Kolor, Fokusa i Pole w Obrazach Kennetha Nolana

Zwykły obserwator mógłby pomylić Kennetha Nolana z malarzem wzorów. Rzeczywiście, najbardziej zapadające w pamięć obrazy Kennetha Nolana wyrażają ograniczony zakres kształtów i wzorów: okręgi, chevrony, diamenty, paski i kratki. Ale w przeciwieństwie do tej perspektywy, Noland wcale nie interesował się takimi rzeczami jak kształt i wzór. Powód, dla którego wracał do tych samych obrazów raz po raz, polegał na tym, że wierzył, iż powtórzenie zachęci widzów do zignorowania kształtów i wzorów, a zamiast tego skupienia się na jego prawdziwej dziedzinie zainteresowań: nieskończonym potencjale koloru i pola.

Podróż do stylu

Oprócz bycia doskonałym artystą, Kenneth Noland jest również doskonałym przykładem wartości ustawy G.I. Bill; programu rządowego USA, który pozwala zwolnionym żołnierzom uczęszczać na uniwersytet bez opłat za czesne. W 1942 roku Noland wstąpił do Sił Powietrznych USA w wieku 18 lat. Po powrocie do domu w Północnej Karolinie na końcu II wojny światowej, skorzystał ze swoich przywilejów G.I. Bill, aby zapisać się do lokalnej szkoły artystycznej. Tą szkołą była słynna Black Mountain College, do której przenieśli się wielu wpływowych nauczycieli z Bauhausu, gdy ich akademia została zamknięta w odpowiedzi na interwencję nazistów.

Podczas pobytu w Black Mountain College, Noland studiował pod kierunkiem Ilyi Bolotowskiego, który był protegowanym Pieta Mondriana, założyciela Neo-Plastycyzmu. W tradycji Neo-Plastyków, Bolotowsky promował proste geometryczne wzory i czyste kolory. Noland studiował również pod kierunkiem Josefa Albersa, czołowego teoretyka i malarza modernizmu oraz pasjonującego się relacjami kolorów. Noland przyswoił sobie mentorską rolę swoich nauczycieli i rozwijał ich pomysły, kształtując przez całe życie zainteresowanie ekspresyjnymi możliwościami prostych kompozycji z żywych kolorów.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryl na płótnie. 60 x 60 cali. Kolekcja Cornelii Noland Reis. © Kenneth Noland

Postmalarski Abstrakcjonizm

Wraz z Morrisem Louisem, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko i Julesem Olitskim, Kenneth Noland szybko stał się związany z ruchem Color Field, jednym z artystycznych tendencji związanych z tym, co nazywa się Post-Painterly Abstraction. Termin Post-Painterly Abstraction, wprowadzony w 1964 roku przez Clementa Greenberga na wystawie, którą zorganizował w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles, odnosi się do trendu w malarstwie, który odchodzi od malarskich, impasto dzieł, w kierunku płaskich powierzchni i braku widocznych pociągnięć pędzla.

Choć termin Malarstwo Pola Kolorów cierpi na nieco niejasną definicję, Kenneth Noland był kwintesencjonalnym przedstawicielem Post-Malarskiej Abstrakcji. Jego obrazy odrzucały osobistą dramatykę Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego. Uprościły środki malarskie, odrzucając kolaż, assemblage, przedmioty znalezione i inne złożoności, polegając zamiast tego na najprostszych składnikach: farbie i płótnie. Jego kolory były żywe i czyste, jego kompozycje były bezpośrednie i proste, a jego obrazy stały się jednością ze swoimi nośnikami.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryl na płótnie. 75 x 141 cali. © Kenneth Noland

Łączenie koloru z polem

Noland stworzył swoje pierwsze tzw. Obrazy Pola Kolorów około 1956 roku. Składały się one z koncentrycznych pierścieni kolorowych kół. Kuszące jest spekulowanie, że te obrazy w jakiś sposób odnosiły się do jego doświadczeń wojennych, ponieważ przypominały cele. Jednak w różnych wywiadach Noland powiedział, że wybrał motyw koła, ponieważ był to non-obraz, który mógł pozwolić oku na zanurzenie się w doświadczeniu koloru. Ale kolor nie był jedyną rzeczą, o której mówiły jego obrazy. Dotyczyły również konfrontacji z separacją między obrazem a jego powierzchnią.

Przez większość historii sztuki obrazy były postrzegane jako obrazy malowane na przygotowanych powierzchniach. Pole, na którym istnieje obraz, tzn. płótno, było wstępnie przygotowane, naciągnięte i zagruntowane. Czekało na obraz, wspierało go i było oddzielone od wizerunku. W umysłach malarzy takich jak Noland, to oddzielenie było szkodliwe. Zamiast cieszyć się swobodnym, nieograniczonym wyrazem, artysta był ograniczany lub kierowany przez z góry określone wsparcie, mimo że powstający obraz mógł być jeszcze nieobrazowany. Noland chciał połączyć obraz z wsparciem, łącząc kolor z polem w zjednoczonej estetycznej wypowiedzi.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Akryl na płótnie. 103,7 x 142,5 in. © Kenneth Noland

Zunifikowany Obiekt Ekspresyjny

Noland otrzymał swoje objawienie w 1953 roku, w formie wizyty w pracowni malarki Helen Frankenthaler. W swojej nowojorskiej pracowni Frankenthaler wprowadziła to, co nazywała techniką soak-stain. Zamiast przygotowywać wstępnie pokrytą płótno w celu namalowania obrazu, rozkładała surowe kawałki płótna na podłodze, a następnie wlewała farbę bezpośrednio na nieprzygotowaną powierzchnię. Farba łączyła się z powierzchnią, rozprzestrzeniając się w organiczny sposób po powierzchni, gdy łączyła się z tkaniną. Farba i podłoże stały się jednością.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Żywica akrylowa na płótnie. 98 x 208 cali. © Kenneth Noland

Noland natychmiast przyjął technikę soak-stain Frankenthaler. Dawała mu ona szansę na stworzenie zjednoczonego obiektu, w którym kolor był osadzony. Umożliwiło mu to również wyeliminowanie wyglądu pociągnięć pędzla, które były postrzegane jako znak osobowości artysty. Razem te dwa postępy pozwoliły mu zacząć tworzyć obrazy, które nie koncentrowały się na przedstawianiu czegokolwiek konkretnego, ale dotyczyły podstawowych elementów, które go zajmowały, takich jak kolor, powierzchnia, tekstura, symetria i skala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryl na płótnie. © Kenneth Noland

Uprawa

Dobrze udokumentowano, że Noland, podobnie jak jego współczesny Morris Louis, przyjął technikę soak-stain od Helen Frankenthaler. Ale istnieje inna technika, którą Kenneth Noland przyjął później w swojej karierze, która również mogła być inspirowana Frankenthaler. Jest to praktyka przycinania. W fotografii przycięcie obrazu oznacza wybór tylko tej części ekspozycji, którą chcesz wydrukować, ujawniając tylko to, co lubisz. Wiele zdjęć Frankenthaler w jej pracowni pokazuje ją pracującą nad ogromnymi, nie naciągniętymi płótnami. Przycięła i oprawiła swoje płótna po ich namalowaniu, co pozwoliło jej rozwijać obraz z jak najmniejszymi ograniczeniami, a następnie wybrać obszar, który uważała za najbardziej ekspresyjny. To była praktyka, którą Kenneth Noland stosował szeroko, szczególnie gdy zaczął tworzyć płótna w kształcie. Pracował nad ogromnym płótnem na podłodze i tworzył kompozycje kolorystyczne bez ograniczeń przestrzennych. To pozwoliło mu swobodnie badać relacje kolorów, nie martwiąc się o ostateczny rezultat. Gdy proces tworzenia i odkrywania był zakończony, mógł wtedy "wyciąć" ostateczny obraz, wybierając obszar, który chciał oprawić spośród nieskończonych możliwych opcji w zasadzie w procesie edycji. Noland odniósł się do piękna tego procesu w wywiadzie z 1977 roku z Diane Waldman dla Art in America, mówiąc: "Kolor może być na krawędzi obrazu lub wewnątrz przestrzeni obrazu: pytanie o górę, dół, lewo, prawo stało się całkowicie elastyczne, podobnie jak pytanie o równoległość, pionowość czy poziomość."

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Akryl na płótnie. © Kenneth Noland

Głębokości prostoty

Kenneth Noland okresowo zwracał się do rzeźbiarzy w celu zbadania abstrakcyjnej natury koloru. Rzeźbiarz David Smith szczególnie go inspirował, a Noland czasami współpracował z rzeźbiarzem Tony'm Caro, malując jego rzeźby po ich zbudowaniu. Robił to wyłącznie z ciekawości i w duchu eksperymentowania. Nie potrafił dokładnie wyrazić, czego się spodziewał znaleźć, ani co miały oznaczać takie eksperymenty. Powiedział: “Zwykle pomijamy wiele znaczeń, które zachodzą w życiu, które są niewerbalne. Kolor może przekazywać pełen zakres nastroju i ekspresji, doświadczeń życiowych, bez konieczności nadawania mu cech opisowych lub literackich.”

Kenneth Noland - Promienność Kadmu. © Kenneth Noland

Osoby z zamiłowaniem do złożoności mogą łatwo zlekceważyć karierę opartą wyłącznie na prostocie i ciekawości. Obrazy Kennetha Nolana rzeczywiście wydają się nie zawierać żadnej dramatu. A jednak są ekspresyjne. Są jak lament dziecka, dźwięk dzwonu lub krzyk syreny. Natychmiast rozpoznajemy je za to, czym są. Wiemy, że proszą nas o reakcję, chociaż możemy nie rozumieć ich dokładnego celu ani precyzyjnie, jaka powinna być nasza reakcja. Ale być może, tak jak w przypadku dzwonów, krzyków i syren, reakcja wszystkich nie jest konieczna.

Obraz wyróżniony: Kenneth Noland - Kwiecień (szczegół), 1960. Akryl na płótnie. 16 x 16 cali. © Kenneth Noland
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio