Ferventna Abstrakcja Oliviera Debré

Olivier Debré (1920–1999) jest kluczową postacią powojennej francuskiej abstrakcji. Jego artystyczna droga jest świadectwem siły malarstwa jako sposobu wyrażania emocji bez użycia opisu, a jego wyjątkowy styl – zakorzeniony w humanistycznych gestach i poszukiwaniu więzi – nadal rezonuje z współczesną publicznością.

Wczesne życie Debré kształtowały głębokie doświadczenia. Wychowany po I wojnie światowej, a później uczestnik francuskiego ruchu oporu podczas II wojny światowej, rozwinął wyostrzone poczucie zarówno kruchości, jak i odporności ludzkiego ducha. Ta świadomość jest utkana w jego dziełach, które dążą do stworzenia przestrzeni, w których widzowie mogą doświadczyć poczucia wspólnej emocji – przekraczającej niedoskonałość słów.

Odrzucając pretensje wysokiej sztuki na rzecz bardziej humanistycznych gestów, Debré malował na podłodze zamiast na sztaludze. Dodawał też skromne materiały, takie jak piasek, do farby i używał codziennych narzędzi, jak miotły, do nakładania mediów. Różnorodne dzieła, które stworzył, stały się synonimem terminu Liryczna Abstrakcja. To materialna manifestacja zmysłowości i subiektywności – malarski odpowiednik poezji i muzyki.

Znaki i symbole

Jedna z najczęściej opowiadanych historii o Debré mówi, że Pablo Picasso odwiedził jego pierwszą dużą solową wystawę w Paryżu. Po obejrzeniu prac Picasso powiedział Debré, który miał wtedy około 30 lat: „Malujesz już jak stary człowiek.” Ten enigmatyczny komentarz najwyraźniej skierował Debré na drogę rozwoju jego charakterystycznego abstrakcyjnego głosu. Zamiast kopiować popularne style tamtych czasów, rozpoczął wyczerpujący proces odkrywania, jak artysta może przekazywać myśli i uczucia poprzez sztukę abstrakcyjną. Zaczął od analizy, jak ludzie najczęściej przekazują sobie uczucia: za pomocą słów. Zdał sobie sprawę, że język pisany jest ucieleśnieniem komunikacji symbolicznej, ponieważ idee są tłumaczone na linie na powierzchniach tworzone przez fizyczne ludzkie gesty. To olśnienie skierowało go na drogę tworzenia własnej gestualnej, linearnej symboliki, którą mógł używać do przekazywania swoich uczuć i ułatwiania emocjonalnych więzi między widzami.

Olivier Debré - Monochrome rose rouge, trace rouge rose, 1984. Olej na płótnie, 180 x 180 cm. Kolekcja Galerie, Louis Carré & Cie, Paryż

Do tego momentu najczęstszymi emocjami, które Debré przeżywał, były samotność i żal. W rzeczywistości jego pierwsze zetknięcie ze sztuką miało miejsce, gdy miał zaledwie dziewięć lat i zmarła jego matka, a ojciec i wuj zachęcali go do rysowania i malowania jako sposobu radzenia sobie ze stratą. Niewypowiedziane okropności, których później był świadkiem walcząc przeciw nazistom, wielokrotnie przypominały mu o izolacji i cierpieniu, które tak często definiują ludzką kondycję. Jego przełomowy wysiłek, by wyrazić te straszne uczucia, nastąpił na początku lat 50. XX wieku, w serii abstrakcyjnych obrazów, które nazwał Signes-Personnages (Znaki-Postacie). Składające się głównie z pionowych, liniowych, czarnych form na białych tłach, prace przypominają hybrydę ludzkich sylwetek i liter. Debré nie próbował pokazać samotnych ludzi w tych dziełach – to obrazy samej istoty samotności.

Olivier Debré - Sans titre, ok. 1990. Olej na płótnie, 100 x 100 cm. Kolekcja prywatna

Rzeczywistość maluje nas

Oprócz długoletniej serii Signes-Personnages, Debré poświęcił wiele dekad swojej serii abstrakcyjnych pejzaży, które nazwał Signes-Paysages (Znaki-Pejsaże). Charakteryzujące się szerokimi pasmami żywych kolorów, te obrazy dzielą wizualne dziedzictwo z pracami artystów Color Field, takich jak Helen Frankenthaler 

i Mark Rothko. Debré tworzył te obrazy, aby wyrazić doznania, które odczuwał podczas kontaktu z naturalnym środowiskiem. Jednak nie mówił o tym zbiorze prac w kategoriach malowania świata przyrody, ponieważ nie postrzegał rzeczywistości jako czegoś, co ludzie tworzą. Zamiast tego postrzegał ludzkie doświadczenie jako coś, co jest nieustannie kształtowane i przekształcane przez naturalną rzeczywistość wykraczającą poza nasze pojmowanie. „Istnieje pewnego rodzaju nakładanie się między atmosferą mentalną a rzeczywistą,” mówił. „Zawsze jesteśmy jednocześnie w sobie i poza sobą. Maluję w emocji rzeczywistości, która mnie generuje.”

Olivier Debré - Sans titre, ok. 1958. Olej na płótnie, 27 x 35 cm. Kolekcja prywatna

Oprócz ogromnej liczby obrazów, które stworzył, Debré zyskał również sławę w świecie monumentalnych dzieł publicznych, tworząc liczne rzeźby publiczne oraz kolekcję cenionych kurtyn teatralnych, w tym kurtyn dla oper w Londynie i Hongkongu. Kiedy rozmyślał o swoim rozległym i różnorodnym dorobku, nazywał istotę tego, czego szukał, le signe du réel, czyli znak rzeczywistości. Fervent abstraction to nazwa, którą wymyślił, aby oddać pasję i bezpośredniość gestu, symbolu i uczucia jednocześnie powstających. Podobnie jak Picasso w początkach kubizmu, Debré poszukiwał głębszego realizmu wykraczającego poza świat artystycznego naśladownictwa; realizmu, który uchwyci tajemnicę i piękno zarówno widzialnych, jak i niewidzialnych aspektów życia.

Trwałe dziedzictwo Debré w współczesnej abstrakcji

Zaangażowanie Oliviera Debré w liryczną i gestualną abstrakcję pozostawiło trwały ślad w ewolucji współczesnego malarstwa. Jego nacisk na ekspresyjną moc koloru, gestu i doznania nadal inspiruje artystów działających dzisiaj. Wśród artystów IdeelArt wpływ ten jest widoczny w praktykach wielu malarzy, którzy podzielają oddanie Debré abstrakcji jako środka wyrażania emocji i osobistej ekspresji. Wśród nich wyróżniają się Xanda McCagg, Karl Bielik, Jill Moser, Anne Russinof oraz Marcus Aitken – to tylko kilka przykładów, z których każdy eksploruje gest i znakowanie w sposób, który nawiązuje do i rozwija artystyczne dziedzictwo Debré. Ich prace, wraz z dziełami wielu innych artystów IdeelArt, pokazują nieustającą żywotność lirycznej i gestualnej abstrakcji w obecnym czasie.

Olivier Debré: Fervent Abstraction będzie prezentowana od 30 czerwca do 12 września 2021 w The Estorick Collection of Modern Italian Art w Londynie.

Zdjęcie główne: Olivier Debré - Sans titre, ok. 1946. Tusz indyjski na papierze. 20,2 x 30,9 cm. Kolekcja prywatna
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Pierwotnie opublikowane przez Philip Barcio (2021); zaktualizowane i zredagowane przez Francis Berthomier (2025)

Powiązane dzieła sztuki