Historia za Kompozycją VII Wassily'ego Kandinsky'ego

„Kompozycja VII” (1913) autorstwa Wasilija Kandinskiego jest uważana przez wielu miłośników sztuki abstrakcyjnej za najważniejszy obraz XX wieku—może nawet za najważniejszy obraz abstrakcyjny, jaki kiedykolwiek stworzono. Jednak często, gdy ktoś patrzy na niego po raz pierwszy, reaguje negatywnie, wyrażając złość, frustrację lub nawet obrzydzenie. Niezaprzeczalnie jest to trudny obraz, szczególnie dla tych, którzy są nowi w sztuce abstrakcyjnej. Przede wszystkim jest ogromny, ma wymiary 200 x 300 centymetrów. Po drugie, powierzchnia jest całkowicie pokryta niezliczonymi nakładającymi się amorficznymi formami, pozornie przypadkowymi liniami i polem minowym kolorów, niektóre żywe, a inne rozmyte. Nic nie odnosi się do znanego świata naturalnego. Tylko iluzja głębi jest dostrzegalna, ale przestrzeń, w którą się cofa, nie ma żadnego podobieństwa do rzeczywistości. Obraz może łatwo wyglądać jak nonsens dla każdego, kto nie jest gotów podjąć wysiłku, aby rozwikłać jego tajemnice. Ale dla tych, którzy są gotowi studiować go z otwartym umysłem, „Kompozycja VII” może przynieść wystarczające intelektualne, wizualne, a nawet duchowe zyski, które wystarczą na całe życie. I nie przesadzam. Ten obraz naprawdę jest tak ważny dla niektórych ludzi—nie tylko ze względu na jego wizualne, fizyczne czy formalne cechy, ale dlatego, że dla Kandinskiego i tych, którzy go doceniają, „Kompozycja VII” stała się zrozumiana jako konkretna ucieleśnienie duchowej czystości w sztuce.

Schody do Siódemki

W latach 1910-1939 Kandinsky namalował 10 obrazów, którym nadał tytuł „Kompozycja”. Dziś przetrwało tylko siedem z tych obrazów, a pierwsze trzy zostały zniszczone podczas I wojny światowej. Jednak istnieją fotografie pierwszych trzech Kompozycji. Chociaż brakuje im informacji o kolorze, możemy z nich wywnioskować pewne wskazówki dotyczące istoty wizualnej podróży, w którą Kandinsky wyruszył, tworząc każdy z nich. Ta podróż początkowo polegała na przekształcaniu tradycyjnych krajobrazów i postaci w uproszczone, biomorficzne masy, a następnie na przekształcaniu tych mas w kształty i formy, które stawały się coraz bardziej abstrakcyjne. W „Kompozycji III”, na przykład, formy ludzi i zwierząt są nadal rozpoznawalne, krążące wokół, być może bawiące się lub być może walczące, lub jedno i drugie, w pewnym rodzaju sielankowego otoczenia. Ale potem w „Kompozycji IV” (1911) formy są prawie nierozpoznawalne. Kandinsky mówi nam, że na tym obrazie znajdują się postacie leżące w dolnym prawym rogu oraz dwie wieże stojące na wzgórzu w górnym prawym rogu, scenę, którą opisuje jako jednoczesną wojnę i pokój. Ale trudno byłoby mi dojść do tego wniosku bez jego wyjaśnienia.

Wassily Kandinski - Kompozycja VI, 1913. Olej na płótnie. 195 x 300 cm. Muzeum Ermitażu

„Kompozycja V” (1911) jest jeszcze bardziej abstrakcyjna, a jednak emocje, które wyraża, wydają się intensywniejsze niż w wcześniejszych Kompozycjach. W tym obrazie formy wciąż w pewnym stopniu odnoszą się do świata naturalnego, ponieważ lekko humanoidalne postacie i quasi-naturalne cechy, choć uproszczone, są rozproszone w całym obrazie. Niemal całkowicie abstrakcyjna jest jednak „Kompozycja VI”, którą Kandinsky namalował dwa lata po „Kompozycji V”. Jej najbardziej wyraźną cechą są linie, takie jak sześć równoległych linii w środku obrazu, które przypominają szyję gitary. To, co ten obraz reprezentuje, według Kandinsky'ego, to „Potop”, co oznacza biblijną historię Noego. Próbował destylować emocjonalne, psychologiczne i duchowe esencje tej historii – zniszczenie i stworzenie; strach i nadzieję – w wizualne badanie równowagi i harmonii. O „Kompozycji VI” napisał: „pierwotny motyw obrazu (Potop) został rozwiązany i przeniesiony do wewnętrznego, czysto malarskiego, niezależnego i obiektywnego istnienia.” Niemniej jednak obraz wciąż wyraźnie zawiera pewne elementy figuralne, które łączą jego język wizualny ze światem zewnętrznym.

Wyraz wewnętrznych uczuć

„Kompozycja VII” jest uważana za tak ważną, ponieważ jest to pierwszy raz, kiedy Kandinsky poczuł, że osiągnął ideał, dla którego nazwana została jego seria Kompozycji. W ostatnich akapitach ostatniego rozdziału swojej przełomowej książki, O duchowości w sztuce, którą Kandinsky opublikował w 1910 roku, opisuje trzy różne rodzaje artystycznej inspiracji. Pierwszy, który nazywa „impression” (wrażenie), opisuje jako bezpośrednie, artystyczne wrażenie zewnętrznej natury. Drugi, który nazywa „improvisation” (improwizacja), opisuje jako „nieświadome, spontaniczne wyrażenie”, podobne do późniejszej surrealistycznej praktyki automatycznego rysunku. Trzeci, który nazywa „composition” (kompozycja), opisuje jako „wyrażenie powoli formującego się wewnętrznego uczucia, które ujawnia się dopiero po długim dojrzewaniu.” Kiedy mowa o „Kompozycji VII”, kluczowe jest wyrażenie „długie dojrzewanie”. Kiedy malował „Kompozycję VII”, Kandinsky mieszkał w Monachium. Na podstawie historycznych zapisów, które prowadził w tym czasie, wiemy, że planował „Kompozycję VII” przez miesiące, tworząc ponad 30 wstępnych szkiców w różnych technikach. Każdy wstępny szkic prowadzi do obrazu, który jest całkowicie pozbawiony zarówno „impression”, jak i „improvisation.”

Wasilij Kandinski - Kompozycja VII, 1913. Olej na płótnie. 79 x 119 cali (200,6 x 302,2 cm). Galeria Tretiakowa

Krótko po ukończeniu tego etapu, Kandinsky został zmuszony przez wybuch I wojny światowej do powrotu do domu w Rosji. Przygnębiony wojną, przez lata ledwo malował. Minęło 10 lat, zanim wznowił swoją serię Kompozycji. "Kompozycja VIII" (1923) przekształca abstrakcyjne obrazy swojego poprzednika w czysto geometryczny język wizualny. "Kompozycja IX", która została ukończona dopiero w 1936 roku, nie jest czysto abstrakcyjna, ale ponownie wprowadza ideę "wrażenia" poprzez dodanie form kwiatowych i innych naturalnych obrazów. "Kompozycja X" (1939), która została ukończona pięć lat przed śmiercią Kandinsky'ego, jest wysoce symboliczna i również szokująco nowoczesna, nawet teraz. Jednak, chociaż każda z tych późniejszych Kompozycji, a także każda z sześciu, które ją poprzedzały, mogłaby być uznana za wizjonerską, to, co wyróżnia "Kompozycję VII", to fakt, że osiągając przemyślaną, metodyczną, dojrzałą i całkowitą abstrakcję, spełnia ostateczny ideał, który Kandinsky starał się osiągnąć, nie tylko w tej serii, ale we wszystkich swoich dziełach XX wieku. To pierwszy raz, kiedy Kandinsky osiągnął w malarstwie to, co uważał, że muzycy osiągają w muzyce: czystą translację uczuć w formalne elementy abstrakcyjne, które są zdolne do wyrażania ludzkiego ducha.

Obraz wyróżniony: Wassily Kandinski - Kompozycja V, 1911. Olej na płótnie. 74,8 x 108,2 in (190 x 275 cm). Kolekcja prywatna.
Wszystkie obrazy dzięki Wikimedia Commons.
Autor: Phillip Barcio