Abstrakcja geometryczna: NIE kolejna heroiczna opowieść o Malewiczu i Mondrianie

Dlaczego proste linie wciąż mają znaczenie

Abstrakcja geometryczna to jedna z tych historii sztuki, które wszyscy myślą, że znają. Kilka kwadratów Malevicha, Mondrian w podstawowych kolorach, trochę Op Artu, który męczy oczy, i podobno historia się kończy. W większości opisów muzealnych i ogólnych książek pojawia się jako liniowa, heroiczna i nieco surowa narracja: mała grupa pionierów dokonuje serii przełomów, z których każdy prowadzi do następnego, aż rozdział się zamyka.

Jednak trwałość prostych linii, siatek i zakodowanych struktur we współczesnym malarstwie, rzeźbie i pracy cyfrowej sugeruje coś innego. Geometria nie jest zamkniętym rozdziałem; to żywy język, którego artyści ciągle się uczą na nowo, kwestionują i dostosowują do nowych celów. Zamiast powtarzać tę liniową, heroiczną narrację, ten artykuł podąża za zestawem napięć, które przebiegają przez abstrakcję geometryczną od początku XX wieku do dziś: duchowe kontra racjonalne, utopijne kontra ironiczne, ręka kontra kod.

(A dla tych z was, którzy są tu wyłącznie dla podstawowej, i bądźmy szczerzy, nieco nudnej historii Abstrakcji Geometrycznej, śmiało możecie przewinąć prosto do FAQ na dole tej strony: tam znajdziecie idealnie przedstawioną wersję podręcznikową!)

Duchowe kwadraty i nieobiektywna wiara

Na początku XX wieku geometria nie była tym czystym, świeckim narzędziem projektowym, które znamy dzisiaj. Była głęboko dziwna. Dla artystów takich jak Wassily Kandinsky i Kazimir Malevich geometria była nośnikiem okultyzmu. Silnie inspirowani teozofią i ideą, że "formy myśli" mogą być widoczne, postrzegali trójkąt i koło nie jako kształty, lecz jako skondensowane dramaty sił.

Kiedy Malevich namalował swój Czarny Kwadrat, nie było to ćwiczenie formalistyczne; nazwał go "nagą, bezramową ikoną" dla nowej religii. Zaangażowanie było całkowite: gdy zmarł w 1935 roku, Czarny Kwadrat został umieszczony na masce ciężarówki przewożącej jego trumnę, jak sztandar pułkowy. Ta linia, gdzie twarda krawędź służy miękkiemu duchowi, trwa nadal. Nie chodzi o matematykę; chodzi o oddech.

C63 by Elizabeth Gourlay (2022)

Widzimy to dziedzictwo w pracach zmarłej Elizabeth Gourlay (1961–2024). Jej praktyka nigdy nie dotyczyła sztywności linii, lecz jej rezonansu. Podobnie jak wczesni pionierzy, którzy poszukiwali wizualnej muzyki, kompozycje Gourlay funkcjonowały jako partytury. Jednak tam, gdzie Malevich szukał radykalnego punktu zerowego, Gourlay znalazła medytacyjne nagromadzenie, używając subtelnych przesunięć koloru i tonu, by stworzyć geometrię, która wydawała się rosnąć, a nie być budowana, „graf stanu umysłu” zamiast planu.

Utopie w kolorach podstawowych i Concrete Art

Inna wiara pojawiła się wraz z De Stijl i konstruktywizmem, a później z Concrete Art. Tutaj siatka nie była oknem do duszy, lecz modelem lepszego społeczeństwa. Przełomowy moment nastąpił, gdy Theo van Doesburg opublikował swój Manifest Concrete Art w 1930 roku, deklarując, że "nic nie jest bardziej realne niż linia, kolor, powierzchnia." Idea była radykalna: abstrakcyjny obraz abstrahuje od rzeczywistości (jak uproszczone drzewo), ale obraz konkretny jest własną rzeczywistością. Nie kłamie.

To dążenie do sztuki absolutnej jasności, wolnej od bałaganu emocji, stworzyło specyficzny rodzaj cichej intensywności. Ta atmosfera jest wyczuwalna w Musée d’Art Concret w Mouans-Sartoux, miejscu, które my, w IdeelArt, często odwiedzamy. Przypomina nam, że ta specyficzna forma abstrakcji oferuje fizyczne doświadczenie spokoju, sanktuarium logiki w chaotycznym świecie.

XXIV 33 212 (Diptych) by Pierre Muckenstürm (2024)

To poczucie "konkretnej" stabilności jest kluczowe dla Pierre Muckensturm. On nie próbuje wyrazić ulotnego uczucia; on konstruuje obiekt. Organizując swoje płótna wokół starannie skalibrowanych odstępów i wag, tworzy bezruch, który wydaje się nieunikniony. To współczesna kontynuacja obietnicy Concrete: że idealnie zrównoważony obraz może, być może, wywołać zrównoważony umysł.

Siatka, miasto i znak

W miarę upływu wieku siatka przeszła od utopijnego planu do czegoś bardziej ambiwalentnego. Zaczęła przypominać kraty więzienne lub układ arkusza kalkulacyjnego. W latach 80. ruch Neo-Geo, prowadzony przez artystów takich jak Peter Halley, reinterpretował kwadrat nie jako duchową pustkę, ale jako "komórkę" — odnosząc się zarówno do komórek biologicznych, jak i cel więziennych, połączonych "przewodami" nowoczesnej infrastruktury.

Large Test Pattern 3 autorstwa Tom McGlynn (2002)

Dziś artysta geometryczny często działa jako dekoder tego miejskiego krajobrazu. Otaczają nas instrukcje graficzne, mapy metra i znaki ostrzegawcze. Tom McGlynn operuje w tym języku potocznym. Traktuje wizualny szum miasta - witryny sklepowe, oznakowanie, logotypy - jako surowe dane, usuwając przekaz komercyjny, pozostawiając jedynie szkieletową składnię miejskiego środowiska.

Enchantment Hurdu  autorstwa Philippe Halaburda (2020)

Podobnie, Philippe Halaburda mapuje inny rodzaj terytorium. Jego "psychogeografie" wyglądają jak szalone mapy komunikacyjne lub rozłożone na części płytki drukowane, uchwycające niewidzialne przepływy danych i ruchu, które definiują nasze życie. Tam, gdzie Mondrian malował boogie-woogie nowojorskiej siatki, współcześni artyści malują przeciążenie farmy serwerów.

Percepcja: Kiedy oko się zacina

Jeśli wczesna abstrakcja była poważna, to połowa wieku przyniosła "hack" do ludzkiego systemu operacyjnego: Op Art. Kiedy MoMA otworzyło wystawę "The Responsive Eye" w 1965 roku, reakcja była visceralna: niektórzy odwiedzający faktycznie zemdleli lub zgłaszali nudności! Dzieło sztuki nie tylko tam stało; robiło na tobie coś. Artyści tacy jak Bridget Riley udowodnili, że statyczna powierzchnia może generować ruch, nie przez magię, ale przez fizjologię widzenia.

Mareas  autorstwa Christina Ghetti (2024)

Współcześni artyści odeszli od agresywnego "ataku" na siatkówkę oka w kierunku bardziej subtelnych wibracji. Cristina Ghetti wykorzystuje efekt moiré, wzory interferencyjne tworzone przez nakładające się siatki, ale zwalnia ich tempo. Zamiast zawrotnego zawrotu głowy lat 60., jej prace oferują dotykowy szum, wizualną częstotliwość, która zaprasza widza do dostosowania ostrości. Chodzi mniej o oszukanie oka, a bardziej o testowanie jego granic, tworząc przestrzeń, gdzie cyfrowa usterka spotyka się z malowanym płótnem.

Geometryczne harmonie: algorytm przed komputerem

Na długo przed generatywną AI, artyści geometryczni używali algorytmów. Sol LeWitt słynnie napisał: "Pomysł staje się maszyną tworzącą sztukę." Zadaniem artysty było napisanie kodu (reguł); wykonanie było drugorzędne. Łączy się to z grupą Oulipo w literaturze: pisarzami, którzy wierzyli, że ścisłe ograniczenia (jak napisanie powieści bez litery 'e') wymuszają większą kreatywność.

Dawn Light Skew 2  by Debra Ramsay (2023)

Dziś to "algorytmiczne" podejście jest standardem, niezależnie od tego, czy komputer jest zaangażowany, czy nie. Debra Ramsay działa jako ludzki rejestrator danych. Śledzi zmiany w środowiskach naturalnych – przesuwające się kolory konkretnego drzewa przez rok – i przekłada te dane na rygorystyczne systemy linii. Efektem jest obraz, który wygląda abstrakcyjnie, ale jest faktycznie konkretnym zbiorem danych czasu i światła.

Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) by Jasper van der Graaf (2023)

Widzimy podobny rygor u Jasper van der Graaf, którego prace dekonstruują samą ideę wzoru. Przesuwając i rekonfigurując moduły geometryczne, tworzy wizualny rytm, który wydaje się językiem, który niemal rozumiemy. To piękno systemu: satysfakcja z obserwowania, jak matematyka działa, nawet jeśli równanie pozostaje ukryte.

Rygor i psoty: łamanie siatki

Istnieje błędne przekonanie, że sztuka geometryczna jest pozbawiona humoru. Jednak istnieje długa tradycja "ekscentrycznej abstrakcji." Pomyśl o François Morellet, który wyznaczał krzywe swoich obrazów za pomocą cyfr liczby Pi, lub Heimo Zobernig, który używa siatki z celową, ironiczną niedbałością. Geometria może być grą, sposobem na ustanowienie reguły tylko dla przyjemności jej łamania.

12 Shapes by Dana Gordon (2024)

Dana Gordon Dana Gordon działa w tej strefie zorganizowanej ekspresji. Jego obrazy zbudowane są z gęstych, rytmicznych skupisk kształtów, które sugerują siatkę, nie będąc przez nią uwięzione. To forma geometrycznej improwizacji — podobnie jak jazz — gdzie struktura zapewnia rytm, ale kolor i znakowanie są wolne, by improwizować i wędrować. Efektem jest "luźna geometria", która wydaje się żywa i konsekwentnie zabawna, a nie wyliczona.

Red Frames  autorstwa Daniel Göttin (2019, Amsterdam, instalacja stała)

W trójwymiarowej sferze Daniel Göttin przenosi tę zabawę do rzeczywistości. Używa materiałów przemysłowych, taśmy, drewna, metalu, by ingerować w przestrzenie architektoniczne. Stosuje ścisłe zasady, ale efekt zależy od nieregularności pomieszczenia: wentylacji, kąta, okna. To dialog między platońskim ideałem kwadratu a chaotyczną rzeczywistością ściany wystawowej.

Poza płaską powierzchnią: gwałtowna geometria

"To, co widzisz, jest tym, co widzisz," powiedział Frank Stella, podkreślając, że obraz to po prostu obiekt, a nie okno. To skłoniło artystów do całkowitego złamania prostokąta. Współczesna artystka Angela de la Cruz słynnie bierze geometryczny monochrom i łamie ramy blejtramu, zgniatając obraz w rzeźbiarski wrak.

Bulge  autorstwa Holly Miller (2007)

Choć mniej gwałtowni, wielu współczesnych artystów równie mocno wierzy, że geometria musi uciec z płaskiej płaszczyzny. Holly Miller zastępuje malowaną linię fizyczną nicią, przeszywając bezpośrednio płótno. „Linia” nie jest już reprezentacją; to fizyczne napięcie rzucające prawdziwy cień.

Brand New Day autorstwa Tom Henderson (2018)

Podobnie, Tom Henderson wkracza w sferę wykończenia przemysłowego, używając pleksi i oleju do tworzenia rzeźb ściennych, które zatrzymują światło i odbicia, zmieniając się wraz z ruchem widza. A Louise Blyton kwestionuje standardowe cztery rogi malarstwa swoimi formowanymi płótnami i surowym lnem, łagodząc twardą krawędź przez fakturę naturalnego materiału. Przypominają nam, że geometria to nie tylko pojęcie mentalne; to rzecz w świecie, z wagą, fakturą i konsekwencjami.

Inside and Outside  autorstwa Louise Blyton (2020)

Wniosek: Życie z systemami

Żyjemy otoczeni geometriami, których nie wybraliśmy: planami miejskimi, interfejsami, sieciami logistycznymi. Abstrakcja geometryczna nie tylko odzwierciedla te systemy; oferuje przestrzeń do ich badania, spowalniania lub wyobrażania sobie alternatyw.

Czy to przez medytacyjne kompozycje Elizabeth Gourlay, czy przez miejskie dekodowanie Tom McGlynn, ci artyści udowadniają, że geometria nie jest klatką. To język. A wyzwaniem teraz nie jest powtarzanie kanonu, lecz zobaczenie, jak te formy mogą nadal przemawiać w świecie, gdzie geometria stała się zarówno naszym środowiskiem, jak i ograniczeniem.

Autor: Francis Berthomier
Wszystkie obrazy © artystów, reprezentowanych przez IdeelArt
Obraz wyróżniony: Message  autorstwa Dana Gordon (2023, detal)

Sztuka geometryczna z naszego asortymentu (wybór)