Kto się boi Jacksona Pollocka?

Nie maluję natury. Jestem naturą. - Jackson Pollock

Jednym ze sposobów oceny siły dzieła sztuki jest zmierzenie, ile osób się przeciwko niemu oburza. Nienawiść, obrzydzenie, dezorientacja i złość to pierwotne emocje. Aby wywołać takie uczucia u ludzi, aby naprawdę ich oburzyć, dzieło sztuki musi połączyć się z czymś osobistym.

Od czasów prehistorycznych malarzy jaskiniowych, niewielu malarzy wzbudzało tak konsekwentne oburzenie jak Jackson Pollock. W szczególności, gesturalne abstrakcyjne obrazy Pollocka, mające ponad 60 lat (znane również jako obrazy rozpryskowe, obrazy akcji lub obrazy kroplowe), pozostają jednymi z najbardziej kontrowersyjnych dzieł sztuki na świecie, jednocześnie nienawidzonymi i ukochanymi.

Jak się z tym czujesz?

Stojąc przez godzinę przed dziełem takim jak Pollocka „Number 1A, 1948”, malowidłem o wymiarach 68" x 8' 8", możesz poczuć się jakbyś podsłuchiwał sesję terapeutyczną. Widzowie mówią: „Mógłbym to zrobić” lub „Mój 6-letni mógłby to zrobić”. Niektórzy mówią: „Nazywasz to sztuką?” lub „Czy to żart?” albo deklarują: „To jest okropne!” Inni z kolei uważają to dzieło za piękne, medytacyjne, transcendentne lub głębokie. To nawet doprowadza niektórych do łez.

Ludzie widzą siebie w „Numerze 1A, 1948.” To, a także wiele innych akcji malarskich Pollocka, nie tylko wywołuje emocjonalną reakcję; są ucieleśnieniem emocji. Kiedy są konfrontowani z nimi, widzowie czują coś. Dlatego dzisiaj, 60 lat po jego śmierci, Pollock pozostaje jednym z najbardziej wpływowych i dyskutowanych artystów w historii.

Jackson Pollock - Numer 1A, 1948. Farba olejna i emaliowa na płótnie, 68″ x 8’8″. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Zakup. © 2013 Fundacja Pollock-Krasner/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork

Dlaczego on to zrobił?

Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku obecnie organizuje wystawę swojej znacznej kolekcji dzieł Jacksona Pollocka. "Jackson Pollock: Przegląd Kolekcji, 1934–1954" trwa do 1 maja 2016 roku. Wystawa bada ewoluujący styl artysty, zaczynając od jego bardziej figuratywnej wczesnej twórczości i kulminując w transformacyjnych malarskich gestach, za które stał się sławny (lub niesławny, w zależności od twoich odczuć).

Definiującą istotą sztuki abstrakcyjnej, co czyniło ją odejściem od wcześniejszych metod, jest to, że zamiast dążyć do przedstawienia obrazu czegoś rozpoznawalnego, jak obiekt, krajobraz czy figura ludzka, dążyła do stworzenia nowych obrazów, które miałyby inspirować emocjonalną reakcję widzów. Ekspresjonizm abstrakcyjny, pod wpływem surrealizmu i psychologii po II wojnie światowej, rozwijał ten cel, mając nadzieję nie tylko na zainspirowanie emocjonalnej reakcji widzów, ale także na oddziaływanie na nich na poziomie podświadomym, nieświadomym lub prymitywnym.

Jackson Pollock - Bez tytułu (Zwierzęta i postacie), 1942. Gwasz i tusz na papierze. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Fundusz pana i pani Donalda B. Strausa. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Pollock-Krasner / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Jak oni to zrobili?

Abstrakcyjni ekspresjoniści wykorzystywali różnorodne techniki, aby odnaleźć ukryte, totemiczne obrazy, które, jak mieli nadzieję, połączą widzów z ich podświadomością. Stosując różne metody i media, angażowali się w osobiste, pełne pasji próby manifestacji pierwotnych obrazów i przeniesienia ich na płótno. Ikoniczna technika rozprysku Pollocka była tak skuteczna w osiąganiu celów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, że stała się emblematyczna dla tego ruchu. Tak integralna była dla publicznego zrozumienia abstrakcyjnego ekspresjonizmu, że Abstrakcja gestualna jest często używana zamiennie do opisu tego stylu.

Metoda Pollocka polegała na wylewaniu, rozpryskiwaniu i nalewaniu warstw cienkiej farby na płótno. Używając pędzli lub patyków, unosił narzędzie nieco nad płótnem, zamiast go dotykać. Jego nieograniczona fizyczność była kluczowa dla gotowego produktu. Pracował nie tylko z materiałami, ale także z siłami, takimi jak grawitacja, pęd i serce. Malarstwo akcji oferuje sposób na uwolnienie się od ograniczających pojęć tworzenia obrazu. Nie była to jedyna technika stosowana przez pierwszą generację abstrakcyjnych ekspresjonistów, ale stała się najbardziej trwała i rozpoznawalna.

Jackson Pollock- Płomień, ok. 1934-38. Olej na płótnie zamontowanym na płycie pilśniowej. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Fundusz Enid A. Haupt. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Pollock-Krasner / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Spustoszenia czasu

Gdy nowojorskie MoMA przygotowywało się do obecnej retrospektywy Pollocka, muzeum rozpoczęło żmudny proces restauracji kilku dzieł. Od wczesnych lat 70. jedyną konserwację, jaką przeprowadzono, było okazjonalne odkurzanie. Restauracja trzech dzieł, „Echo”, „One” i „Number 1A, 1948”, zajęła zespołowi około 18 miesięcy. Prace rozpoczęły się od starannego czyszczenia powierzchni obrazów. Następnie analizowano odsłonięte obszary płótna pod kątem uszkodzeń i starannie je restaurowano. Potem warstwy farby były analizowane i porównywane z wcześniejszymi zdjęciami i relacjami na temat dzieł. Tam, gdzie występowały ubytki farby, te obszary były systematycznie naprawiane. Na koniec podparcia zostały wzmocnione i naprawione.

Restauracja dzieł przywróciła im stan witalności i blasku. Posiadają ogromną energię, stawiając pytania o to, jak musiało być, aby je zobaczyć w nowym stanie. Spotkanie z jego odnowionymi obrazami akcji podkreśla, dlaczego Pollock pozostaje tak kontrowersyjny i tak popularny. Te dzieła sztuki nie tylko sprawiają, że czujemy coś. Łączą nas z czymś w nas samych, czymś zarówno starożytnym, jak i nowoczesnym. Sugerują nam, z czego jesteśmy zrobieni i kim możemy się jeszcze stać. Są chaotyczne, okropne, skomplikowane, warstwowe i piękne, tak jak my.

Obraz wyróżniony:Jackson Pollock - Figura stenograficzna, 1942. Olej na lnie. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Fundusz pana i pani Walter Bareiss. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Pollock-Krasner / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych