Postmalarska Abstrakcja - Znaczenie i Zakres

W terminologii historii sztuki modernizm nie był ruchem. Był raczej procesem samoświadomości sztuki. Zamiast skupiać się na obiektywnym przedstawieniu, malarze modernistyczni badali, co mogą wyrazić poprzez abstrakcję lub formalne cechy malarstwa, takie jak kolor, forma, gest i powierzchnia. Wśród modernistycznych nurtów malarskich Post-Painterly Abstraction był jednym z ostatnich, które pojawiły się przed tym, jak postmodernistyczne postawy zyskały na znaczeniu pod koniec XX wieku. Skupiał się na najistotniejszym elemencie malarstwa — dwuwymiarowości, czyli płaskości. Wyeliminował wszelkie odniesienia do narracyjnej tematyki oraz do osobowości artysty. Osiągnął to, co krytyk sztuki Clement Greenberg uważał za istotę malarstwa modernistycznego, czyli zredukowanie malarstwa do jego „istotnej esencji”.

Zasady Post-Painterly Abstraction

Aby zrozumieć Post-Painterly Abstraction, warto rozważyć jego przeciwieństwo: Painterly Abstraction, którego doskonałym przykładem jest Ekspresjonizm abstrakcyjny. Wyobraź sobie jedno z rozpryskowych dzieł Jacksona Pollocka, pełne pierwotnej energii i wrodzonego dramatu. To wyraz podświadomego „ja” Pollocka. Farba gromadzi się warstwami i kopcami, tworząc grzbiety i doliny. Resztki takie jak szkło i niedopałki papierosów mieszają się z medium, tworząc żywe, „malarzowe” dzieło, w którym ręka artysty, jego osobowość i ego są widoczne w każdym śladzie.

Helen Frankenthaler - Approach, 1962, olej na płótnie, 82 x 78 cali, kolekcja Anderson na Uniwersytecie Stanforda, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

W obrazie Post-Painterly Abstraction nie ma widocznych pociągnięć pędzla. Powierzchnia obrazu jest płaska. Farba i powierzchnia tworzą jedność. Kolory są liniowe, nie warstwowe, a także żywe i jasne, wyrażające swoje własne istotne cechy, ale nic więcej. W obrazie nie ma detali poza kolorem, formą i przestrzenią. Zamiast kompozycja opowiadała historię lub przekazywała podświadomy dramat, jest otwarta, pozwalając formalnym cechom koloru i powierzchni stać się tematem dzieła. Doskonałym przykładem jest Bridge, namalowany w 1964 roku przez amerykańskiego artystę Kennetha Nolanda.

Kenneth Noland - Bridge, 1964, akryl na płótnie, 89 x 98 cali, © Kenneth Noland

Modernizm a postmodernizm

Może to brzmieć myląco, nazywać Post-Painterly Abstraction jednym z ostatnich modernistycznych nurtów sztuki. W końcu wielu uważa, że modernizm trwa do dziś. To, czy uważasz się za modernistę czy postmodernistę, sprowadza się zasadniczo do twoich przekonań. Postmodernizm uważa historię za względną i odrzuca pojęcia liniowego „postępu” jako bzdury.

Jack Bush - Nice Pink, 1965, akryl na płótnie, © Jack Bush

Modernizm opierał się na idei wspólnie uznanej formalnej przeszłości artystycznej. Modernizm wymagał artystycznej ewolucji. Wymagał nowości, która z kolei wymagała wynalazczości, a ta zrozumienia tego, co było wcześniej. W istocie modernizm opowiada historię. Mówi: „Artyści robili to, aż zaczęli robić tamto” i tak dalej. Aby zrozumieć kontekstualny wpływ dowolnego dzieła sztuki modernistycznej, najpierw trzeba zrozumieć, dlaczego było ono innowacyjne w swoim czasie, co wymaga zrozumienia jego miejsca w danym nurcie oraz miejsca tego nurtu w szerszej narracji historii sztuki.

Ellsworth Kelly - Blue White, 1962, olej na płótnie, © Ellsworth Kelly

Wystawa Post-Painterly Abstraction z 1964 roku

Krytyk sztuki Clement Greenberg był prawdziwym modernistą, co oznacza, że wierzył w nadrzędną narrację historii sztuki i czuł potrzebę kontekstualizowania współczesnych tendencji w odniesieniu do tej większej opowieści. Szczerość i głęboka wiedza historyczna Greenberga uczyniły go jednym z najbardziej wpływowych opowiadaczy historii modernizmu. Przez cały XX wiek jego obszerne pisma definiowały narrację modernistyczną, opisując jej rozwój od połowy XIX wieku, kontekstualizując postępy, a nawet nazywając najbardziej znane powojenne nurty, w tym ekspresjonizm abstrakcyjny.

Morris Louis - Earth Gamut, 1961, żywica akrylowa (Magna) na płótnie, 86 7/8 x 60 cali, Copyright © MICA / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Greenberg ukuł i zdefiniował termin Post-Painterly Abstraction, kuratorując wystawę o tej samej nazwie w Los Angeles County Museum of Art w 1964 roku. Wystawa Post-Painterly Abstraction w LACMA prezentowała prace 31 artystów, których Greenberg uważał za reprezentantów tego nowego nurtu w sztuce modernistycznej. Wśród nich znalazło się kilku artystów, którzy później stali się jednymi z najsłynniejszych malarzy XX wieku, w tym Helen Frankenthaler, Jack Bush, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland oraz Frank Stella.

Kenneth Noland - Cadmium Radiance, 1963, Magna na płótnie, © Kenneth Noland

Gwiazdorzy Post-Painterly Abstraction

Helen Frankenthaler wniosła trzy prace na wystawę Post-Painterly Abstraction w LACMA. Wśród nich było Approach, ukazujące unikalną technikę Frankenthaler „soak stain”. Technika ta polegała na wylewaniu rozcieńczonej farby bezpośrednio na niegruntowane płótno, co pozwalało medium przyjmować organiczne formy, a jednocześnie eliminowało ślady pędzla, minimalizując widoczność ręki artysty.

Jack Bush był kanadyjskim malarzem abstrakcyjnym związanym z grupą Painters Eleven. Artyści z Painters Eleven nie dzielili wspólnego stylu. Po prostu wszyscy poświęcali się tworzeniu abstrakcyjnych dzieł i wspierali swoje wysiłki. Clement Greenberg był wpływowym orędownikiem grupy i szczególnie interesował się pracami Busha, zachęcając go do dalszego doskonalenia i upraszczania kolorów oraz form.

Żywe, ultrapłaskie obrazy Ellswortha Kelly’ego zawierają ikoniczny język wizualny oparty na destylacji kształtów obserwowanych w naturze. Oprócz wkładu w rozwój Post-Painterly Abstraction, wywarł wpływ na minimalizm i sztukę konceptualną swoimi ukształtowanymi, monochromatycznymi dziełami. Wśród prac Kelly’ego na wystawie LACMA znalazł się obraz Blue White.

Podobnie jak jego współczesna Helen Frankenthaler, urodzony w Baltimore Morris Louis wylewał farbę bezpośrednio na niegruntowane płótno, aby uniknąć widoczności pociągnięć pędzla. Jego estetyka obejmowała żywe, kolorowe pasy wylewanej farby, reprezentowane przez obraz Earth Gamut, który był częścią wystawy LACMA.

Dla Kennetha Nolanda celem jego prac było usunięcie wszelkich oznak emocji. Stworzył estetyczny słownik oparty na płaskich powierzchniach składających się z koncentrycznych kół i pasów koloru. Jego dzieła były pozbawione faktury, nie ujawniały gestu ani ręki artysty. Uznawany jest za pioniera nie tylko Post-Painterly Abstraction, ale także idei wpływających na minimalizm.

Wciąż aktywny w wieku 80 lat, Frank Stella stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych nazwisk współczesnej abstrakcji. Jego działania obejmują wiele nurtów i nie dają się łatwo zaszufladkować. Stella zasłynął dzięki swoim wczesnym pracom w Post-Painterly Abstraction i miał trzy dzieła na wystawie LACMA. Wśród nich było to dzieło, Henry Garden.

Zdjęcie główne: Frank Stella - Henry Garden, 1963, olej na płótnie, 80 x 80 cali, galeria Leo Castelli, Nowy Jork, © Frank Stella
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio