Postmalarska Abstrakcja - Znaczenie i Zakres

W terminach historii sztuki modernizm nie był ruchem. Był raczej procesem samoświadomości sztuki. Zamiast koncentrować się na obiektywnej reprezentacji, malarze modernistyczni badali, co mogą wyrazić poprzez abstrakcję lub poprzez formalne cechy malarstwa, takie jak kolor, forma, gest i powierzchnia. Wśród ruchów malarskich modernizmu, Post-Painterly Abstraction był jednym z ostatnich, które się pojawiły, zanim postmodernistyczne postawy zyskały na znaczeniu pod koniec XX wieku. Skupił się na najbardziej podstawowym elemencie malarstwa — dwuwymiarowości, czyli płaskości. Wyeliminował wszelkie odniesienia do narracyjnych tematów oraz do osobowości artysty. Osiągnął to, co krytyk sztuki Clement Greenberg uważał za samą istotę malarstwa modernistycznego, czyli zredukowanie malarstwa do jego "żywotnej esencji."

Zasady postmalarskiej abstrakcji

Aby zrozumieć Post-Painterly Abstraction, warto rozważyć jego przeciwieństwo: Painterly Abstraction, którego doskonałym przykładem jest Abstract Expressionism. Wyobraź sobie jedno z malarstw plakatowych Jacksona Pollocka, z jego pierwotną energią i wrodzoną dramatycznością. To wyraz podświadomości Pollocka. Farba gromadzi się w warstwach i stosach, tworząc grzbiety i doliny. Detrytus, taki jak szkło i niedopałki papierosów, miesza się z medium, tworząc żywe, "malarstwo" dzieło, w którym ręka artysty, jego osobowość i ego są widoczne w każdym znaku.

Helen Frankenthaler - Approach, 1962, olej na płótnie, 82 x 78 cali, Kolekcja Andersona na Uniwersytecie Stanforda, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

W obrazie w stylu Post-Painterly Abstract nie ma widocznych pociągnięć pędzla. Powierzchnia obrazu jest płaska. Farba i powierzchnia są jednością. Kolory są liniowe, a nie warstwowe, i są również żywe i jasne, wyrażające swoje własne istotne cechy, ale nic więcej. W obrazie nie ma szczegółów poza kolorem, formą i przestrzenią. Zamiast tego, aby kompozycja opowiadała historię lub przekazywała podświadomą dramatykę, kompozycja jest otwarta, pozwalając formalnym cechom koloru i powierzchni być tematem dzieła. Doskonałym przykładem jest Bridge, namalowany w 1964 roku przez amerykańskiego artystę Kennetha Nolana.

Kenneth Noland - Most, 1964, Akryl na płótnie, 89 x 98 cali, © Kenneth Noland

Modernizm vs. Postmodernizm

Może to brzmieć myląco, nazywając Post-Painterly Abstraction jednym z ostatnich ruchów artystycznych modernizmu. W końcu jest wielu, którzy wierzą, że modernizm trwa do dziś. To, czy uważasz się za modernistę, czy postmodernistę, sprowadza się zasadniczo do tego, w co wierzysz. Postmodernizm traktuje historię jako względną i uważa pojęcia liniowego "postępu" za bzdurę.

Jack Bush - Miły róż, 1965, Akryl na płótnie, © Jack Bush

Modernizm opierał się na idei wzajemnie uzgodnionej formalnej przeszłości artystycznej. Modernizm wymagał ewolucji artystycznej. Wymagał nowości, co wymagało wynalazczości, co z kolei wymagało zrozumienia tego, co miało miejsce wcześniej. W istocie, modernizm opowiada historię. Mówi: „Artyści robili to aż zaczęli robić to”, i tak dalej. Aby zrozumieć kontekstualny wpływ jakiegoś dzieła sztuki modernistycznej, najpierw musisz zrozumieć, dlaczego było innowacyjne jak na swoje czasy, co wymaga zrozumienia jego miejsca w danym ruchu, a także miejsca tego ruchu w szerszej narracji historycznej sztuki.

Ellsworth Kelly - Niebiesko-biały, 1962, Olej na płótnie, © Ellsworth Kelly

Wystawa Post-Malarstwa Abstrakcyjnego z 1964 roku

Krytyk sztuki Clement Greenberg był prawdziwym modernistą, co oznacza, że wierzył w ogólną narrację historii sztuki i czuł przymus kontekstualizowania współczesnych tendencji w odniesieniu do tej większej opowieści. Szczerość i głęboka wiedza historyczna Greenberga uczyniły go jednym z najbardziej wpływowych narratorów modernizmu. W ciągu XX wieku jego obszerne pisma definiowały narrację modernistyczną, opisując jej ewolucję od połowy XIX wieku, kontekstualizując jej postępy, a nawet nazywając jej najsłynniejsze ruchy po II wojnie światowej, w tym ekspresjonizm abstrakcyjny.

Morris Louis - Earth Gamut, 1961, żywica akrylowa (Magna) na płótnie, 86 7/8 x 60 cali, Copyright © MICA / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Greenberg ukuł i zdefiniował termin Post-Painterly Abstraction, organizując wystawę o tej samej nazwie w Muzeum Sztuki w Los Angeles w 1964 roku. Wystawa LACMA Post-Painterly Abstraction prezentowała prace 31 artystów, których Greenberg uważał za twórców reprezentujących to, co uznawał za nową tendencję w sztuce modernistycznej. Wśród artystów zaprezentowanych na wystawie byli także ci, którzy później stali się jednymi z najsłynniejszych malarzy XX wieku, w tym Helen Frankenthaler, Jack Bush, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland oraz Frank Stella.

Kenneth Noland - Radiancja kadmowa, 1963, Magna na płótnie, © Kenneth Noland

Gwiazdy postmalarskiej abstrakcji

Helen Frankenthaler wniosła trzy prace na wystawę Post-Painterly Abstraction w LACMA. Wśród nich znalazło się Approach, które prezentowało unikalną technikę „soak stain” Frankenthaler. Technika ta polegała na wylewaniu rozcieńczonej farby bezpośrednio na niegruntowane płótno, aby medium mogło przyjąć organiczne formy, jednocześnie eliminując pociągnięcia pędzla, aby zminimalizować widoczność ręki artysty. 

Jack Bush był kanadyjskim malarzem abstrakcyjnym związanym z grupą o nazwie Painters Eleven. Artyści w Painters Eleven nie dzielili wspólnego stylu. Raczej wszyscy byli po prostu oddani tworzeniu abstrakcyjnych dzieł i wspieraniu wysiłków innych. Clement Greenberg był wpływowym zwolennikiem grupy i szczególnie interesował się pracami Busha, zachęcając go do dalszego udoskonalania i upraszczania swoich kolorów i form.

Wizualne języki żywych, ultra-płaskich obrazów Ellswortha Kelly'ego opierają się na destylacji kształtów, które obserwował w naturze. Oprócz jego wkładu w rozwój postmalarskiej abstrakcji, miał również wpływ na minimalizm i sztukę konceptualną dzięki swoim kształtowanym, monochromatycznym dziełom. W skład wkładu Kelly'ego do wystawy postmalarskiej abstrakcji w LACMA wchodził obraz Niebiesko-Biały.

Podobnie jak jego współczesna Helen Frankenthaler, urodzony w Baltimore Morris Louis wylewał farbę bezpośrednio na niegruntowane płótno, aby uniknąć pojawiania się śladów pędzla. Jego estetyka obejmowała żywe, kolorowe pasy wylanej farby, reprezentowane przez obraz Earth Gamut, który został uwzględniony w wystawie LACMA.

Dla Kennetha Nolana celem jego pracy było usunięcie wszelkich pozorów emocji. Stworzył estetyczny słownik oparty na płaskich powierzchniach składających się z koncentrycznych okręgów i pasm koloru. Jego prace były pozbawione tekstury, nie ujawniając nic z gestu ani ręki artysty. Uważany jest za pioniera nie tylko w Post-Painterly Abstraction, ale także w ideach wpływających na Minimalizm.

Wciąż aktywny dzisiaj w wieku 80 lat, Frank Stella stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych nazwisk współczesnej abstrakcji. Jego prace obejmują wiele ruchów i są trudne do zaklasyfikowania. Stella zdobył uznanie dzięki swoim wczesnym dziełom w ramach postmalarskiej abstrakcji, a trzy jego prace zostały uwzględnione w wystawie LACMA. Wśród nich był ten utwór, Henry Garden.

Obraz wyróżniony: Frank Stella - Henry Garden, 1963, olej na płótnie, 80 x 80 cali, Galeria Leo Castelli, Nowy Jork, © Frank Stella
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio