Artykuł: Czy Otrzymałeś Wiadomość? Jak Artyści Abstrakcyjni Komunikują Pilność Ekologiczną
Czy Otrzymałeś Wiadomość? Jak Artyści Abstrakcyjni Komunikują Pilność Ekologiczną
Bez postaci, bez narracji, bez dosłownej reprezentacji: jak przekazać przesłanie w sztuce wizualnej? To dylemat aktywisty w sztuce abstrakcyjnej i wyjaśnia, dlaczego prawdziwie aktywistyczna abstrakcja pozostaje niezwykle rzadka. Sztuka figuratywna może pokazać topniecego niedźwiedzia polarnego, zalane miasto, twarz protestującego. Sztuka abstrakcyjna oferuje tylko kolor, formę, gest, materiał. Jednak w miarę jak kryzys klimatyczny przyspiesza i wymaga wszystkich głosów, grupa pionierskich artystów udowodniła, że abstrakcja może być rzeczywiście aktywistyczna, nie pomimo swojej oporności na wyraźne przekazy, ale dzięki temu, co unikalnie oferuje.
Wyzwanie jest realne. Konwencjonalna komunikacja klimatyczna (katastroficzne obrazy, przytłaczające dane) osiągnęła swoje granice, często wywołując to, co badacze nazywają „zmęczeniem klimatycznym” lub emocjonalnym paraliżem. Abstrakcyjna sztuka środowiskowa oferuje alternatywną strategię: zamiast przedstawiać katastrofę, modeluje procesy środowiskowe (przepływ, rozpuszczanie, akumulacja) i angażuje widzów poprzez bezpośrednie doznania sensoryczne i emocjonalne. Nie pokazuje kryzysu; sprawia, że go czujesz.
Ten artykuł bada, jak abstrakcyjni artyści komunikują pilność problemów środowiskowych poprzez sześć odrębnych strategii estetycznych. Na podstawie prac pionierskich artystów (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker i innych) przeanalizujemy, jak pozorne ograniczenia abstrakcji stają się nieoczekiwanymi atutami w działaniach na rzecz środowiska.
Dwa modele, sześć strategii
Abstrakcyjny aktywizm środowiskowy działa poprzez dwa nadrzędne modele: Model Afektywny, który wykorzystuje rytuał, uczestnictwo i zbiorową żałobę, aby sprawić, że widzowie poczują problemy środowiskowe poprzez wspólne doświadczenie emocjonalne; oraz Model Poznawczy, który używa wizualizacji, zanurzenia i skali, aby sprawić, że widzowie zrozumieją niewidzialne systemy i procesy ekologiczne.
W ramach tych modeli artyści stosują sześć podstawowych strategii:
1. Uczynienie Niewidzialnego Widocznym: Niektóre z najbardziej destrukcyjnych sił środowiskowych pozostają niewidoczne dla gołego oka: węgiel atmosferyczny, zmiany temperatury, mikroskopijne ekosystemy, czas geologiczny poruszający się zbyt wolno dla ludzkiego postrzegania. Artyści abstrakcyjni znaleźli sposoby, by przetłumaczyć te ukryte zjawiska na postrzegalne formy, czyniąc namacalnym to, czego inaczej nie widzimy, ale desperacko potrzebujemy zrozumieć.
2. Materialny Świadek: Zamiast przedstawiać kryzys środowiskowy, niektórzy artyści pozwalają swoim materiałom stać się aktywnymi uczestnikami przekazu. Używają ekologicznie istotnych substancji lub pozwalają naturalnym procesom, takim jak erozja, rozpuszczanie i rozkład, kształtować samo dzieło. Praca staje się śladem kryminalistycznym, fizycznym dowodem wydarzeń środowiskowych, a nie ich reprezentacją.
3. Skala i Zanurzenie: Monumentalne formaty i immersyjne instalacje mogą przytłaczać widzów, wymuszając cielesną konfrontację z ogromem ekosystemów. Ta strategia burzy komfortowy dystans między obserwatorem a środowiskiem, wykorzystując fizyczną skalę do zwalczania alienacji napędzającej kryzys ekologiczny. Gdy jesteś otoczony lub przytłoczony dziełem, intelektualne zrozumienie ustępuje miejsca visceralnemu doświadczeniu.
4. Kolor jako Dane/Świadek: Kolor w abstrakcji środowiskowej często pełni funkcję mniej emocjonalnego wyrazu, a bardziej zakodowanej informacji. Artyści używają określonych palet, aby przetłumaczyć dane (poziomy zanieczyszczeń, zmiany temperatury, wskaźniki bioróżnorodności) lub służyć jako symboliczny świadek biologicznej witalności. Konkretna zieleń nie jest tylko piękna; niesie świadectwo o konkretnym lesie, konkretnym momencie obserwacji ekologicznej.
5. Powtarzalność i Akumulacja: Powtarzający się gest, zgromadzony obiekt, seryjna forma mogą modelować zjawiska ekologiczne rozwijające się w czasie i ilości: wzrost komórek, fragmentację plastiku, kumulatywny wpływ produkcji przemysłowej. Gdy pojedyncze elementy mnożą się do tysięcy, dzieło ukazuje skalę kryzysu środowiskowego w sposób, w jaki pojedyncze obrazy nie potrafią.
6. Ucieleśnione Doświadczenie: Niektóre dzieła wymagają więcej niż tylko wizualnej uwagi. Potrzebują fizycznego zaangażowania, angażują wiele zmysłów (dotyk, zapach, temperatura) lub tworzą rytuały współpracy. Przekształcając widzów z biernych obserwatorów w aktywnych uczestników, te dzieła wywołują afektywne reakcje (żal, spokój, niepokój, więź), które żyją w ciele, a nie w umyśle, tworząc głębokie zrozumienie motywujące do etycznego działania.
Zobaczmy, jak te strategie działają w praktyce.
Jaanika Peerna - Big melt #10 i Big Melt #16 (2016)
Model afektywny: Glacier Elegies Jaanika Peerna
Jaanika Peerna, artystka urodzona w Estonii, pracująca między Nowym Jorkiem, Berlinem i Tallinnem, opracowała jedno z najbardziej wyrafinowanych podejść do świadectwa środowiskowego poprzez performans partycypacyjny i kontrolowane rozpuszczanie. Jej praktyka przeszła świadomy zwrot około 2017 roku, aby bezpośrednio zająć się kryzysem klimatycznym, przekształcając wcześniejsze badania sił natury (wiatr, woda, światło) w wyraźny aktywizm klimatyczny.
Technika Peerna polega na chwytaniu w każdej ręce wiązek ołówków i wykonywaniu spontanicznych, całym ciałem gestów na dużych arkuszach Mylaru, tworząc kinetyczne rysunki, które rejestrują siły natury poprzez czysty ruch. Ołówki stają się przedłużeniem jej ciała, przemieniając artystkę w to, co krytycy nazywają "naczyniem, które uchwyca procesy naturalne." Jednak siła aktywistyczna ujawnia się w drugim akcie performansu.
W swoim trwającym projekcie Glacier Elegy, Peerna zaprasza publiczność do współpracy przy tworzeniu tych wielkoformatowych rysunków. Następnie wprowadza bloki naturalnego lodu na powierzchnię. W miarę topnienia lód aktywnie rozpuszcza narysowane linie i pigmenty, wymazując wspólne dzieło w czasie rzeczywistym. Ten proces kondensuje dziesięciolecia topnienia lodowca w bezpośrednie, ucieleśnione doświadczenie straty.
Geniusz tkwi w udziale publiczności (Strategia 6: Embodied Experience). Włączając widzów w tworzenie, Peerna gwarantuje emocjonalne zaangażowanie; późniejsza destrukcja staje się wspólną, namacalną stratą, a nie abstrakcyjnymi danymi. Praca nie przedstawia topnienia lodowca; ona je realizuje, przemieniając widzów w świadków i żałobników. Jej podejście uznaje, że konwencjonalne katastroficzne obrazy często wywołują paraliż; jej rytualna metoda zapewnia uporządkowaną "drogę przez" przytłaczający żal klimatyczny, przekształcając zaangażowanie z biernej obserwacji w to, co nazywa "aktem etycznej odpowiedzialności i troski o planetę."
Topniejący lód pełni funkcję Material Witness (Strategia 2). Woda to nie tylko medium; to aktywny czynnik transformacji i destrukcji. Grawitacja i przepływ dyktują ostateczną kompozycję, czyniąc dzieło dokumentem sądowym samego procesu rozpuszczania. Peerna opracowała także wyrafinowany wymiar czasowy (Scale/Immersion, Strategia 3). Podczas gdy jej wcześniejsze prace celebrowały powolne procesy naturalne, Glacier Elegy celowo przyspiesza traumę geologiczną, kompresując dziesięciolecia cofania się lodowca w krótkim czasie rytualnego performansu. Ta kompresja symuluje pilność w sposób, w jaki dane klimatyczne nie potrafią.
Peerna rozszerza tę praktykę na swoją pracę studyjną, gdzie wykonuje solowe wersje tego samego rytualnego procesu. Powstałe dzieła (zatytułowane "Tipping Point", "Big Melt", "Meltdown", "Ablation Zone") przedstawiają potężny paradoks: trwałe syntetyczne pomniki na Mylarze, które rejestrują chwilową naturalną tragedię, podkreślając trwałość materiałów stworzonych przez człowieka wobec kruchości procesów naturalnych.
Nagromadzenie kinetycznych linii i gestów na Mylarze (Powtarzanie/Nagromadzenie, Strategia 5) odzwierciedla złożoność i intensywność zarejestrowanych sił natury. I choć estetyka Peerna jest minimalistyczna (często czarna na białym), jej aktywizm opiera się na precyzyjnym słownictwie (Kolor jako Dane, Strategia 4). Jej tytuły odnoszą się do kluczowych procesów z zakresu glacjologii i nauk o klimacie, łącząc emocjonalną estetykę z obiektywnymi danymi i osadzając abstrakcyjną twórczość w naukowej rzeczywistości.
Reiner Heidorn - Specific Rank #2 oraz Specific Rank #1 (2024)
Model Ontologiczny: Bio-Dywizjonizm Reiner Heidorn
Reiner Heidorn, niemiecki artysta mieszkający w Bawarii, stosuje radykalnie inne podejście. Pracując w swoim studio otoczonym przez Alpy Bawarskie i lasy, Heidorn opracował to, co nazywa techniką "Dissolutio" (rozpuszczenie po łacinie), proces, który wyraźnie ma na celu rozpuszczenie granic między człowiekiem a światem przyrody.
Aktywizm Heidorna nie koncentruje się na zanieczyszczeniu czy degradacji materiałowej jak u Peerna, lecz na przywróceniu zdrowej ontologicznej relacji z naturą. Jego obrazy to to, co nazywa "przejściami" lub "otwarciami" ku żywej materii, dążąc do stworzenia "przestrzeni bez granic" między obserwatorem a obserwowanym. Ta próba rozbicia dychotomii podmiot/przedmiot, wskazywana przez filozofów ekologicznych jako źródło kryzysu środowiskowego, definiuje polityczną skuteczność jego pracy.
Jego technika stanowi wyjątkowy przykład Uczynienia Niewidzialnego Widzialnym (Strategia 1). Heidorn przekształca mikroskopijne struktury komórkowe i słodkowodne ekosystemy w rozległe, immersyjne pola kolorów. Jego styl, który historycy sztuki nazywają "Neoekspresjonistycznym Bio-Dywizjonizmem", wykorzystuje to, co nazywa "Mikroskopowym Pointylizmem": tysiące drobnych, precyzyjnych punktów koloru organizują się w miękkie gradacje, przenosząc wizualny język mikroskopii naukowej na emocjonalny wyraz. Ukazuje złożoność i powiązania życia, które normalnie umykają ludzkim oczom, czyniąc widzialnymi niewidzialne sieci podtrzymujące ekosystemy.
Sam proces Dissolutio funkcjonuje jako Material Witness (Strategia 2), choć niejawnie. Aby utrzymać swoje prace w stanie ruchu i włączyć przemijalność jako cechę estetyczną, Heidorn celowo narusza klasyczne zasady malarstwa olejnego, mieszając kolory bezpośrednio na płótnie i akceptując "błędy" takie jak bąbelki i kratery. Ta zmiana medium zapewnia, że dzieło ucieleśnia przepływ i zmianę, wzmacniając ideę żywej, zmiennej materii i oddając kontrolę naturalnym procesom.
Format jego prac jest krytycznym mechanizmem rzecznictwa (Scale/Immersion, Strategia 3). Jego płótna są monumentalne i przerośnięte, zaprojektowane, by "przytłoczyć widzów," funkcjonując jako "portale," które zanurzają widza w żywej, mutującej materii. Ta monumentalna skala jest celową strategią aktywistyczną przeciw antropocentryzmowi. Zmuszając widzów do cielesnej konfrontacji z ogromem ekosystemu, dzieło podkreśla to, co Heidorn nazywa "całkowitą nieistotnością jednostki." Dalekie od nihilizmu, to podejście zachęca do pokory i sprzyja temu, co opisuje jako "psychologiczne odzyskanie równowagi." Poczucie nieistotności wobec biologicznej witalności zaprasza widzów do rozpuszczenia ich separacji od natury, będącej przeciwieństwem alienacji napędzającej kryzys środowiskowy.
Prace Heidorna opierają się mocno na Kolorze jako Data/Witness (Strategia 4). Jego język wizualny dominuje zieleń, nie jako tło, lecz jako temat i głos. Historycy sztuki kojarzą to z "świętą zielenią, świadkiem błogosławionego, głębokiego życia świata." Jego paleta, wzbogacona o błękity i ochry, wyraźnie przywołuje lasy, jeziora i autonomiczne światy biologiczne. Te kolory nie są dekoracyjnymi wyborami, lecz świadkami konkretnych miejsc, konkretnego światła, konkretnych momentów połączenia artysty ze środowiskiem.
Repetition/Accumulation (Strategia 5) jest integralną częścią jego metody. Mikroskopijny pointylizm opiera się na tysiącach drobnych, precyzyjnych punktów koloru, które kumulują się, tworząc złożone ekosystemy. To użycie powtórzenia modeluje gęstość i strukturalną złożoność materii żywej na poziomie komórkowym, estetyczną reprezentację niezbędnej współzależności i biologicznego bogactwa na poziomie mikroskopowym.
Ostatecznym celem Heidorna jest zarówno moralny, jak i psychologiczny (Embodied Experience, Strategia 6). Jego obrazy mają dostarczać momentów "psychologicznego odzyskania równowagi i głębokiego spokoju." Zapraszając widzów do przemierzania tych "przejść" i rozpuszczania granic między jaźnią a naturą, doświadczenie immersyjne staje się terapeutycznym działaniem przeciwko ekologicznemu niepokojowi i alienacji. Krytycy opisują uczucie "nieoczekiwanej czułości" doświadczane przez widzów, co świadczy o skuteczności tego niekonfrontacyjnego podejścia. W erze kryzysu środowiskowego, upór Heidorna na powolności i kontemplacji staje się formą oporu przeciw przyspieszonej destrukcji ekosystemów.
Poszerzanie słownictwa: trzy kolejne podejścia
Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)
Konceptualna Abstrakcja: Olafur Eliasson
Olafur Eliasson, duńsko-islandzki artysta konceptualny, używa abstrakcyjnych i minimalistycznych form jako swojego głównego języka komunikacji ekologicznej. Chociaż jest zasadniczo artystą konceptualnym, jego praca kwalifikuje się jako abstrakcyjny aktywizm poprzez manipulację zjawiskami naturalnymi (światło, woda, atmosfera, percepcja) w niefiguratywne doświadczenia.
Eliasson wyróżnia się w Making the Invisible Visible (Strategia 1) oraz Embodied Experience (Strategia 6). Prace takie jak Wavemachines czy Regenfenster (Rain window) odtwarzają zjawiska wodne i warunki pogodowe, pozwalając widzom doświadczyć niewidzialnych lub niekontrolowanych sił natury w kontrolowanych przestrzeniach muzealnych. Moss wall (1994) bezpośrednio angażuje doświadczenie ucieleśnione, wprowadzając sensoryczną materialność (zapach, fakturę porostu) do sterylnego środowiska muzealnego, sprawiając, że odwiedzający są wyraźnie świadomi żywej obecności biologicznej.
Jego praca nad kolorem ilustruje czwartą wymienioną powyżej strategię (Data/Witness). Eksperymenty kolorystyczne (2019) dekonstruują historyczne pejzaże figuratywne (takie jak te Caspara Davida Friedricha), traktując je jako ilościowe źródła danych. Poprzez analizę, ekstrakcję i proporcjonalne rozłożenie kolorów na abstrakcyjnych płótnach, Eliasson tworzy czysty chromatyczny "zbiór danych" pejzażu. Potwierdza to ideę, że natura może być przetłumaczona na zakodowaną abstrakcyjną formę, rodzaj kryminalistycznej historii sztuki.
Jego projekt Your planetary assembly (2025) wykorzystuje Scale/Immersion (Strategia 3) poprzez osiem abstrakcyjnych wielościanów, których kolory i układ są inspirowane modelami Układu Słonecznego. Zaprojektowana jako przestrzeń publicznego zgromadzenia (nawiązująca do agory), aranżacja przestrzenna instalacji zmusza uczestników do rozważenia ich bezpośredniego otoczenia w szerszym kosmicznym kontekście, łącząc abstrakcyjną geometrię i kosmiczne mapowanie z ideą lokalnej społeczności.
Praktyka Eliassona nieustannie zadaje pytanie: Jak sztuka może sprawić, by kryzys klimatyczny nie był tylko intelektualnie zrozumiany, ale także fizycznie odczuwalny? Jego podejście dowodzi, że artyści konceptualni mogą używać abstrakcji jako głównego środka przekazu ekologicznego, tworząc visceralne doświadczenia, które omijają intelektualne zrozumienie.
Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totemy (2019)
Wizualizacja danych: Uczynienie statystyk namacalnymi
Rosnący ruch artystów wykorzystuje abstrakcję jako narzędzie do tłumaczenia złożonych danych ekologicznych na przystępne formy. Ta praktyka „eko-wizualizacji”, termin ukuty przez artystkę Tiffany Holmes w 2005 roku, reinterpretuję dane (zużycie energii, poziomy zanieczyszczeń, utratę gatunków) za pomocą środków technologicznych i artystycznych, aby wpływać na zachowania. Bezpośrednio wykorzystuje Uczynienie Niewidzialnego Widzialnym (Strategia 1) oraz Kolor jako Dane/Świadek (Strategia 4).
Instalacja Alicji Białej i Iwo Borkowicza Totemy stanowi bezpośredni przykład. Te dziewięciometrowe filary wykorzystują kolor, formę i fakturę, aby przedstawić konkretne statystyki klimatyczne: eksploatację rybołówstwa, zanieczyszczenie powietrza, pozyskiwanie drewna. To wyraźne zastosowanie Skali/Immersji (Strategia 3) poprzez imponującą wysokość, Koloru jako Danych/Świadka (Strategia 4) poprzez kodowane kolory dla statystyk oraz Uczynienia Niewidzialnego Widzialnym (Strategia 1) przez uczynienie przytłaczających statystyk namacalnymi. Widzowie mogą zobaczyć skalę problemów, a następnie zeskanować kody QR, aby uzyskać pełną dokumentację, łącząc abstrakcyjną estetykę z faktami.
ScanLAB Projects, studio prowadzone przez artystów z Londynu, założone przez Matta Shawa i Williama Trossella, wykorzystuje skanery 3D do tworzenia abstrakcyjnych cyfrowych prac poklatkowych przedstawiających naturalne miejsca, takie jak przewracający się kaktus saguaro na pustyni Sonora. Zmiany klimatyczne często przebiegają w tempie zbyt wolnym dla ludzkiego postrzegania (topnienie lodowców przez dziesięciolecia, erozja przez stulecia). Abstrakcyjne poklatkowe prace ScanLAB rozwiązują ten problem, manipulując i kompresując czas, czyniąc widocznym proces zwykle niewidoczny w ludzkiej skali. Praca służy jako dynamiczne archiwum, urealniając pojęcie Niewidzialne Widzialne (Strategia 1) poprzez abstrakcję trwania.
Mandy Barker - Bird's Nest - © Mandy Barker
Akumulacja sądowa: Mandy Barker
Brytyjska artystka Mandy Barker rozwinęła uderzającą praktykę koncepcyjną i fotograficzną, która wykorzystuje akumulację do materializacji globalnej skali zanieczyszczenia mórz. Choć jej ostatecznym medium jest fotografia, jej abstrakcyjne kompozycje powstają poprzez celowe zestawianie i nakładanie tysięcy zebranych plastikowych odpadów.
Prace Barkera bezpośrednio wykorzystują Powtarzanie/Akumulację (Strategia 5) oraz Material Witness (Strategia 2). Akumulacja nie jest jedynie estetyczna; ma charakter sądowy, mając na celu ilościowe określenie nie do utrzymania skali problemu. Jej seria PENALTY: The World zgromadziła 992 kawałki piłek nożnych i morskich odpadów z 41 krajów, aby zilustrować globalny zasięg problemu. Seria Hong Kong Soup: 1826 - Spilt dokumentuje masowe wycieki, integrując granulki plastikowe (nurdles) w kompozycję, działając jako wizualni świadkowie zanieczyszczenia.
Każdy pojedynczy kawałek odpadów przekształca się w jednostkę globalnego kryzysu mikro- i makroplastików. Wybór materiałów (odpadów) staje się aktem etycznym, przekształcając abstrakcyjną pracę w fizyczny dowód i zapraszając odbiorców do przemyślenia swojego podejścia do materiałów i konsumpcji. Historycznie powtarzalność i akumulacja w sztuce kojarzyły się z tematami psychologicznymi (na przykład obsesyjne akumulacje Yayoi Kusamy). W kontekście środowiskowym akumulacja nabiera krytycznego znaczenia politycznego, bezpośrednio związanego z gromadzeniem i fragmentacją odpadów, szczególnie plastiku.
Abstrakcyjne kompozycje Barkera są jednocześnie piękne i przerażające. Staranna aranżacja odpadów w wzory przypominające mandale lub konstelacje tworzy wizualną pokusę, która przyciąga widzów, a następnie zadaje cios: każdy element to śmieć, każdy kawałek dowód kryzysu ekologicznego. Ta strategia dowodzi, że abstrakcja może łączyć piękno i pilność w jednym obrazie, używając przyjemności estetycznej nie jako rozproszenia, lecz jako haczyka, który utrzymuje widzów zaangażowanych na tyle długo, by przekaz dotarł.
Dlaczego abstrakcyjny aktywizm działa: Afekt i poznanie
Analiza porównawcza tych praktyk ujawnia, że abstrakcyjna sztuka środowiskowa odnosi sukces dzięki dwóm głównym modelom, z których każdy stosuje różne kombinacje sześciu strategii.
Model Aferktywny (na przykładzie Peerna) pokazuje wyższość praktyk rytualnych (Strategia 6). Proponując estetyczną strukturę dla ekologicznego żalu i zbiorowej straty, Peerna oferuje drogę do przekształcenia smutku w etyczne działanie. Ta strategia skutecznie omija nasycenie mediów i emocjonalny paraliż wywołany katastroficznymi obrazami. Oferuje to, czego konwencjonalna komunikacja klimatyczna nie potrafi: sposób na stawienie czoła przytłaczającym faktom, jednocześnie leczący duszę i motywujący do działania.
Model Kognitywny (na przykładzie Heidorn, Eliasson i artystów eco-wizualizacji) wykorzystuje abstrakcję, aby przywrócić zdrową relację ze światem. Heidorn osiąga to przez rozpuszczenie granic obserwator/obserwowany oraz użycie monumentalnej skali (Strategia 3), by nauczyć pokory wobec biologicznej witalności. Eco-wizualizacja używa abstrakcji, aby uczynić niewidzialne informacje (dane) widocznymi (Strategia 4), umożliwiając poznawcze zrozumienie złożonych lub powolnych procesów (jak time-lapse ScanLAB). Eliasson tworzy kontrolowane środowiska, gdzie niewidzialne siły atmosferyczne stają się namacalnymi doświadczeniami.
Oba modele dzielą kluczową spostrzeżenie: abstrakcja omija intelektualne rozumienie, by stworzyć wiedzę visceralną, cielesną. Kiedy uczestniczysz w tworzeniu rysunku, który potem rozpuszcza się przed twoimi oczami, gdy stoisz przytłoczony przed monumentalnym płótnem mikroskopijnego życia, gdy spotykasz starannie ułożone morskie odpady, reakcja jest somatyczna, nie intelektualna. To tworzy to, co badacze nazywają „somatyczną empatią”, głębszą formę zrozumienia, która żyje w ciele i motywuje do działania w sposób, którego statystyki i katastroficzne obrazy nie potrafią.
Abstrakcja jako pilne świadectwo
Czy abstrakcja może być aktywistyczna? Prace Jaanika Peerna, Reinera Heidorna, Olafura Eliassona, Mandy Barker i innych dowodzą jednoznacznie, że tak. Ale te praktyki również ujawniają, dlaczego aktywistyczna abstrakcja pozostaje rzadka: wymaga rozwiązania „problemu przesłania”, którego figuracja unika. Bez postaci czy narracji, artyści abstrakcyjni muszą znaleźć inne strategie: uczynienie niewidzialnych systemów widocznymi, użycie transformacji materiału jako metafory, przytłaczanie skalą, kodowanie informacji kolorem, gromadzenie dowodów przez powtarzanie, tworzenie doświadczeń, które przekształcają obserwatorów w uczestników.
Wyzwanie pozostaje realne. Abstrakcja nigdy nie będzie komunikować się z natychmiastową jasnością fotografii wyciętego lasu czy obrazu uchodźcy klimatycznego. Ale te podejścia pokazują, że abstrakcja oferuje coś równie cennego: zdolność doświadczania kryzysu środowiskowego poprzez formę, materiał i proces; tworzenia piękna niosącego pilność; mówienia uniwersalnym językiem wizualnym; sprawiania, że to, co nie zawsze widoczne, staje się odczuwalne; dostarczania struktur dla żalu, uzdrowienia i etycznego działania.
Dla widzów i kolekcjonerów zaangażowanie się w aktywistyczną abstrakcję jest samo w sobie aktem świadectwa. Kiedy spędzasz czas z elegiami lodowcowymi Peerna lub mikroskopijnymi ekosystemami Heidorna, gdy spotykasz się z atmosferycznymi instalacjami Eliassona lub mandalami z odpadów Barkera, uczestniczysz w innym rodzaju świadomości środowiskowej, która żyje w ciele, w doznaniu, w przestrzeni, gdzie spotykają się piękno i pilność. Jak pokazują ci artyści, to uczestnictwo może przekształcić zaangażowanie klimatyczne z przytłaczającego rozpaczy w uporządkowany żal, z biernej obserwacji w zbiorowe uzdrowienie, z alienacji w ponowne połączenie.
Aktywistyczna abstrakcja jest możliwa. To trudne, rzadkie, ale gdy zostanie osiągnięte, oferuje formy świadectwa środowiskowego, których figuracja nie potrafi dorównać. W miarę jak kryzys klimatyczny wymaga wszystkich głosów, ci artyści udowadniają, że abstrakcja ma istotny wkład do wniesienia, nie pomimo swojej oporności na wyraźne przesłania, lecz właśnie dzięki temu, co ta oporność, gdy zostanie pokonana, umożliwia.
Jaanika Peerna i Reiner Heidorn są reprezentowani przez IdeelArt.
Zdjęcie wyróżnione: Wetland autorstwa Reinera Heidorna (2023)
Autorstwa Francisa Berthomiera
