"Ślimak" Henri Matisse'a i Kluczowe Cechy Sztuki Abstrakcyjnej

„The Snail” (1953) zostało ukończone rok przed śmiercią Matisse’a. Uznaje się je za jego ostatni wielki „wycinanek”, a także za arcydzieło. Dla samego Matisse’a, który nieustannie tworzył, być może było to po prostu kolejne dzieło, o którym zapomniał zaraz po skończeniu, by móc przejść do następnego. Jednak dla tych, którzy widzieli „The Snail” osobiście, jest to poruszający, wręcz niezapomniany obraz, który ukazuje szczyt modernistycznej abstrakcji. Praca ma około trzech metrów kwadratowych, jest dwukrotnie wyższa od większości widzów. Składa się z kolorowych kształtów przyklejonych na białym tle. Każdy kształt wycięty jest z papieru pomalowanego gwaszem. Kształty ułożone są w luźną spiralę — wyraz muszli ślimaka. Matisse nadał dziełu także drugi tytuł: „La Composition Chromatique”, czyli „Kompozycja chromatyczna”. Ten drugi tytuł skrywa tajemnicę. Większość autorów zakłada, że Matisse odnosił się do kolorów. W końcu dobrał idealnie dopełniające się barwy, tworząc wizualną kompozycję pełną życia i radości. Jednak słowo chromatyczny często oznacza coś związanego z kolorem, ale ma też muzyczne znaczenie — podobnie jak słowo kompozycja. W muzyce skala chromatyczna obejmuje wszystkie 12 dźwięków, które można zagrać na standardowym fortepianie. To pełna, wszechstronna skala. Patrząc na „The Snail”, wielu widzów dostrzega 12 barw. Czy Matisse mógł mieć na myśli muzykę tak samo jak kolor, nadając temu dziełu drugi tytuł? Jedno jest pewne: nadając temu dziełu oba tytuły, Matisse obdarzył je zarówno cechami figuratywnymi, jak i abstrakcyjnymi, dodając bogate warstwy do interpretacji, czyniąc „The Snail” idealnym dziełem do studiowania kluczowych cech sztuki abstrakcyjnej.

Rozwijanie

„The Snail” zostało zakupione przez Tate w Londynie w 1962 roku. Czternaście lat później muzeum otrzymało list od pani Lidii Delectorskiej, rosyjskiej emigrantki, która była modelką, asystentką w pracowni i menedżerką kariery Matisse’a w jego późniejszych latach. List opisuje powstanie „The Snail”. Cytuje Matisse’a: „Najpierw narysowałem ślimaka z natury, trzymając go. Uświadomiłem sobie rozwijanie, znalazłem w myślach obraz oczyszczony z muszli, potem sięgnąłem po nożyczki.” W tym prostym zdaniu zawarta jest poetycka synteza całej kariery Matisse’a. Przede wszystkim pracował z natury, malując obrazy figuratywne. Jego naśladownictwo natury rozplątało się, gdy zaczął badać dynamiczne abstrakcyjne cechy koloru. Upraszczał, redukując swoje dzieła do oczyszczonych obrazów, takich jak „Taniec II” (1932), mural w Barnes Foundation w Pensylwanii, czy „Leżąca akt” (1935), dla którego pani Delectorska była modelką. W końcu „sięgnął po nożyczki”, zmieniając metodę pracy po tym, jak z powodu powikłań po operacji raka dwunastnicy nie mógł już malować.

Wyrażenie „sięgnął po nożyczki” odnosi się do techniki kolażu wycinankowego, którą Matisse opracował będąc chorym. Na wózku inwalidzkim, wskazywał asystentom dokładne kolory, które chciał użyć, a oni malowali kawałki papieru tymi barwami gwaszem. Matisse wycinał papier nożyczkami, formując go według swojej wyobraźni. Kierował asystentami przy tworzeniu precyzyjnych kompozycji na panelach zawieszonych na ścianie. Ta ewolucja, od malarstwa do wycinanek, była wymuszona koniecznością, ale też stanowiła doskonały gest modernistyczny, ponieważ pozbawiła fałszu rysowanie kształtów i malowanie ich kolorem, pozwalając na bardziej szczery proces, w którym metoda, medium i materiał stały się jednym. „The Snail” uważane jest także za szczególnie głębokie oświadczenie modernistyczne, ponieważ spiralny wzór na muszli ślimaka, który Matisse nazwał „rozwijaniem”, odnosi się do Złotej Proporcji, strategii kompozycyjnej często stosowanej w wczesnej sztuce abstrakcyjnej, uważanej za wyraz uniwersalnej harmonii w przyrodzie.

Kolor i muzyka

Nadając „The Snail” dodatkowy tytuł „La Composition Chromatique”, Matisse otworzył drzwi do rozpatrywania dzieła nie tylko pod kątem jego narracyjnych, przedstawiających cech, ale także pod względem czysto formalnych, estetycznych. Ten wybór był uznaniem przez artystę, że jego prace mogą być odbierane przez widzów na oba sposoby. Sam postrzegał je w obu tych wymiarach i wyraźnie chciał, byśmy także otworzyli umysły na oba punkty widzenia. Widząc dzieło jako konkretny, formalny zbiór kolorów i kształtów, wyraża ono szereg emocjonalnych i fizycznych cech, takich jak radość, energia i ruch. Płaskość obrazu subtelnie konkuruje z przestrzennymi aspektami warstw papieru. Ciemne i jasne barwy tworzą złudzenia głębi.

Dla tych, którzy chcą rozważać muzyczne cechy „La Composition Chromatique”, przyjemnością jest głębsze przyjrzenie się różnym barwom obecnym w dziele. Ile odcieni pomarańczowego jest obecnych? Ile odcieni zieleni? W centrum obrazu jest 11 kształtów, plus białe tło i pomarańczowa ramka, która sama składa się z co najmniej siedmiu kawałków. W zależności od tego, jak mózg odbiera kolory, może być nawet 19 różnych barw. Jednak większość ludzi widzi dziewięć wyraźnych barw w centrum, plus biel, plus dwa dodatkowe odcienie pomarańczowego w ramce. Te 12 barw wędruje lirycznie po kompozycji, oddając hołd innej wielkiej modernistycznej idei: że abstrakcyjne elementy wizualne są podobne do muzyki. Wszystkie te różne sposoby odnoszenia się do tego arcydzieła tworzą mistrzowską lekcję, jak obcować ze sztuką abstrakcyjną. Ta jedna wycinanka jest częściowo obrazem, częściowo rzeźbą płaskorzeźbą, częściowo konkretem, częściowo liryczna, częściowo geometryczna, częściowo figuratywna i częściowo abstrakcyjna. Jest tym wszystkim i jednocześnie niczym z tego. W swojej wielości ucieleśnia tajemnicę przekonania, które Matisse kiedyś wyraził, że „Dokładność nie jest prawdą.”

Zdjęcie główne: Henri Matisse - The Snail, 1953. Gwasz na papierze, wycięty i przyklejony na papierze zamocowanym na płótnie. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ cala × 108 cali). Modern, Londyn. © Sukcesja Henri Matisse/DACS 2018
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio