"Ślimak" Henri Matisse'a i Kluczowe Cechy Sztuki Abstrakcyjnej

„Ślimak” (1953) został ukończony rok przed śmiercią Matisse'a. Uważany jest za jego ostatni wielki „wycinankę” i jednocześnie arcydzieło. Dla Matisse'a, który był niestrudzony w swoim płodnym dorobku, mogło to być po prostu kolejne dzieło sztuki, o którym zapomniał, gdy tylko je ukończył, aby móc przejść do następnego. Jednak dla tych, którzy widzieli „Ślimaka” na żywo, jest to przejmujący, a nawet niezapomniany obraz, który ilustruje szczyt modernistycznej abstrakcji. Dzieło ma około trzech metrów kwadratowych, jest dwa razy wyższe niż większość widzów. Składa się z kolorowych kształtów przyklejonych do białego tła. Każdy kształt jest wycięty z kawałka papieru w kolorze gouache. Kształty są ułożone w luźny spiralny wzór — wyraz muszli ślimaka. Matisse nadał dziełu także drugi tytuł: „La Composition Chromatique”, czyli „Kompozycja Chromatyczna”. Ten drugi tytuł kryje w sobie tajemnicę. Większość pisarzy zakłada, że Matisse miał na myśli kolory. W końcu wybrał idealnie komplementarne odcienie do tego dzieła, tworząc wizualną kompozycję, która jest żywa i radosna. Jednak chociaż słowo chromatyczny jest rzeczywiście często używane w znaczeniu odnoszącym się do koloru, ma również konotację muzyczną — podobnie jak słowo kompozycja. W muzyce skala chromatyczna obejmuje wszystkie 12 dźwięków, które można zagrać na standardowej pianinie. To pełna, wszechstronna skala. Patrząc na „Ślimaka”, wielu widzów dostrzega obecność 12 odcieni. Czy Matisse mógł odnosić się do muzyki, jak i koloru, nadając temu drugiemu tytułowi? Jedno jest pewne, nadając temu dziełu oba tytuły, Matisse obdarzył je zarówno cechami figuralnymi, jak i abstrakcyjnymi, dodając bogate warstwy gotowe do interpretacji, czyniąc „Ślimaka” idealnym dziełem do analizy kluczowych cech sztuki abstrakcyjnej.

Rozwijanie

„Ślimak” został zakupiony przez Tate w Londynie w 1962 roku. Czternaście lat później muzeum otrzymało list od Mme Lydii Delectorskiej, wygnanej Rosjanki, która była modelką, asystentką w studiu i menedżerką kariery Matisse'a w jego późniejszych latach. List opisuje powstanie „Ślimaka”. Cytuje Matisse'a: „Najpierw narysowałem ślimaka z natury, trzymając go. Zdałem sobie sprawę z rozwijania, znalazłem w moim umyśle obraz oczyszczony z muszli, a potem wziąłem nożyczki.” W tym prostym zdaniu zawarta jest poetycka synteza całej kariery Matisse'a. Przede wszystkim pracował z naturą, malując obrazy figuratywne. Jego naśladowanie natury następnie rozwijało się, gdy badał dynamiczne abstrakcyjne cechy koloru. Uprościł, redukując swoją pracę do oczyszczonych obrazów, takich jak „Taniec II” (1932), mural w Barnes Foundation w Pensylwanii, czy „Leżąca Naga” (1935), dla której modelowała Mme Delectorskaya. W końcu „wziął nożyczki”, przekształcając swoją metodę pracy po odkryciu, że nie może już malować po komplikacjach po operacji raka dwunastnicy.

Fraza „wziął nożyczki” odnosi się do techniki kolażu wycinanego, którą Matisse opracował podczas choroby. Przykuty do wózka inwalidzkiego, przepisał dokładne kolory, które chciał użyć, asystentom, którzy następnie malowali kawałki papieru w tych kolorach w gouache. Matisse wycinał papier nożyczkami, formując go według swojej wyobraźni. Kierował swoimi asystentami w tworzeniu precyzyjnych kompozycji na panelach zawieszonych na ścianie. Ta ewolucja, od malarstwa do wycinanek, zrodziła się z konieczności, ale była także doskonałym gestem modernistycznym, ponieważ zrywała z fałszywościami rysowania kształtów, a następnie malowania kolorów w nie, pozwalając na bardziej uczciwy proces, w którym metoda, medium i materiał stały się jednością. „Ślimak” jest ponadto uważany za szczególnie głębokie stwierdzenie modernistyczne, ponieważ spiralny wzór na muszli ślimaka, to co Matisse nazywał „rozwijaniem”, odnosi się do Złotej Proporcji, strategii kompozycyjnej często używanej w wczesnej sztuce abstrakcyjnej, która jest uważana za wyraz uniwersalnej harmonii w naturze.

Kolor i muzyka

Przyznając "Ślimakowi" dodatkowy tytuł "La Composition Chromatique", Matisse otworzył drzwi do tego, aby dzieło było postrzegane nie tylko według jego narracyjnych cech reprezentacyjnych, ale także według jego czysto formalnych estetycznych terminów. Ten wybór był uznaniem ze strony artysty, że akceptuje sposoby, w jakie jego prace mogą być interpretowane na oba sposoby przez widzów. Był postrzegany na oba sposoby przez niego, a on wyraźnie chciał, abyśmy również otworzyli nasze umysły na oba punkty widzenia. Postrzegane jako po prostu konkretna, formalna kompozycja kolorów i kształtów, dzieło ogłasza szereg emocjonalnych i fizycznych cech, takich jak radość, energia i ruch. Płaskość obrazu subtelnie konkuruje z wymiarowymi aspektami warstwowych papierów. Ciemne i jasne odcienie tworzą iluzje głębi.

Dla tych, którzy pragną kontemplować muzykalne cechy „La Composition Chromatique”, przyjemnością jest głębiej przyjrzeć się różnym odcieniom obecnym w dziele. Ile odcieni pomarańczowego jest? Ile odcieni zielonego? W centrum obrazu znajduje się 11 kształtów, plus białe tło i pomarańczowa ramka, która sama składa się z co najmniej siedmiu elementów. W zależności od tego, jak twój mózg postrzega kolor, może być nawet 19 różnych odcieni. Jednak większość ludzi widzi dziewięć wyraźnych odcieni w centrum, plus biały, plus dwa dodatkowe odcienie pomarańczowego w ramce. Te 12 odcieni meandruje lirycznie wokół kompozycji, oddając hołd innej wielkiej nowoczesnej idei: że abstrakcyjne elementy wizualne są podobne do muzyki. Wszystkie te różne sposoby odnoszenia się do tego arcydzieła składają się na mistrzowską lekcję, jak wchodzić w interakcję z sztuką abstrakcyjną. Ten jeden wycięty element jest częścią obrazu, częścią rzeźby w reliefie, częścią konkretu, częścią liryki, częścią geometrii, częścią figury i częścią abstrakcji. Jest tym wszystkim i niczym z tego. W swojej wielości ucieleśnia tajemnicę przekonania, które Matisse kiedyś wyraził, że „Dokładność nie jest prawdą.”

Obraz wyróżniony: Henri Matisse - Ślimak, 1953. Gwasz na papierze, wycięty i naklejony na papierze zamontowanym na płótnie. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ in × 108 in). Modern, Londyn. © Succession Henri Matisse/DACS 2018
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio