrzeniach.”

Wkład Vasarely'ego w tę "wielką epokę" jest jasny, gdy spojrzymy na obrazy, które stworzył w tym okresie swojego życia. Jego prace całkowicie zdefiniowały doświadczenie widza w kontekście dwuwymiarowego dzieła sztuki. Stworzył wrażenie, że przestrzeń istnieje tam, gdzie jej nie ma. Doświadczenie widza zostało przekształcone, aby istniało całkowicie w umyśle widza. Formy, które znajdują się na jednym z płócien Vasarely'ego, są formalne i naukowe, a jednak, gdy są interpretowane przez oko, przyjmują cechy, które wydają się zaprzeczać naukowym faktom rzeczywistości przestrzennej.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Sitodruk na papierze Arches. 30 7/8 × 37 7/8 cali; 78,4 × 96,2 cm. Edycja 250. © Victor Vasarely

Alfabet Plastikowy

W szczytowym okresie swojej popularności w latach 60. Vasarely stworzył to, co miało reprezentować kulminację jego życiowej pracy. Opisał to, co nazwał Plastyką Alfabetu, symbolicznym językiem wizualnym opartym na formach geometrycznych i kolorach. W alfabecie znajdowało się 15 form, wszystkie oparte na wariacjach koła, trójkąta i kwadratu, a każda z form istniała w zakresie 20 różnych odcieni. Każda forma była przedstawiana w kwadratowej ramie, a kształt i jego otaczająca rama były prezentowane w różnych odcieniach. Plastyka Alfabetu mogła być układana w pozornie nieskończoną gamę kombinacji i wykorzystywana do tworzenia ewidentnie niekończącej się gamy obrazów.

Koncepcja, którą Vasarely wyraźnie zasugerował swoim Plastycznym Alfabetem, polegała na tym, że poprzez jego wdrożenie akt twórczy mógł być realizowany w sposób czysto naukowy. Z jednej strony było to dehumanizujące, ponieważ reprezentowało formę programowania, jak proto-sztuczna inteligencja, która mogła przejąć proces tworzenia sztuki. Z drugiej strony było to humanizujące, ponieważ zdemokratyzowało i zdemistyfikowało proces twórczy, pozwalając każdemu zaangażować się w kreatywną działalność estetyczną.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Sitodruk. 22 × 23 1/2 cala; 55.9 × 59.7 cm. Edycja 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Sztuka dla wszystkich

Odpowiednie jest, że wkład, za który Vasarely jest najbardziej zapamiętany, to forma zakłócenia. Nie tylko jego prace wizualne zniekształcały powierzchnię sztuki dwuwymiarowej, ale także jego pomysły i Plastikowy Alfabet zniekształcały powierzchnię kultury. Przyjaciele, koledzy i zwolennicy Vasarellego entuzjastycznie wspominają, że jednym z jego motywów było „sztuka dla wszystkich.” Był zachwycony, widząc swoją sztukę na odzieży, pocztówkach, produktach komercyjnych i reklamach. Przewidywał, że w przyszłości jedynym sposobem, aby sztuka mogła pozostać istotna, było to, aby każdy człowiek mógł uczestniczyć w jej radości.

"Nie tylko widzimy echa sztuki Vasarely'ego w produktach współczesnej sztuki i designu, ale także dostrzegamy echa jego filozofii w społeczności cyfrowej i globalnej kulturze, której był współtwórcą. Tworząc styl sztuki pięknej, który mógłby mieć uniwersalny urok w obliczu sztucznych podziałów społecznych, Vasarely stworzył coś unikalnego: szczere i radosne estetyczne doświadczenie, które, choć abstrakcyjne, może być łatwo docenione przez każdego, kto potrafi widzieć. A być może jeszcze cenniejsze jest to, że podzielił się wizją przyszłości, w której sztuka i nauka współpracują na rzecz bardziej interesującego i sprawiedliwego świata."

Obraz wyróżniony: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio