Rozwijanie Abstrakcji Optycznej, czyli jak Victor Vasarely znalazł swój własny styl

Czasem zakłada się, że gdy mówimy o „sztukach i naukach”, mamy na myśli zupełnie różne dziedziny. Nauka zajmuje się przecież badaniem rzeczy, podczas gdy sztuka tworzeniem. Ale czy naukowcy nie tworzą, a artyści nie badają? Czy wyobraźnia nie jest nieodłączna dla obu? Victor Vasarely był zarówno naukowcem, jak i artystą. Ojciec modernistycznego ruchu sztuki abstrakcyjnej znanego jako Op-Art, swobodnie poruszał się w obu światach. Początkowo kształcony w medycynie, Vasarely podchodził do sztuki z systematycznej perspektywy. Analizował formalne cechy tego, co stanowiło obiekt estetyczny. Studiował naturę, poszukując elementów budulcowych wizualnego wszechświata. Analizował też sposób, w jaki widzowie postrzegają wizualny świat, szukając, jak sztuka może pomóc odkryć fundamentalne prawdy. Od lat 20. XX wieku, gdy prowadził swoje pierwsze eksperymenty estetyczne, przez lata 60., gdy ujawnił swoje ostateczne dzieło, „Alphabet Plastique”, aż do końca życia w wieku 90 lat, Vasarely podchodził do swojej sztuki z punktu widzenia, który łączył twórczość i analizę. Po drodze zmienił sposób, w jaki ludzie postrzegają przestrzeń dwuwymiarową, tworząc dzieła, które nawet dziesięciolecia po jego śmierci nadal inspirują artystów, miłośników sztuki, projektantów i naukowców.

Victor Vasarely naukowiec

W 1906 roku, gdy urodził się Victor Vasarely, artyści i naukowcy cieszyli się równym szacunkiem. W Budapeszcie, gdzie Vasarely studiował, nie było nic niezwykłego w tym, że przedstawiciele obu dziedzin się ze sobą spotykali, zwłaszcza w tętniących życiem kawiarniach nad brzegiem Dunaju, które były ośrodkami europejskiej sceny intelektualnej. Gdy Vasarely rozpoczął studia, miał zostać lekarzem na Wydziale Medycznym Uniwersytetu Budapeszteńskiego. Jednak po dwóch latach nagle zmienił kierunek i postanowił poświęcić się studiowaniu sztuki.

Choć zmienił tematykę, jego podejście do nauki pozostało niezmienne. W 1927 roku, mając 21 lat, zapisał się do prywatnej szkoły artystycznej, gdzie przeszedł formalne szkolenie malarskie. Był wybitnym studentem sztuki, a doskonaląc swoje umiejętności estetyczne, nadal czytał książki czołowych naukowców tamtych czasów. Jednym z jego ulubionych autorów był Niels Bohr, który w 1922 roku otrzymał Nagrodę Nobla za badania nad strukturą atomu. W fizyce kwantowej model Bohra przedstawia strukturę atomu jako podobną do układu słonecznego. Wizualnie przypomina koło otoczone większymi kołami, wzór, który Vasarely wielokrotnie eksplorował w swojej sztuce.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ok. 1988. Serigrafia. 97,8 × 72,4 cm. Edycja 300 egzemplarzy. RoGallery. © Victor Vasarely

Budowanie argumentów

Dzięki podwójnemu studiowaniu sztuki i nauki Vasarely zaczął formułować teorię, że oba sposoby myślenia przecinają się w taki sposób, że gdy są postrzegane razem, mogą, jak mówił, „tworzyć wyobrażoną konstrukcję zgodną z naszą wrażliwością i współczesną wiedzą.” W 1929 roku zapisał się do Akademii Muhely w Budapeszcie, która wówczas była węgierskim odpowiednikiem Bauhausu. Jego studia skupiały się na koncepcji sztuki totalnej opartej na geometrii. Eksperymentował z abstrakcją geometryczną i zaczął rozumieć, jak złudzenia optyczne można tworzyć przez układanie geometrycznych kształtów i kolorów na dwuwymiarowej powierzchni. Porównanie jednego z jego obrazów z Akademii Muhely zatytułowanego Etudes Bauhaus C z obrazem z 1975 roku zatytułowanym Vonal-Stri ukazuje życiowe i niezmienne skupienie Vasarely’ego na możliwościach geometrii do wyrażania przecięcia nauki i sztuki.

Po opuszczeniu Akademii Muhely Vasarely przeprowadził się do Paryża, ożenił się i miał dwoje dzieci. Utrzymywał rodzinę jako grafik, realizując swoją sztukę nocą. Podczas gdy jego dzienna praca wymagała czystego, precyzyjnego stylu, jego praktyka artystyczna była otwarta na wyobraźnię. Rozwinął osobisty styl, w którym łączył oba te elementy. Przejawiało się to w jego obrazach z serii „Zebra” i „Harlequin”, do których wracał przez całe życie, oraz w obrazach takich jak „Szachownica.”

Victor Vasarely - Szachownica, 1975. Serigrafia. 80 × 76,2 cm. Edycja 300 egzemplarzy. RoGallery. © Victor Vasarely

Zły kierunek

Po 14 latach pracy na dwóch frontach w Paryżu Vasarely w końcu otrzymał swoją pierwszą dużą wystawę. Została ona tak dobrze przyjęta, że był przekonany, iż może poświęcić się sztuce na pełen etat. W tym czasie odszedł od stylu wizualnego, który tworzył. Podczas wakacji na wyspie w Bretanii zwrócił uwagę na to, jak fale wpływają na krajobraz, zwłaszcza jak zmieniają linię brzegową i kształtują kamienie. To spostrzeżenie skierowało go ku rodzajowi biomorficznej abstrakcji geometrycznej, gdy próbował nawiązać kontakt z wizualnym przejawem naturalnej geometrii świata organicznego.

Chociaż Vasarely później określił ten okres swojego życia jako „zły kierunek”, przyniósł on ważną ewolucję w jego twórczości. Dodał do swoich obrazów więcej zaokrąglonych elementów. Gdy powrócił do poprzedniego stylu geometrycznego, włączył do niego dynamiczne, zaokrąglone formy, które zdawały się wypuklać z obrazu lub zapadać się w jego powierzchnię. Sposób, w jaki te formy oszukiwały oko, sprawiał wrażenie ruchu obrazu. Ta kinetyczna iluzja, połączona z trójwymiarowością obrazów na płótnach Vasarely’ego, stała się podstawą ikonicznej estetyki, którą dziś nazywamy Op-Artem.

Victor Vasarely - Bez tytułu #8 (różowa i turkusowa kula). Serigrafia. 33 × 25,4 cm. Edycja 50 egzemplarzy. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Żółty Manifest

W 1955 roku Vasarely zaprezentował część swoich prac na wystawie sztuki kinetycznej zatytułowanej „Le Movement” w Paryżu. Towarzyszył temu esej zatytułowany Notatki do Manifestu. Wydrukowany na żółtym papierze, esej ten stał się znany jako Żółty Manifest. W nim Vasarely ogłosił: „Stoimy u progu wielkiej epoki.” Twierdził, że takie określenia jak malarstwo i rzeźba są przestarzałe, ponieważ artyści tacy jak Arp, Kandinsky, Mondrian i Calder zniszczyli sztuczne podziały między sztukami plastycznymi. Ogłosił, że ponieważ wszystkie zjawiska estetyczne są przejawami tego samego impulsu, nadszedł czas, by traktować wszystkie osiągnięcia artystyczne jako część „jednej plastycznej wrażliwości w różnych przestrzeniach.”

Wkład Vasarely’ego w tę „wielką epokę” jest widoczny, gdy patrzymy na obrazy, które tworzył w tym okresie życia. Jego prace całkowicie zmieniły doświadczenie widza wobec dzieła dwuwymiarowego. Stworzył wrażenie istnienia przestrzeni tam, gdzie jej nie było. Doświadczenie widza przeniosło się całkowicie do jego umysłu. Formy na płótnach Vasarely’ego są formalne i naukowe, a jednak interpretowane przez oko przyjmują cechy, które zdają się przeczyć naukowym faktom rzeczywistości przestrzennej.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Serigrafia na papierze Arches. 78,4 × 96,2 cm. Edycja 250 egzemplarzy. © Victor Vasarely

Plastyczny alfabet

W szczytowym okresie swojej popularności w latach 60. Vasarely stworzył dzieło, które stanowiło kulminację jego życia. Opisał to, co nazwał Plastycznym Alfabetem, symbolicznym językiem wizualnym opartym na formach geometrycznych i kolorach. Alfabet składał się z 15 form, opartych na wariantach koła, trójkąta i kwadratu, a każda forma występowała w 20 różnych odcieniach. Każda forma była przedstawiona w kwadratowej ramce, a kształt i jego otoczenie miały różne barwy. Plastyczny Alfabet można było układać w pozornie nieskończoną liczbę kombinacji i wykorzystywać do tworzenia nieograniczonej liczby obrazów.

Koncepcja, którą Vasarely wyraźnie sugerował swoim Plastycznym Alfabetem, polegała na tym, że dzięki jego zastosowaniu akt twórczy mógł być prowadzony w czysto naukowy sposób. Z jednej strony było to odczłowieczające, ponieważ przypominało programowanie, jak proto-sztuczna inteligencja, która mogłaby przejąć proces tworzenia sztuki. Z drugiej strony było to ucywilizowanie, ponieważ demokratyzowało i demistyfikowało proces twórczy, pozwalając każdemu zaangażować się w twórczą działalność estetyczną.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Serigrafia. 55,9 × 59,7 cm. Edycja 300 egzemplarzy. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Sztuka dla wszystkich

Właściwe jest, że wkład, z którego Vasarely jest najbardziej pamiętany, to forma przełomu. Jego prace wizualne nie tylko zniekształciły powierzchnię sztuki dwuwymiarowej, ale także jego idee i Plastyczny Alfabet zniekształciły powierzchnię kultury. Przyjaciele, współpracownicy i naśladowcy Vasarely’ego z entuzjazmem wspominają, że jednym z jego motywów było „sztuka dla wszystkich.” Cieszył się, widząc swoją sztukę na ubraniach, pocztówkach, produktach komercyjnych i reklamach. Przewidział, że w przyszłości jedynym sposobem, by sztuka pozostała ważna, będzie udział każdego człowieka w jej odbiorze.

Nie tylko widzimy echa sztuki Vasarely’ego w produktach współczesnej sztuki i wzornictwa, ale także widzimy echa jego filozofii w społeczności cyfrowej i globalnej kulturze, do której się przyczynił. Tworząc styl sztuki pięknej, który mógł mieć uniwersalny apel ponad sztucznymi podziałami społecznymi, Vasarely stworzył coś wyjątkowego: szczere i radosne doświadczenie estetyczne, które choć abstrakcyjne, może być łatwo odbierane przez każdego, kto potrafi widzieć. A być może jeszcze cenniejsze jest to, że podzielił wizję przyszłości, w której sztuka i nauka współpracują na rzecz ciekawszego i sprawiedliwszego świata.

Zdjęcie główne: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio