Kto się boi Jacksona Pollocka?

Nie maluję natury. Ja jestem naturą. - Jackson Pollock

Jednym ze sposobów oceny siły dzieła sztuki jest zmierzenie, ile osób się na nie oburza. Nienawiść, odraza, zamieszanie i złość to pierwotne uczucia. Aby wywołać takie emocje u ludzi, by naprawdę ich oburzyć, dzieło musi nawiązać do czegoś osobistego.

Od czasów prehistorycznych malarzy jaskiń, którzy pozostawili swoje pierwsze znaki, niewielu artystów wzbudzało tak stałe oburzenie jak Jackson Pollock. W szczególności gesturalne abstrakcyjne obrazy Pollocka sprzed ponad 60 lat (zwane też obrazami rozpryskowymi, obrazami akcji lub obrazami kapiącymi) pozostają jednymi z najbardziej kontrowersyjnych dzieł sztuki na świecie, jednocześnie znienawidzonymi i ukochanymi.

Co to w Tobie wywołuje?

Stań przez godzinę przed dziełem takim jak „Numer 1A, 1948” Pollocka, obrazem rozpryskowym o wymiarach 68" x 8' 8", a możesz poczuć się, jakbyś podsłuchiwał sesję terapii grupowej. Widzowie mówią: „Mógłbym to zrobić” albo „Mój sześcioletni syn mógłby to zrobić”. Niektórzy pytają: „To nazywasz sztuką?” albo „To jakiś żart?” lub ogłaszają: „To ohydne!” Jeszcze inni uważają dzieło za piękne, medytacyjne, ponadczasowe lub głębokie. Niektórych doprowadza nawet do łez.

Ludzie widzą siebie w „Numerze 1A, 1948”. Ono i wiele innych obrazów akcji Pollocka nie tylko wywołują emocjonalną reakcję; są ucieleśnieniem emocji. Stając z nimi twarzą w twarz, widzowie coś czują. Dlatego dziś, 60 lat po jego śmierci, Pollock pozostaje jednym z najbardziej wpływowych i dyskutowanych artystów w historii.

Jackson Pollock - Numer 1A, 1948. Olej i emalia na płótnie, 68″ x 8’8″. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Zakup. © 2013 Fundacja Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Dlaczego to zrobił?

Nowojorskie MoMA obecnie prezentuje wystawę swojej obszernej kolekcji dzieł Jacksona Pollocka. „Jackson Pollock: Przegląd kolekcji, 1934–1954” trwa do 1 maja 2016 roku. Wystawa ukazuje ewolucję stylu artysty, zaczynając od jego bardziej figuratywnych wczesnych prac, a kończąc na przełomowych gesturalnych obrazach, z których stał się sławny (lub niesławny, w zależności od odczuć).

Istota sztuki abstrakcyjnej, to co odróżnia ją od wcześniejszych metod, polega na tym, że zamiast starać się przedstawić obraz czegoś rozpoznawalnego, jak przedmiot, krajobraz czy postać ludzka, dążyła do stworzenia nowego obrazu, który wywołałby emocjonalną reakcję u widzów. Ekspresjonizm abstrakcyjny, pod wpływem surrealizmu i psychologii powojennej, poszerzył ten cel, mając nadzieję nie tylko na wywołanie emocji u widzów, ale także na oddziaływanie na nich na poziomie podświadomym, nieświadomym lub pierwotnym.

Jackson Pollock - Bez tytułu (Zwierzęta i postacie), 1942. Gwasz i tusz na papierze. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Fundusz pana i pani Donalda B. Strausa. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Jak to robili?

Ekspresjoniści abstrakcyjni stosowali różnorodne techniki, aby odnaleźć ukryte, totemiczne obrazy, które miały połączyć widzów z ich podświadomością. Korzystając z różnych metod i materiałów, podejmowali osobiste, pełne pasji próby ukazania prymitywnych obrazów i przeniesienia ich na płótno. Ikoniczna technika rozpryskiwania Pollocka była tak skuteczna w osiąganiu celów ekspresjonizmu abstrakcyjnego, że stała się symbolem tego nurtu. Tak ważna była dla publicznego rozumienia ekspresjonizmu abstrakcyjnego, że abstrakcja gestualna jest często używana zamiennie do opisu tego stylu.

Metoda Pollocka polegała na wylewaniu, rozpryskiwaniu i nalewaniu warstw cienkiej farby na płótno. Używając pędzli lub patyków, narzędzie unosił lekko nad płótnem, nie dotykając go bezpośrednio. Jego nieograniczona fizyczność była kluczowa dla efektu końcowego. Pracował nie tylko z materiałami, ale także z siłami, takimi jak grawitacja, pęd i serce. Malarstwo akcji daje możliwość uwolnienia się od ograniczających wyobrażeń o tworzeniu obrazu. Nie była to jedyna technika stosowana przez pierwszą generację ekspresjonistów abstrakcyjnych, ale stała się najbardziej trwałą i rozpoznawalną.

Jackson Pollock - Płomień, ok. 1934-38. Olej na płótnie zamocowanym na płycie pilśniowej. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Fundusz Enid A. Haupt. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Zniszczenia czasu

Gdy nowojorskie MoMA przygotowywało się do obecnej retrospektywy Pollocka, muzeum podjęło się żmudnego procesu konserwacji kilku dzieł. Od początku lat 70. XX wieku jedyną pielęgnacją było okazjonalne ścieranie kurzu. Konserwacja trzech dzieł, „Echo”, „One” i „Numer 1A, 1948”, zajęła zespołowi około 18 miesięcy. Prace rozpoczęto od starannego oczyszczenia powierzchni obrazów. Następnie analizowano odsłonięte fragmenty płótna pod kątem uszkodzeń i dokładnie je odnawiano. Potem analizowano warstwy farby i porównywano je z wcześniejszymi zdjęciami i opisami dzieł. Tam, gdzie brakowało farby, te miejsca były systematycznie uzupełniane. Na końcu wzmacniano i naprawiano ramy.

Konserwacja przywróciła dziełom żywotność i blask. Emocjonują ogromną energią, budząc pytania, jak musiało to być widzieć je nowe. Spotkanie z odnowionymi obrazami akcji przypomina, dlaczego Pollock pozostaje tak kontrowersyjny i tak popularny. Te dzieła nie tylko wywołują w nas uczucia. Łączą nas z czymś wewnątrz nas samych, czymś zarówno pradawnym, jak i nowoczesnym. Sugerują, z czego jesteśmy zbudowani i kim możemy się jeszcze stać. Są chaotyczne, ohydne, skomplikowane, wielowarstwowe i piękne, tak jak my.

Zdjęcie główne: Jackson Pollock - Postać stenograficzna, 1942. Olej na lnie. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Fundusz pana i pani Waltera Bareissa. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych