Odkryj sztukę gouache, którą możesz kolekcjonować

Pisaliśmy już wcześniej o sztuce gouache, badając jej bogatą historię i tradycje w kontekście abstrakcji. Gouache to wszechstronny medium malarskie, które łączy w sobie niektóre z najbardziej pożądanych cech kilku innych mediów. Gouache może być nieprzezroczysty jak farby olejne, ale schnie szybko jak akryle. Jest aktywowany wodą jak akwarele, więc można go łatwo ponownie aktywować po wyschnięciu, ale ponieważ nie jest koniecznie przezroczysty, przewyższa akwarele pod względem intensywnych odcieni. Gouache jest również wygodne w użyciu i łatwe do posprzątania, co ułatwia początkującym naukę. A mimo swojej prostoty, subtelności i abstrakcyjne potencjały gouache mogą zająć całe życie malarza, aby je naprawdę opanować, a dla widza sztuki gouache, aby w pełni docenić.

Zbieranie sztuki akwarelowej

Wielu ważnych malarzy abstrakcyjnych XX wieku używało gouache. Agnes Martin lubiła go, ponieważ po wyschnięciu jego właściwości pozwalają na rysowanie innymi mediami, takimi jak tusz i grafit. Alexander Calder cenił gouache za jego bezpośredniość i za intensywność kolorów, które mu pomagał uzyskać. A Matisse używał gouache do stworzenia niektórych ze swoich najsłynniejszych dzieł, swoich ikonicznych wycinanek, tych jasnych, kolorowych abstrakcyjnych kolaży, które stworzył w swoich latach 70., po zdiagnozowaniu raka.

Dziś współcześni artyści wykorzystują gwasz w swojej twórczości z wielu tych samych powodów, co mistrzowie ubiegłego wieku: ze względu na jego wspaniałe kolory, łatwość użycia, natychmiastowy wpływ na powierzchnię i widza oraz warstwową zdolność do wywoływania kontemplacji. Kilku współczesnych artystów abstrakcyjnych, których reprezentujemy na IdeelArt, włączyło gwasz do swoich dzieł. Jeśli jesteś miłośnikiem lub kolekcjonerem sztuki gwaszowej, oto wprowadzenie do niektórych z tych artystów, wraz z przykładami ich prac:

Joanne Freeman

Prace akwarelowe Joanne Freeman są malowane na ręcznie robionym papierze indyjskim Khadi, tradycyjnym papierze z makulatury wykonanym w 100% z włókien bawełnianych. Jej kompozycje przekazują połączenie ostrej geometrii i organicznych gestów. Powstają w wyniku procesu, który jest częściowo oparty na kontroli, a częściowo na improwizacji. Zabezpiecza obszary taśmą, aby uzyskać ostry brzeg, a następnie spontanicznie rozwija obraz stamtąd. Specyficzne właściwości akwareli pozwalają Freeman przekazać fizyczność i emocje w języku wyraźnych, żywych kolorów. Dwa pokazane tutaj dzieła są częścią jej serii Covers, która odnosi się do uproszczonej estetyki albumów z połowy wieku i okładek książek w miękkiej oprawie.

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache on handmade Khadi paper. 13 x 13 in

Jean Feinberg

Jean Feinberg czerpie z różnych materiałów i mediów, aby zbadać, w jaki sposób relacje kolorów oddziałują z materiałami i przestrzenią. Często tworzy swoje prace akwarelowe w połączeniu z znalezionym papierem, budując elementy farby i kolażu na japońskim papierze. Te warstwowe, eteryczne prace zaczynają się od niezliczonych kawałków kolorowego papieru, które Feinberg zebrała w swoim studiu. Papier z odzysku informuje paletę kolorów i kieruje kształtami oraz liniami w kompozycjach, prowadząc do eksploracji emocji i sił natury.

Jean Feinberg - Open Heart, 2015. Gouache and collage on Japanese paper. 24.8 x 18.5 in

Ksiądz Ellen

Muzyka jazzowa jest istotnym wpływem dla Ellen Priest. Jej duże, wymiarowe, abstrakcyjne kolaże zaczynają się od mniejszych studiów malowanych intuicyjnie na welinie za pomocą gwaszu. Priest nazywa te studia wizualnymi spotkaniami z kompozycją jazzową. W jej serii prac Jazz Cubano, farba gwaszowa tworzy spłaszczony wygląd, podczas gdy intensywność kolorów wchodzi w interakcję z aktywną białą przestrzenią, tworząc wymiarowość, naśladując wrażenia światła, wody, powietrza i przestrzeni latem na plaży.

Ellen Priest - Jazz Cubano #5 front study, 2013. Unikalne. Gwasz na papierze. 106,7 x 106,7 cm

Tracey Adams

Podobnie jak jej obrazy na panelu, prace w gouache i papierze, które Tracey Adams tworzy od 2016 roku, badają miejsce spotkania organizacji i spontaniczności. Dla każdej pracy w gouache Adams ustala pewne ścisłe parametry, takie jak ograniczona paleta kolorów czy szczególny słownik fizycznych gestów. W ramach tego szkieletu instynktownie buduje kompozycję, używając kombinacji gouache, tuszu i kolażu.

Tracey Adams - Music is a Means of Rapid Transportation, 2016. Collage, ink and gouache on Arches paper. 29.9 x 22 in

Elżbieta Gourlay

Obrazy Elizabeth Gourlay są bogate w metaforyczne implikacje. Używając warstwowych kolorów i mieszanki mediów, wyłaniają się z wewnętrznej emocjonalnej reakcji na elementy zarówno intelektualne, jak i zewnętrzne. Jej obrazy akwarelowe Broken Line są częścią większej serii prac, które Gourlay stworzyła w odpowiedzi na naturalne i architektoniczne otoczenie, które napotkała podczas pobytu w Umbrii, Włochy.

Elizabeth Gourlay - Broken Line B, 2014. Graphite and gouache on vellum. 8.7 x 8.7 in

Małgorzata Neill

Energia i fizyczność emanują z lirycznych obrazów Margaret Neill. Wzory pojawiają się i znikają; organiczne gesty fizyczne przeplatają się z geometryczną przestrzenią; poczucie spokoju i harmonii istnieje wśród czegoś złożonego. Neill zazwyczaj pracuje w seriach, badając to, co nazywa szczególną koncepcją formalną, aż poczuje, że idea się rozwiązała. Prace w jej serii Groove zawierają faliste warstwy form przypominających węże, podczas gdy jej seria Switchback bada połączenie przezroczystych i nieprzezroczystych owalnych kształtów.

Margaret Neill - Groove 2, 2005. Akryl i gwasz na papierze. 22,8 x 22 cale

Tom McGlynn

Dzieło Toma McGlynna odpowiada na to, co nazywa „abstrakcjami społecznymi” w współczesnym środowisku, na przykład wszechobecnymi kompozycjami wizualnymi typowymi dla znaków i logo. Poetycko interpretuje istotę tych abstrakcji, aby stworzyć prace, które łączą się z widzami na instynktownym poziomie. Używa kombinacji farby akrylowej i gwaszu, aby uzyskać skoncentrowaną, żywą paletę kolorów, upraszczając swoje kompozycje do ich najczystszej postaci. McGlynn opisuje swoją serię Decal jako odnoszącą się do „rodzaju kultury aplikacji, odczuwalnej fenomenologii koloru i formy”, podczas gdy jego seria Test Pattern odnosi się do tego, co nazywa „testem kalibracji koloru mechanicznego oka."

Tom McGlynn - Decal (Two Yellow Bars Over Red on Blue), 2014. Acrylic/gouache on wood. 23.6 x 29.9 in

Obraz wyróżniony: Tom McGlynn - Acoma 1, 2012. Unikat. Akryl/Gouache na drewnie. 60,9 x 76,2 cm
Autor: Phillip Barcio