Rola biomorficznych kształtów w sztuce abstrakcyjnej

Biomorfizm pochodzi od greckich słów bio, oznaczającego życie, oraz morphe, oznaczającego formę. Nie oznacza to jednak formy życia. Raczej odnosi się do tendencji do wykazywania wyglądu lub cech żyjącej istoty. Choć brzmi to naukowo, najwcześniejsze użycie tego terminu miało na celu opisanie sztuki biomorficznej na wystawie Kubizmu i Sztuki Abstrakcyjnej w 1936 roku w MoMA. Napisany przez Alfreda H. Barra, katalog tej wystawy zdefiniował biomorfizm jako: „Krzywoliniowy, a nie prostoliniowy, dekoracyjny, a nie strukturalny oraz romantyczny, a nie klasyczny w swoim wywyższeniu mistycznego, spontanicznego i irracjonalnego.” Barr ukuł ten termin, aby wyjaśnić widzom naturę pewnego rodzaju abstrakcji, która pojawiała się w sztuce nowoczesnej od początku XX wieku. Abstrakcja biomorficzna włącza wizualny język oparty na kształtach biomorficznych — bulwiastych, bujnych, wspaniale wyglądających formach — które nie są ani reprezentacyjne, ani geometryczne, ale są niepokojąco znajome; ludzie je rozpoznają i łączą się z nimi na prymitywnym poziomie, choć nigdy ich wcześniej nie widzieli.

Korzenie biomorfizmu

Francuski filozof Henri Bergson po raz pierwszy wyraził koncepcje leżące u podstaw biomorfizmu na początku XX wieku. W tym czasie dominującą postawą klasy intelektualnej było przekonanie, że rozum i nauka są najlepszymi, jeśli nie jedynymi sposobami rozumienia rzeczywistego świata. Szczególnie popularnym sposobem patrzenia na świat była perspektywa teleologiczna. Teleologia stwierdza, że wszystko ma dwa rodzaje celów: naturalne, wrodzone lub wewnętrzne cele oraz nienaturalne, narzucone lub zewnętrzne cele. Na przykład wewnętrznym celem cebulki kwiatu byłoby wyrosnąć w kwiat. Zewnętrznym celem cebulki kwiatu byłoby generowanie dochodu dla właściciela sklepu z cebulkami kwiatów.

Henri Bergson wierzył, że cel nie jest ani wewnętrzny, ani zewnętrzny, lecz jest plastyczny, niepoznawalny, a być może nieistniejący w tym sensie, że nie można go obiektywnie zdefiniować. Wierzył, że intuicja, oparta na doświadczeniu i instynkcie, jest równie, jeśli nie bardziej, ważna niż nauka i logika. Wyjaśnił, że kreatywność rozwija się w taki sam sposób jak natura, poprzez procesy płodności, mutacji i to, co opisał jako nieprzewidywalną nowość. Czuł, że istnieje granica rozumu i tego, co można zaplanować, a przypadkowość jest niezbędna zarówno w świecie naturalnym, jak i w twórczej pracy artystów. Kluczowym elementem jego filozofii było automatyzm; idea, że naturalne systemy i twórcze jednostki mogą działać niezależnie i nieprzewidywalnie, bez precedensu czy wyjaśnienia.

Wassily Kandinsky - Study for Composition II, 1910. 97.5 x 130.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY, US

Sztuka biomorficzna

Pomysły, które zaproponował Bergson, były w wyraźnym kontraście do analitycznego sposobu, w jaki wielu artystów podchodziło do swojej pracy. Jednym z najwcześniejszych estetycznych przejawów naturalnych procesów opisanych przez Bergsona był obraz Le Bonheur de Vivre autorstwa Henri Matisse'a. Obraz jest figuratywny, ale abstrakcyjny. Przedstawia ludzi wypoczywających nago w raju przypominającym Eden. Biomorficzne formy tworzą naturalne otoczenie, a ludzkie postacie są korpulentne i organicznie wyglądające. Naturalne otoczenie wydaje się być w stanie zmiany, a wizualny język, który dzielą z postaciami ludzkimi, sugeruje, że ludzkość jest również związana z nieustannie ewoluującym stanem natury. Estetyka tego obrazu stanowiła fundament tego, co miało być uznawane za biomorficzną abstrakcję.

Abstrakcja biomorficzna była alternatywą dla wielu malarzy wobec intencjonalnego formalizmu, który dominował w precyzyjnych, geometrycznych tendencjach abstrakcyjnych stylów takich jak konstruktywizm i sztuka konkretna. Wassily Kandinsky był szczególnie zainteresowany duchowymi i muzycznymi aspektami sztuki abstrakcyjnej. Łączył formy biomorficzne z geometrycznymi liniami i kształtami w swoich najwcześniejszych, czysto abstrakcyjnych obrazach. Chociaż malarz Joan Miró twierdził, że jego obrazy nie są abstrakcyjne, lecz reprezentacyjne dla obrazów snów, które widział w swojej głowie, słynnie włączył również formy biomorficzne w swoim ikonicznym, idiosynkratycznym stylu.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (The Joy of Life), 1905-1906. Oil on canvas. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, US

Rzeźba biomorficzna

Niedługo po swoim pojawieniu się w malarstwie abstrakcyjnym, biomorfizm znalazł swoje miejsce w sztukach trójwymiarowych. Pierwszym biomorficznym rzeźbiarzem abstrakcyjnym był Jean Arp. Początkowo włączył kształty biomorficzne do swoich reliefów ściennych, które przypominały obiekty w kształcie jajek z formami gniazdującymi w formach. Następnie rozszerzył swoją działalność, tworząc biomorficzne obiekty rzeźbiarskie w ogromnej gamie kształtów i rozmiarów, stopniowo rozwijając ogromny język organicznych, naturalnych form w trakcie swojej kariery.

Język bulwiastych form, który stworzył Arp, stał się głęboką inspiracją dla dwóch brytyjskich rzeźbiarzy z połowy XX wieku, którzy naprawdę zdefiniowali język nowoczesnej biomorficznej rzeźby abstrakcyjnej. Pierwszym był Henry Moore, który używał biomorfizmu, aby wyrazić zasadnicze połączenie między naturą a ludzkością, i jest najlepiej znany ze swoich monumentalnych biomorficznych abstrakcji leżących postaci ludzkich. Drugą była Barbara Hepworth, która wykorzystała ogromną gamę materiałów i technik oraz znacznie rozszerzyła język biomorfizmu w swoim monumentalnym dorobku.

Joan Miró - Malarstwo, 1933. Olej na płótnie. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Surrealizm i Inna Morfa

Jednym z najbardziej wpływowych stylów, na które biomorfizm wywarł wpływ, był surrealizm. Yves Tanguy malował niepokojące, dziwnie realistyczne, a jednocześnie wyalienowane formy w swoich opustoszałych surrealistycznych krajobrazach. Ich surowe światło i nienaturalne otoczenie przywołują apokaliptyczne wyobrażenia, a same formy wydają się bardziej przypominać kości i szczątki niż życie samo w sobie. Tymczasem sączące się, kapiejące, nieustannie zmieniające się formy w obrazach Salvadora Dali zamieszkują przestrzeń gdzieś pomiędzy życiem a śmiercią. Nawet to, co wydaje się być zrobione z kamienia, grozi ożywieniem w jego sennej wizji.

Surrealistyczne wykorzystanie form biomorficznych dodaje dodatkową warstwę interpretacyjną do badań nad biomorficzną sztuką abstrakcyjną. Ci malarze mieli szczególną więź z rdzeniem słowa morphe. W mitologii greckiej Hypnos jest bogiem snu. Jego syn nazywa się Morfeusz i jest bogiem snów. Surrealizm opierał się na badaniach nad podświadomością i był w dużej mierze inspirowany światem snów. W tym sensie był ostateczną manifestacją biomorfizmu, ponieważ opierał się na prawdziwym automatyzmie, doskonałym wyrazie wolności i nieprzewidywalnej nowości, a także zamieszkiwał królestwo Morfeusza, boga snów. 

Współczesna tradycja biomorficzna

Dziś formy biomorficzne znalazły swoje miejsce w ogólnym leksykonie estetycznym sztuki abstrakcyjnej, a wielu współczesnych artystów włącza tradycje biomorfizmu do swojej twórczości. Mieszkający w Los Angeles malarz abstrakcyjny Gary Paller bezpośrednio bada te tradycje, tworząc intuicyjne, warstwowe kompozycje organicznych form, które wydają się zagnieżdżać razem, pochłonięte rytmami procesu i ewolucji. A urodzony w Bostonie nowojorski artysta Dana Gordon włącza wzory biomorficzne do swoich badań nad bardziej formalnymi abstrakcyjnymi zagadnieniami, takimi jak kolor, struktura i linia.

Choć myślenie o biomorfizmie powstało jako reakcja przeciwko racjonalności i nauce, ewolucja biomorfizmu w sztuce pomogła nam uświadomić sobie, że ludzie nie muszą już wybierać między rozumem a instynktem. Pomogła nam połączyć racjonalną, analityczną stronę naszej natury z niesamowitą, naturalną urodą tego, co Alfred H. Barr nazwał „mistycznym, spontanicznym i irracjonalnym” światem biomorficznym.

Obraz wyróżniony: Yves Tanguy - Czekam na Ciebie, 1934. Olej na płótnie. 28 1/2 x 45 cali. (72,39 x 114,3 cm) Ramka: 35 × 50 × 1 cal. (88,9 × 127 × 2,54 cm). Kolekcja LACMA
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio