Rola biomorficznych kształtów w sztuce abstrakcyjnej

Biomorfizm pochodzi od greckich słów bio, oznaczającego życie, oraz morphe, oznaczającego formę. Nie oznacza jednak formy życia. Oznacza raczej tendencję do ukazywania wyglądu lub cech istoty żywej. Choć brzmi to naukowo, najwcześniejsze użycie tego terminu miało opisać sztukę biomorficzną na wystawie Kubizmu i Sztuki Abstrakcyjnej w 1936 roku w MoMA. Katalog tej wystawy, napisany przez Alfreda H. Barra, definiował biomorfizm jako „krzywoliniowy raczej niż prostoliniowy, dekoracyjny raczej niż strukturalny i romantyczny raczej niż klasyczny w swoim wywyższaniu mistycznego, spontanicznego i irracjonalnego.” Barr ukuł ten termin, aby wyjaśnić widzom naturę pewnego rodzaju abstrakcji, która pojawiała się w sztuce nowoczesnej od początku XX wieku. Biomorficzna abstrakcja wykorzystuje język wizualny oparty na biomorficznych kształtach — bulwiastych, bujnych, okazałych formach — które nie są ani przedstawicielskie, ani geometryczne, ale są niesamowicie znajome; ludzie rozpoznają je i łączą się z nimi na pierwotnym poziomie, choć nigdy ich wcześniej nie widzieli.

Korzenie biomorfizmu

Francuski filozof Henri Bergson po raz pierwszy wyraził idee leżące u podstaw biomorfizmu na początku XX wieku. Wówczas panujące wśród klasy intelektualnej przekonanie było takie, że rozum i nauka są najlepszym, jeśli nie jedynym sposobem rozumienia rzeczywistego świata. Szczególnie popularnym sposobem patrzenia na świat była perspektywa teleologiczna. Teleologia stwierdza, że wszystko ma dwa rodzaje celów: naturalne, wrodzone lub wewnętrzne cele oraz nienaturalne, narzucone lub zewnętrzne cele. Na przykład wewnętrznym celem cebulki kwiatowej byłoby wyrośnięcie w kwiat. Zewnętrznym celem cebulki kwiatowej byłoby generowanie dochodu dla właściciela sklepu z cebulkami kwiatowymi.

Henri Bergson uważał, że cel nie jest ani wewnętrzny, ani zewnętrzny, lecz jest plastyczny, niepoznawalny i być może nieistniejący w sensie, że nie można go obiektywnie zdefiniować. Wierzył, że intuicja, oparta na doświadczeniu i instynkcie, jest równie ważna, jeśli nie ważniejsza niż nauka i logika. Wyjaśniał, że kreatywność rozwija się tak samo jak natura, poprzez procesy płodności, mutacji i to, co określił jako nieprzewidywalną nowość. Uważał, że istnieje granica rozumu i tego, co można zaplanować, a przypadkowość jest niezbędna zarówno w świecie naturalnym, jak i w twórczości artystów. Kluczowym elementem jego filozofii był automatizm; idea, że naturalne systemy i twórcze jednostki mogą działać niezależnie i nieprzewidywalnie, bez precedensu czy wyjaśnienia.

Wassily Kandinsky - Studium do Kompozycji II, 1910. 97,5 x 130,5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork, NY, USA

Sztuka biomorficzna

Pomysły zaproponowane przez Bergsona były w wyraźnej sprzeczności z analitycznym podejściem wielu artystów do ich pracy. Jednym z najwcześniejszych estetycznych przejawów naturalnych procesów opisanych przez Bergsona było malarstwo Le Bonheur de Vivre autorstwa Henriego Matisse’a. Obraz jest figuratywny, ale abstrakcyjny. Przedstawia ludzi wypoczywających nago w rajskim Edenie. Biomorficzne formy tworzą naturalne otoczenie, a ludzkie sylwetki są pełne i organiczne. Naturalne otoczenie zdaje się być w stanie przemiany, a język wizualny, który dzielą z postaciami ludzkimi, sugeruje, że ludzkość jest również związana z nieustannie ewoluującym stanem natury. Estetyka tego obrazu stanowiła fundament tego, co później uznano za biomorficzną abstrakcję.

Biomorficzna abstrakcja była dla wielu malarzy alternatywą wobec celowego formalizmu, który dominował w precyzyjnych, geometrycznych tendencjach abstrakcyjnych stylów takich jak konstruktywizm i sztuka konkretna. Wassily Kandinsky szczególnie interesował się duchowymi i muzycznymi aspektami sztuki abstrakcyjnej. Łączył biomorficzne formy z geometrycznymi liniami i kształtami w swoich najwcześniejszych, czysto abstrakcyjnych obrazach. Chociaż malarz Joan Miró nalegał, że jego obrazy nie są abstrakcyjne, lecz przedstawiają obrazy snów, które widział w głowie, słynnie włączał również biomorficzne formy w swój ikoniczny, osobliwy styl.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (Radość życia), 1905-1906. Olej na płótnie. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, USA

Rzeźba biomorficzna

Krótko po pojawieniu się w obrazach abstrakcyjnych, biomorfizm znalazł swój wyraz w sztukach trójwymiarowych. Pierwszym biomorficznym rzeźbiarzem abstrakcyjnym był Jean Arp. Początkowo włączał biomorficzne kształty do swoich płaskorzeźb ściennych, które przypominały obiekty w kształcie jaj z formami zagnieżdżonymi w formach. Następnie rozszerzył działalność na tworzenie biomorficznych obiektów rzeźbiarskich w ogromnym zakresie kształtów i rozmiarów, stopniowo rozwijając ogromny język organicznych, naturalnych form w trakcie swojej kariery.

Język bulwiastych form stworzony przez Arpa stał się głęboką inspiracją dla dwóch brytyjskich rzeźbiarzy z połowy XX wieku, którzy naprawdę zdefiniowali język modernistycznej biomorficznej rzeźby abstrakcyjnej. Pierwszym był Henry Moore, który używał biomorfizmu, aby wyrazić zasadnicze powiązanie między naturą a człowieczeństwem, i jest najbardziej znany ze swoich monumentalnych biomorficznych abstrakcji leżących postaci ludzkich. Drugą była Barbara Hepworth, która wykorzystała ogromną gamę materiałów i technik, znacznie rozszerzając język biomorfizmu w swoim monumentalnym dorobku.

Joan Miró - Obraz, 1933. Olej na płótnie. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Surrealizm i inna forma

Jednym z najbardziej wpływowych stylów, na które biomorfizm wywarł wpływ, był surrealizm. Yves Tanguy malował niesamowite, dziwnie żywe, a jednocześnie wyobcowane formy w swoich ponurych surrealistycznych krajobrazach. Ich ostre światło i nienaturalne otoczenie wywołują apokaliptyczne skojarzenia, a same formy wydają się bardziej kośćmi i szczątkami niż życiem. Tymczasem płynące, kapiące, ciągle zmieniające się formy w obrazach Salvadora Dalí zamieszkują przestrzeń gdzieś pomiędzy życiem a śmiercią. Nawet to, co wydaje się być z kamienia, grozi ożywieniem w jego onirycznych obrazach.

Surrealistyczne użycie biomorficznych form dodaje dodatkową warstwę interpretacyjną do badania biomorficznej sztuki abstrakcyjnej. Ci malarze mieli szczególny związek z rdzeniem słowa morphe. W mitologii greckiej Hypnos jest bogiem snu. Jego syn nazywa się Morfeusz i jest bogiem snów. Surrealizm opierał się na badaniu podświadomości i był silnie inspirowany światem snów. W tym sensie był ostatecznym przejawem biomorfizmu, ponieważ opierał się na prawdziwym automatyzmie, doskonałym wyrazie wolności i nieprzewidywalnej nowości, a także zamieszkiwał sferę Morfeusza, boga snów.

Współczesna tradycja biomorficzna

Dziś biomorficzne formy znalazły miejsce w ogólnym estetycznym słowniku sztuki abstrakcyjnej, a wielu współczesnych artystów włącza tradycje biomorfizmu do swojej twórczości. Abstrakcyjny malarz z Los Angeles Gary Paller bada te tradycje bezpośrednio, tworząc intuicyjne, warstwowe kompozycje organicznych form, które zdają się zagnieżdżać razem, pochłonięte rytmami procesu i ewolucji. Natomiast artysta z Bostonu, działający w Nowym Jorku, Dana Gordon wplata biomorficzne wzory w swoje eksploracje bardziej formalnych zagadnień abstrakcyjnych, takich jak kolor, struktura i linia.

Chociaż podstawowe myślenie stojące za biomorfizmem wyłoniło się jako reakcja przeciwko racjonalności i nauce, rozwój biomorfizmu w sztuce pomógł nam zrozumieć, że ludzie nie muszą już wybierać między rozumem a instynktem. Pomógł nam połączyć racjonalną, analityczną stronę naszej natury z niesamowitym, naturalnym pięknem tego, co Alfred H. Barr nazwał „mistycznym, spontanicznym i irracjonalnym” światem biomorficznym.

Zdjęcie wyróżnione: Yves Tanguy - Czekam na ciebie, 1934. Olej na płótnie. 72,39 x 114,3 cm. Rama: 88,9 × 127 × 2,54 cm. Kolekcja LACMA
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio