Pięć godnych uwagi rzeźb Anthony'ego Caro

Kiedy zmarł w 2013 roku, Anthony Caro był uważany za najbardziej wpływowego brytyjskiego rzeźbiarza swojego pokolenia. Jego wpływ wynikał zarówno z jego twórczości, jak i z nauczania. Dwa dni w tygodniu, od 1953 do 1981 roku, uczył w St Martin's School of Art w Londynie. Tam jedną z jego głównych innowacji było połączenie zajęć z rzeźby i rysunku, zmieniając nacisk lekcji z kopiowania tematów na „zrozumienie ich”. Ta sama perspektywa definiowała również jego pracę jako artysty. Na początku kopiował swoje rzeźby z natury. Formował swoje wczesne dzieła lub rzeźbił je w kamieniu i umieszczał je na piedestałach w tradycyjny sposób. Jednak w 1960 roku nagle przeszedł do tworzenia niefiguratywnych, abstrakcyjnych rzeźb z metalu, które stawiał bezpośrednio na podłodze. Zamiast postrzegać te dzieła jako oddzielone od otoczenia, widzowie czuli z nimi więź i mogli nawet chodzić wokół nich, obserwując zmiany w ich wyglądzie podczas ruchu. Jego celem było zrozumienie, a następnie wyrażenie abstrakcyjnej istoty swoich tematów, co doprowadziło go do wniosku, że powinien używać znalezionych przedmiotów i materiałów w swojej pracy. Uważał, że są to rzeczy codziennego życia współczesnego człowieka. Ich wewnętrzne znaczenie mówi wiele współczesnym widzom. Ewolucja Caro jako artysty uczyniła go doskonałym pomostem między artystami takimi jak Marcel Duchamp, który jako pierwszy tworzył rzeźby z gotowych przedmiotów codziennego użytku, a współczesnymi artystami takimi jak Jessica Stockholder, którzy rozwijają tę koncepcję, tworząc wielkoskalowe doświadczenia percepcyjne redefiniujące ludzkie relacje z przestrzenią. Dziedzictwo, które pozostawił Caro, to nieustanne wynalazcze poszukiwania, a oto pięć jego najważniejszych dzieł:

Kobieta budząca się (1955)

Caro nauczył się rzeźbić z natury podczas studiów w Royal Academy w Londynie. Uczył się bezpośredniego kopiowania rzeźb artystów greckich, rzymskich i etruskich. Po ukończeniu studiów przeprowadził się z Londynu do Hertfordshire, gdzie słynnie zadzwonił bez zapowiedzi do Henry’ego Moore’a, wielkiego modernistycznego rzeźbiarza biomorficznego, prosząc o stanowisko asystenta w jego pracowni. Moore odmówił, ale powiedział, by wrócił za sześć miesięcy. Caro wrócił i dostał pracę. Mimo szacunku dla Moore’a, Caro zmagał się zarówno z akademickim wykształceniem, jak i wpływem, jaki Moore na niego wywarł. Gdy w 1956 roku Caro otrzymał swoją pierwszą indywidualną wystawę, te dwa wpływy były w pełni widoczne, zwłaszcza w najbardziej komentowanej rzeźbie na wystawie: „Kobieta budząca się” (1955). Poza kobiety niewątpliwie przypomina leżące kobiece formy rzeźbione przez Moore’a, podczas gdy heroiczne cechy fizyczne i emocjonalne dzieła przywołują wiele klasycznych odniesień.

Dwadzieścia cztery godziny (1960)

Pomimo wewnętrznej walki o znalezienie oryginalnego głosu, figuratywne rzeźby Caro były dobrze przyjmowane przez publiczność. Jedna z nich była wystawiona na Biennale w Wenecji w 1958 roku, a inna zdobyła nagrodę za rzeźbę na Biennale w Paryżu w 1959 roku. Ta rozpoznawalność pozwoliła mu nawiązać kontakty z wpływowymi artystami abstrakcyjnymi ze Stanów Zjednoczonych, takimi jak Helen Frankenthaler, Kenneth Noland i Robert Motherwell. Kontakty te podsycały jego instynktowną skłonność do abstrakcji i dodawały mu pewności, by dokonać radykalnej zmiany stylu. Nowe podejście po raz pierwszy ujawniło się w 1960 roku w dziele „Dwadzieścia cztery godziny”. Sukces tego dzieła skłonił go do radykalnej zmiany programu nauczania, stawiając go na czele brytyjskiej akademickiej awangardy.

Wczesny poranek (1962)

W 1963 roku galeria Whitechapel w Londynie zorganizowała indywidualną wystawę piętnastu abstrakcyjnych rzeźb Caro, wystawę, która wyniosła go na międzynarodową sławę. Dla wielu widzów wnętrze galerii wyglądało, jakby trwały prace budowlane — metalowe formy zdawały się być porozrzucane, czekając na zewnętrzną powłokę. Wśród innych form wyróżniała się duża, świetlista, czerwona kompozycja ze stali i aluminium zatytułowana „Wczesny poranek” (1962). Kształty, linie i kąty łączyły się, tworząc tę nieokreśloną formę: wyraźnie wynik intelektualnych decyzji; wyborów, a nie przypadków. Każda perspektywa, z której ogląda się dzieło, oferuje nowe możliwości. To nie jest podpora dla innej struktury, lecz podpora dla ezoterycznej podróży, której celem jest po prostu patrzenie i marzenie.

Żółta huśtawka (1965)

Kiedy Caro po raz pierwszy wyjechał do Ameryki w 1959 roku, jednym z najbardziej wpływowych kontaktów, jakie nawiązał, był z rzeźbiarzem Davidem Smithem, abstrakcyjnym ekspresjonistą, który już wtedy pracował z metalem spawanym. Smith i Caro zostali zarówno przyjaciółmi, jak i rywalami. Caro stworzył rzeźbę „Żółta huśtawka” (1965) w roku, w którym Smith zginął w wypadku samochodowym. Wieloznaczne właściwości dzieła pozwalają na pozornie nieograniczone interpretacje wizualne, gdy widz porusza się wokół niego. Pusta przestrzeń jest włączona do kompozycji i czasem dominuje percepcyjnie nad solidnymi materiałami. Żywe użycie koloru wyraża pragnienie, o którym Caro kiedyś mówił, że on i jego współcześni mogą być postrzegani jako spadkobiercy ducha impresjonizmu — strażnicy rewolucyjnej, eksperymentalnej postawy.

Emma Dipper (1977)

W 1977 roku Caro znalazł się w trudnej sytuacji, gdy zdał sobie sprawę, że z odległej pracowni w Saskatchewan w Kanadzie, gdzie tymczasowo pracował, nie ma dostępu do swoich zwykłych materiałów. Dlatego dostosował swoją praktykę, wykorzystując cienki metal używany lokalnie do zastosowań rolniczych. „Emma Dipper” (1977), przedstawiona powyżej, była pierwszą rzeźbą wykonaną z tego materiału. Nazwa pochodzi od jeziora Emma, przy którym znajdowała się jego pracownia. Dzieło opisuje się jako skromne, ponieważ umniejsza znaczenie samej rzeźby. Cienkie metalowe linie ustępują miejsca kształtom, które tworzą z pustych przestrzeni wewnątrz i wokół dzieła. Rzeźba jest jak kwintesencja taoistycznej zagadki, że pojemnik jest tylko pustą formą, ale to właśnie pustka w środku jest użyteczna.

Zdjęcie główne: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Malowana stal Kolekcja. Za uprzejmością Barford Sculptures Ltd

Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio