Frank Stella - sztuka obiektu

Wielu ubolewa nad rzekomym nadchodzącym końcem książek drukowanych. Ale funkcją książek jest opowiadanie historii, a najwyraźniej ekrany i bezosobowe głosy opowiadają historie równie dobrze. Ponieważ książki jako obiekty nigdy nie były oddzielane od swojej roli opowiadacza, przetrwały swoją użyteczność. Dzięki Frankowi Stell, sztuka nie stanie w obliczu tego samego losu. Stella rozwiódł sztukę z jej narracyjnym celem. Zamiast pozwolić malarstwu i rzeźbie nadal funkcjonować tak, jak przez wieki jako urządzenia dostarczające iluzji, Stella odegrał kluczową rolę w redefiniowaniu sztuki, nadając jej obiektywny sens i cel. Poprzez swoje estetyczne kreacje, Stella pokazał, że obiekt sztuki zasługuje na uwagę nie za historię, którą może opowiedzieć, ani za interpretację, którą może wnieść, ale za swoje własne formalne cechy estetyczne i satysfakcję, jaką mogą zapewnić.

Frank Stella Sztuka vs. Ekspresjonizm Abstrakcyjny

Gdyby młody Frank Stella był w lepszym zdrowiu, być może nigdy nie stałby się sławnym artystą. Po ukończeniu Princeton, Stella został powołany do walki w Wietnamie. Ale nie przeszedł testu sprawnościowego. Zamiast walczyć w rzeczywistych bitwach za granicą, dołączył do walki kulturowej w swojej ojczyźnie, walcząc przeciwko dominującemu ruchowi artystycznemu tamtych czasów: Ekspresjonizmowi Abstrakcyjnemu. Stella powiedział o ekspresjonistach abstrakcyjnych: „(Oni) zawsze uważali, że zakończenie obrazu jest bardzo problematyczne. My chętniej mówiliśmy, że nasze obrazy są skończone i mówiliśmy, cóż, to albo porażka, albo nie, zamiast mówić, cóż, może to nie jest naprawdę skończone.”

Stella uważał, że artyści ekspresjonizmu abstrakcyjnego i ich wielbiciele przypisują sztuce „humanistyczne” cechy, co oznacza, że szukają w niej więcej niż to, co obiektywnie tam jest. Z pewnością miał rację, że wielu artystów abstrakcyjnych wtedy, jak i teraz, otwarcie wierzy, że ich prace są otwarte na interpretację. Dla wielu artystów abstrakcyjnych to jest sedno sprawy. Nawet oferują swoje dzieła jako totemy lub jako transcendentalne medium, które ma być wykorzystywane w poszukiwaniu intensyfikacji doświadczeń. W rzeczywistości wielu miłośników sztuki czerpie ogromną satysfakcję z interpretacji tego, co obrazy abstrakcyjne mogą oznaczać. Ale Stella nie chciał, aby jakikolwiek rodzaj interakcji zachodził między jego pracą a jej widzami, co skłoniło go do sformułowania swojego najsłynniejszego stwierdzenia na temat swojej sztuki: „Moje malarstwo opiera się na fakcie, że tylko to, co można tam zobaczyć, tam jest. To naprawdę jest obiekt. To, co widzisz, to, co widzisz.”

Frank Stella - Małżeństwo Rozumu i Nędzy, II, 1959, Farba emaliowa na płótnie, 91 x 133 cali. © Frank Stella

Dwa problemy Stelli

Pierwszym problemem, który Stella zidentyfikował w swoim pragnieniu zredukowania malarstwa do jego obiektywnej istoty, było odkrycie, czym dokładnie jest obraz. Aby podążać za jego tokiem rozumowania, pomocne jest najpierw zidentyfikowanie, czym według niego obraz nie jest. Uważał, że obraz nie powinien być mechanizmem dostarczającym narrację. Nie powinien też być areną, w której można demonstrować lub doświadczać dramatu czy iluzji. Czym więc powinien być obraz w opinii Stelli? Powinien być powierzchnią pokrytą farbą. Powinien być zbiorem części, które obejmują wsparcie dla powierzchni, samą powierzchnię, urządzenia łączące powierzchnię z wsparciem, urządzenia łączące cały obiekt ze ścianą lub podłogą, a także medium.

Gdy Stella zrozumiał, że dla niego obraz jest obiektem i niczym więcej, jego kolejnym problemem było określenie, jak go stworzyć. To drugie pytanie jest tym, na które starał się odpowiedzieć wielokrotnie w ciągu swojej kariery i które poruszał na wiele różnych sposobów. Nadal aktywny dzisiaj w wieku 80 lat, Stella nieustannie poszukiwał nowych metod tworzenia obrazów. Tworzył obrazy na tradycyjnych, prostokątnych płótnach, obrazy na płótnach o różnych kształtach, murale, druki, trójwymiarowe obrazy reliefowe oraz obrazy, które wielu ludzi opisałoby jako rzeźby.

Choć niektóre prace Stelli rzeczywiście wydają się pasować do tradycyjnej definicji rzeźby, Stella uważa, że ta różnica jest nieistotna. Skomentował, że rzeźby to tylko obrazy, które zostały zdjęte ze ściany i postawione na ziemi. Jego tzw. prace rzeźbiarskie to powierzchnie pokryte medium przymocowanym do podpór, tak samo jak jego obrazy. Utrzymując tę krytyczną postawę, Stella zmusza nas do skonfrontowania się z pojęciem, dlaczego dokładnie obrazy definiowane są jako rzeczy, które muszą wisieć na ścianie. Podobnie jak wielu innych liderów koncepcyjnych, Stella rozumie malarstwo i rzeźbę jako to samo, po prostu wyświetlane w inny sposób.

Frank Stella - La Pena de Hu, 1987-2009, Mieszane media na wytrawionym magnezie, aluminium i włóknie szklanym. © Frank Stella

Cel Geometrii

Gdy Stella szukał sposobów na tworzenie obrazów bez emocji, narracji czy dramatu, zauważył, że przyciągają go wzory i powtórzenia. Symetria geometryczna była dla niego pomocna, ponieważ, jak to ujął, "wymusza iluzjonistyczną przestrzeń z obrazu w stałych odstępach, używając regulowanego wzoru." Polegał na tym prostym podejściu, aby stworzyć niektóre ze swoich najwcześniejszych i najbardziej ukochanych dzieł, swoje ikoniczne "czarne obrazy", takie jak Małżeństwo Rozumu i Nędzy, II. Te prace przedstawiały spłaszczone powierzchnie całkowicie pokryte czarną farbą z dodatkiem geometrycznie symetrycznych białych linii.

Czarne obrazy Stelli uczyniły go natychmiastowo sławnym, gdy po raz pierwszy zostały pokazane. Nie były pierwszymi w historii sztuki modernistycznej w większości czarnymi obrazami abstrakcyjnymi. Nie były też pierwszymi geometrycznymi dziełami abstrakcyjnymi ani pierwszymi obrazami na płaskiej powierzchni. To, co czyniło je przełomowymi, to ich całkowicie obiektywna obecność. Nie były w najmniejszym stopniu otwarte na jakąkolwiek interpretację. Nie miały treści. Były po prostu obiektami estetycznymi, które wymagały, aby były rozpatrywane według własnych formalnych, obiektywnych cech. Zamiast doświadczać transcendencji z czegoś ukrytego w obrazie lub z jakiegoś elementu interpretacyjnego w dziele, jedynym transcendentnym doświadczeniem, które Stella zamierzał, aby widzowie tych obrazów mieli, pochodziło z psychologicznej ulgi związanej z możliwością interakcji z obiektem estetycznym na jego własnych warunkach.

Frank Stella - Harran II, 1967, Polimer i farba fluorescencyjna na płótnie, 120 × 240 cali. © Frank Stella

Życie pełne eksperymentów

Po zdobyciu sławy w latach 50. XX wieku dzięki swoim Czarnym Obrazom, Stella dodał do swoich prac żywą paletę kolorów i zaczął formować swoje płótna, aby móc tworzyć malowane formy bez powodowania obecności nieużywanej powierzchni. W nadchodzących dziesięcioleciach kontynuował kwestionowanie granic przestrzeni estetycznej, tworząc obrazy, które przedstawiały rzeczywistość trójwymiarową jako dotykową, obiektywną rzecz, a nie iluzję.

Choć obszerna i wieloaspektowa twórczość Stelli ewoluowała wiele razy, zawsze odzwierciedlała jego podstawowe przekonanie o sztuce jako obiekcie. Jego wysiłki miały duży wpływ na ruchy tak różnorodne jak Post-Painterly Abstraction, Minimalizm, Pop Art i Op-Art. Dziedzictwo jego myślenia polega na tym, że znamy cenną istotę bycia w fizycznej obecności unikalnego dzieła sztuki. Zdjęcie pracy Stelli jest niewystarczające. Tylko sam obiekt wystarcza. To, czy podoba nam się ta praca, jest nieistotne. Sama praca jest niezaprzeczalna.

Obraz wyróżniony:  Frank Stella - Jill, 1959, emalia na płótnie, 90 x 78 cali. © Frank Stella
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio