Pięć godnych uwagi rzeźb Anthony'ego Caro

Kiedy zmarł w 2013 roku, Anthony Caro był uważany za najbardziej wpływowego brytyjskiego rzeźbiarza swojego pokolenia. Jego wpływ wynikał zarówno z jego pracy, jak i z nauczania. Dwa dni w tygodniu, od 1953 do 1981 roku, uczył w St Martin's School of Art w Londynie. Tam jednym z jego głównych innowacji było połączenie zajęć z rzeźby i rysunku, zmieniając fokus lekcji z kopiowania tematów na „rozumienie ich”. Ta sama perspektywa definiowała również jego pracę jako artysty. Na początku kopiował swoje rzeźby z życia. Formował swoje wczesne prace lub rzeźbił je w kamieniu, a następnie umieszczał je na postumentach w tradycyjny sposób. Ale w 1960 roku nagle przeszedł do tworzenia niefiguratywnych, abstrakcyjnych rzeźb z metalu, które umieszczał bezpośrednio na podłodze. Zamiast postrzegać, że te prace są oddzielone od ich otoczenia, widzowie czuli się związani z dziełem i mogli nawet chodzić wokół niego, obserwując zmiany w jego wyglądzie w miarę poruszania się. Jego celem było zrozumienie, a następnie wyrażenie abstrakcyjnej istoty jego tematów, co również doprowadziło go do wniosku, że powinien używać znalezionych obiektów i materiałów w swojej pracy. Czuł, że to są rzeczy nowoczesnego życia codziennego. Wewnętrzne znaczenie, które zawierają, mówi wiele nowoczesnym widzom. Jego ewolucja jako artysty sprawiła, że Caro był doskonałym mostem między artystami takimi jak Marcel Duchamp, który jako pierwszy zestawił gotowe obiekty z codziennego życia w rzeźby, a współczesnymi artystami takimi jak Jessica Stockholder, którzy rozwijają ten koncept w tworzeniu dużych doświadczeń percepcyjnych, które redefiniują ludzkie relacje z przestrzenią. Dziedzictwo, które Caro pozostawił, to nieustanna inwencja, a oto pięć jego najbardziej znaczących dzieł:

Kobieta budząca się (1955)

Caro nauczył się rzeźbić z natury podczas studiów w Royal Academy w Londynie. Uczono go bezpośredniego kopiowania rzeźb greckich, rzymskich i etruskich artystów. Po ukończeniu studiów przeniósł się z Londynu do Hertfordshire, gdzie infamously zadzwonił do Henry'ego Moore'a, wielkiego modernisty, rzeźbiarza biomorficznego, i poprosił o stanowisko asystenta w jego pracowni. Moore go odmówił, ale powiedział, żeby wrócił za sześć miesięcy. Caro wrócił i dostał pracę. Mimo szacunku do Moore'a, Caro zmagał się zarówno z jego akademickim wykształceniem, jak i wpływem, jaki Moore na niego wywarł. Kiedy Caro otrzymał swoją pierwszą wystawę solową w 1956 roku, te podwójne wpływy były w pełni widoczne, szczególnie w najbardziej komentowanej rzeźbie na wystawie: „Kobieta budząca się” (1955). Poza kobiety niewątpliwie przypomina te leżące formy żeńskie, które rzeźbił Moore, podczas gdy heroiczne właściwości fizyczne i emocjonalne dzieła przywołują wiele klasycznych odniesień.

Dwadzieścia Cztery Godziny (1960)

Mimo wewnętrznej walki o znalezienie oryginalnego głosu, rzeźby figuratywne, które tworzył Caro, były dobrze przyjęte przez publiczność. Jedna z nich została wystawiona na Biennale w Wenecji w 1958 roku, a inna zdobyła nagrodę za rzeźbę na Biennale w Paryżu w 1959 roku. Jednakże, ta sława również wprowadziła go w kontakt z wpływowymi artystami abstrakcyjnymi z Stanów Zjednoczonych, takimi jak Helen Frankenthaler, Kenneth Noland i Robert Motherwell. Jego interakcja z nimi karmiła jego własny instynktowny pęd ku abstrakcji i zachęcała go do zdobycia pewności siebie, aby dokonać dramatycznej zmiany w swoim stylu. Jego nowe podejście po raz pierwszy ujawniło się w 1960 roku w dziele „Dwadzieścia Cztery Godziny”. Sukces tego utworu skłonił go do radykalnej przebudowy swojego programu nauczania, stawiając go na czołowej pozycji brytyjskiej awangardy akademickiej.

Wczesnym rankiem (1962)

W 1963 roku Whitechapel Gallery w Londynie zorganizowała wystawę indywidualną piętnastu abstrakcyjnych rzeźb autorstwa Caro, wystawę, która wyniosła go na międzynarodową scenę artystyczną. Dla wielu widzów wnętrze galerii wyglądało, jakby trwała budowa — metalowe formy zdawały się być porozrzucane, czekając na zewnętrzną powłokę. Wśród innych form znajdowała się duża, świetlista, czerwona kompozycja ze stali i aluminium zatytułowana „Wczesnym rankiem” (1962). Kształty, linie i kąty spotykały się, tworząc tę nieokreśloną formę: wyraźnie będącą wynikiem intelektualnych decyzji; wyborów, a nie przypadków. Każda perspektywa, z której dzieło jest oglądane, oferuje nowe możliwości. To nie jest wsparcie dla innej struktury, lecz raczej wsparcie dla ezoterycznej podróży, której celem jest po prostu patrzeć i marzyć.

Żółta huśtawka (1965)

Kiedy Caro po raz pierwszy podróżował do Ameryki w 1959 roku, jednym z najbardziej wpływowych kontaktów, które nawiązał, był rzeźbiarz David Smith, abstrakcyjny ekspresjonista, który już wówczas pracował z metalem spawanym. Smith i Caro stali się zarówno przyjaciółmi, jak i rywalami. Caro stworzył rzeźbę „Żółty Huśtawka” (1965) w roku, w którym Smith zginął w wypadku samochodowym. Wielowartościowe właściwości dzieła pozwalają na pozornie nieskończone interpretacje wizualne, gdy widz porusza się wokół niego. Pusta przestrzeń jest włączona do kompozycji i czasami wywiera percepcyjną władzę nad solidnymi materiałami. Jego żywe użycie koloru wyraża pragnienie, o którym Caro kiedyś mówił, że w jakiś sposób on i jego współcześni mogą być postrzegani jako spadkobiercy ducha impresjonizmu — strażnicy rewolucyjnej postawy eksperymentalnej.

Emma Dipper (1977)

W 1977 roku Caro znalazł się w trudnej sytuacji, gdy zdał sobie sprawę, że z odległego studia w Saskatchewan w Kanadzie, gdzie przyszedł pracować tymczasowo, nie ma dostępu do swoich zwykłych materiałów. W związku z tym dostosował swoją praktykę, aby włączyć rodzaj cienkiego metalu, który był używany lokalnie do zastosowań rolniczych. „Emma Dipper” (1977) była pierwszą rzeźbą, którą wykonał z tego materiału. Nazwana jest na cześć Jeziora Emma, gdzie znajdowało się jego studio. Dzieło to zostało opisane jako skromne, ponieważ de-emfatyzuje samą rzeźbę. Cienkie metalowe linie schodzą na dalszy plan w porównaniu do kształtów, które tworzą z pustych przestrzeni wewnątrz i wokół pracy. Rzeźba jest jak uosobienie taoistycznej zagadki, że pojemnik jest tylko pustą formą, a jednak to pustka wewnątrz jest tym, co uważamy za użyteczne.

Obraz wyróżniający: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Malowana stal Kolekcja. Dzięki Barford Sculptures Ltd

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio