Bardzo malarscy abstrakcyjni artyści: Nowi alchemicy

W swoim studiu w Heidelbergu Arvid Boecker (na zdjęciu) metodycznie zdziera farbę z płótna za pomocą rakla do sitodruku. Warstwa po warstwie buduje to, co nazywa "archeologią koloru." Osiem tysięcy kilometrów dalej, w swoim amerykańskim studiu, Clay Johnson robi to samo za pomocą narzędzi do płyt gipsowo-kartonowych, czasem niszcząc i odbudowując ten sam fragment trzydzieści razy. Tymczasem w Brukseli Janise Yntema podgrzewa wosk pszczeli do dokładnie odpowiedniej temperatury palnikiem, dodając kolejną przezroczystą warstwę do miesięcy nagromadzonej pracy.

Ci artyści nigdy się nie spotkali, a jednak dzielą obsesję, która staje się coraz rzadsza we współczesnej sztuce: przekonanie, że sama farba — jej ciężar, faktura i fizyczna obecność — posiada niezastąpioną moc.

Clay Johnson, After Midnight,  2020

Zanikająca sztuka cierpliwości

Żyjemy w epoce artystycznych skrótów. Narzędzia cyfrowe obiecują natychmiastowe rezultaty. Nowe techniki pojawiają się co tydzień, świętowane jedynie za nowość. Świat sztuki, jak wszystko inne, został uwiedziony przez szybkość i wygodę. Tradycyjne techniki malarskie — powolne, pracochłonne, bezlitosne — wydają się niemal anachroniczne.

A jednak rozsiani po pracowniach od Niemiec po Kalifornię, od Belgii po Holandię, niektórzy artyści nadal przesuwają farbę po płótnach z oddaniem średniowiecznych rzemieślników. Reprezentują to, co moglibyśmy nazwać Bardzo malarską sztuką abstrakcyjną, praktykę definiowaną nie przez wspólną estetykę, lecz przez wspólne przekonanie: że fizyczna manipulacja farbą tworzy coś, czego żaden proces cyfrowy nie potrafi odtworzyć.

To nie jest nostalgia. To opór.

Janise Yntema, Murmur, 2015

Co sprawia, że sztuka jest "Bardzo malarska"?

Obserwuj, jak pracuje Clay Johnson , i od razu zrozumiesz. On nie używa pędzli - zbyt delikatne, zbyt przewidywalne. Zamiast tego atakuje swoje płótno nożami do palety i narzędziami budowlanymi, zdzierając, budując, niszcząc, odbudowując. Jego farba akrylowa schnie na tyle szybko, że może reagować na każdą warstwę w miarę jej powstawania, tworząc powierzchnie tak przetworzone, że zbliżają się do rzeźby.

Lub obserwuj Martina Nehrling metodyczne gromadzenie impastowych śladów, każdy starannie nałożony pociągnięcie pędzla trzymające się sąsiedniego niczym elementy architektoniczne. Jej czyste, nieprzezroczyste kolory tworzą hipnotyczne wzory, które zdają się wibrować fizyczną energią.

To, co łączy tych artystów, to nie styl — ich ukończone dzieła wyglądają niezwykle różnie. Łączy ich proces: obsesyjne zaangażowanie w farbę jako materiał, powierzchnię jako temat, czas widoczny poprzez nagromadzone warstwy.

Martina Nehrling, Apophis, 2024

Cztery filary Very Painterly Art

Poprzez uważną obserwację ich praktyk wyłaniają się cztery fundamentalne zasady definiujące Very Painterly Abstract Art. To nie są reguły, lecz obsesje, siły napędowe kształtujące każdą decyzję w pracowni.

Uczciwość materiału

Ci artyści nie próbują sprawić, by farba wyglądała jak coś innego. Yari Ostovany celebruje sposób, w jaki pigment się rozpuszcza, pokrywa, zdziera, znów rozpuszcza. Danny Giesbers buduje przezroczyste warstwy tworzące luminescencyjne pola, każdy pociągnięcie odgrywa kluczową rolę w ogólnej kompozycji, której ukończenie zajęło miesiące. Farba może być farbą — gęstą, nieprzezroczystą, upartą, piękną sama w sobie.

Głębokość czasowa

Każda warstwa to decyzja, moment w czasie, odpowiedź na to, co było wcześniej. Powierzchnie przypominające reliefy Jeremy Annear stają się archeologicznymi miejscami podejmowania twórczych decyzji. Możesz odczytać historię każdego obrazu w jego topografii — gdzie artysta budował, zdzierał, zmieniał kierunek, znajdował rozwiązanie.

Zaangażowanie fizyczne

Te dzieła wymagają ciał, nie tylko umysłów. Robert Niesse buduje i niszczy wiele kolorowych sekcji poprzez złożone procesy fizyczne. Emily Berger pracuje z gesturalnymi, poziomymi pasmami, angażując całe swoje ciało przy każdym znaku. Obrazy noszą ślady ludzkiego wysiłku, których nie mógłby powtórzyć żaden asystent, ani zasymulować żaden proces cyfrowy.

Opór wobec reprodukcji

Być może najważniejsze jest to, że tych dzieł nie da się w pełni docenić przez ekrany. Wymagają fizycznej obecności, by je w pełni zrozumieć. W naszej erze Instagrama stanowi to odważne artystyczne oświadczenie: niektórych doświadczeń nie da się zdigitalizować, niektórych przyjemności nie da się dzielić wirtualnie.

Jeremy Annear, Cascading Lines, 2013

Odwaga anakronizmu

W 2025 roku potrzeba odwagi, by pracować w ten sposób. Podczas gdy inni artyści eksplorują współpracę z AI, możliwości NFT i spektakularne instalacje, ci malarze wycofują się do swoich pracowni na miesiące samotnej pracy. Stosują techniki, które nie oferują skrótów, natychmiastowej satysfakcji ani potencjału wirusowego.

Obrazy Arvid Boecker powstają poprzez cierpliwą konstrukcję — najpierw szkicuje kompozycję ołówkiem, potem rozwija kolory i warstwy przez długie okresy. Każde dzieło staje się topograficzną mapą trwałej uwagi. W kulturze, która nagradza natychmiastowość, on upiera się przy ostateczności.

Janise Yntema pracuje z woskiem encaustic, techniką dosłownie starożytną — używaną przez Rzymian, doskonaloną przez tysiąclecia. W swoim studio nakłada naturalny wosk pszczeli i żywicę na drewniane panele, używając ciepła jako aktywnego rozpuszczalnika. Poprzez powolne nakładanie półprzezroczystych warstw tworzy obrazy, w których samo światło staje się kompozycyjnie obecne. Jej proces wymaga tego, co nazywa "alchemicznym tańcem między kontrolowanym a niekontrolowanym" — przeciwieństwem cyfrowej przewidywalności.

Danny Giesbers, Neon 1 (po lewej) i Dan Flavin (po prawej), 2020

Historyczne Echa, Współczesna Pilność

To podejście łączy się z wybitnymi poprzednikami. Obrazy z użyciem rakli Gerharda Richtera pokazują ostateczny dialog między kontrolą a przypadkiem poprzez mocno przetworzone powierzchnie. Frank Auerbach i Leon Kossoff przekształcili impasto w relief rzeźbiarski. Anselm Kiefer włączył piasek, popiół i pamięć do powierzchni niosących ciężar historii.

Ale dzisiejsi artyści Very Painterly Abstract stoją przed innym kontekstem kulturowym. Tam, gdzie ich poprzednicy walczyli z dominacją fotografii i mediów masowych, ci artyści walczą z dominacją samej kultury cyfrowej. Nie tworzą tylko obrazów; zachowują sposób myślenia, tryb zaangażowania, rodzaj doświadczenia.

Emily Berger, Old Flame (po lewej) i Red Dream (po prawej), 2022

Międzynarodowa Wytrwałość

Niezwykłe jest to, jak to zaangażowanie pojawia się w różnych kulturach i na kontynentach. Danny Giesbers w Holandii rozwija podejścia algorytmiczne połączone z spontanicznym znakowaniem. Jego seria "Shifts" zawiera farby fosforescencyjne, które zmieniają się w zależności od warunków oświetleniowych — mocno przetworzona powierzchnia staje się uczestnikiem własnej ciągłej ewolucji.

Emily Berger nakłada warstwy farby olejnej na drewniane panele w Kalifornii, tworząc dynamikę push-pull poprzez kolory dopełniające, które nadają jej kompozycjom subtelną świetlistość. Poprzez zdzieranie i rozcieranie łączy gest Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego z współczesną świadomością materiału.

Robert Niesse buduje błyszczące warstwy przeplatane silnymi charakterystycznymi znakami, tworząc to, co opisuje jako "brutalny kontekst i konkluzję kompozycji kolorystycznych." Jego systematyczne, a zarazem intuicyjne podejście odzwierciedla tło projektowe, jednocześnie obejmując spontaniczny ekspresjonizm abstrakcyjny.

Każdy artysta wnosi kulturową specyfikę do wspólnej obsesji na punkcie materiału, wzbogacając słownictwo przy jednoczesnym zachowaniu istotnego zaangażowania w mocno opracowane powierzchnie i głębię czasową.

Yari Ostovany, Tu się spotykamy (Dla Johna Bergera), 2015

Dlaczego to jest teraz ważne

Broniąc Very Painterly Abstract Art, bronimy czegoś więcej niż estetycznych preferencji. Bronimy wartości trwałego zaangażowania, procesów, których nie da się przyspieszyć, doświadczeń, których nie da się zdigitalizować.

Ci artyści przypominają nam, że pomimo postępu technologicznego, coś niezastąpionego istnieje w bezpośredniej, fizycznej manipulacji materiałami. Ich mocno opracowane powierzchnie stoją jako pomniki ludzkiej kreatywności — zapisy trwałego zaangażowania między artystą a medium, których żaden proces cyfrowy nie jest w stanie powielić.

Rynek dostrzega tę niezastąpioność. Niektórzy kolekcjonerzy poszukują dzieł, które wymagają fizycznej obecności dla pełnego zrozumienia, obrazów, które ujawniają nowe detale przy każdym oglądaniu, powierzchni zmieniających się wraz ze światłem i perspektywą. Very Painterly Abstract artists zapewniają dokładnie takie doświadczenie.

Robert Niesse, 2121-6, 2024

Przyszłość oporu

W miarę jak kultura cyfrowa staje się coraz bardziej wszechobecna, Very Painterly Abstract Art staje się cenniejsza — nie jako historyczna ciekawostka, lecz jako współczesna konieczność. Ci artyści nie zachowują przeszłości; zapewniają, że pewne rodzaje ludzkiego doświadczenia pozostają możliwe.

Reprezentują ostatnich alchemików w epoce natychmiastowości, przekształcających surowce w niezastąpione doświadczenia poprzez czas, cierpliwość i fizyczne zaangażowanie. Ich pracownie stają się sanktuariami, gdzie możliwe są inne relacje z czasem i tworzeniem.

Świętując tych artystów, świętujemy nie tylko indywidualne osiągnięcia, ale także ciągłą żywotność praktyk, które odmawiają kompromisu z pośpiechem. Zapewniają, że malarstwo pozostaje nie tylko istotne, ale i niezbędne, oferując coś coraz rzadszego: możliwość spotkania fizycznych śladów trwałej ludzkiej myśli i uczuć.

Ich grube warstwy farby niosą więcej niż pigment: niosą przekonanie, że niektórych rzeczy nie można przyspieszyć, zdigitalizować ani uprościć. W naszej przyspieszonej epoce nalegają na zwolnienie tempa. W naszym wirtualnym świecie domagają się fizycznej obecności. W naszej epoce nieskończonej reprodukcji tworzą to, co niezastąpione.

To jest ich odwaga, ich dar i ich dziedzictwo.

Obraz wyróżniony: Arvid Boecker, od lewej do prawej: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Za zgodą artysty.