Sztuka iluzji optycznej, która naznaczyła XX wiek

Rzeczywistość nie zawsze jest stała; przynajmniej może się tak wydawać ludzkiemu umysłowi. To, w co wierzymy, opiera się w pewnym stopniu na tym, co postrzegamy, ale to, co postrzegamy, jest również czasami determinowane przez to, w co wierzymy. Iluzja optyczna sztuka, lub krótko Op Art, to styl estetyczny, który celowo wykorzystuje tę osobliwość ludzkiego postrzegania, która daje ludzkiemu oku zdolność oszukiwania ludzkiego mózgu. Manipulując wzorami, kształtami, kolorami, materiałami i formami, artyści Op dążą do stworzenia zjawisk, które oszukują oko, myląc widzów, aby widzieli więcej niż to, co faktycznie tam jest. A ponieważ wiara może być tak wpływowa jak fakt, sztuka Op stawia pytanie, co ma większe znaczenie: postrzeganie czy prawda.

Krótka historia sztuki iluzji optycznej

Op Art ma swoje korzenie w technice zwanej trompe-l'œil, co po francusku oznacza oszukiwanie oka. Najwcześniejsze odniesienia do takich tendencji w sztuce sięgają starożytności, kiedy to starożytni greccy artyści starali się tworzyć obrazy tak realistyczne, że ludzie dosłownie byli oszukiwani, wierząc, że ich obrazy są prawdziwe. Technika ta wielokrotnie wychodziła i wracała do mody przez wieki, osiągając szczyt w XIX wieku dzięki obrazom trompe-l'œil, takim jak Escaping Criticism, namalowanym w 1874 roku przez Pere Borrell del Caso, który przedstawia hiperrealistyczny obraz dziecka wspinającego się z ramy obrazu.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Ale chociaż również miał na celu oszukanie oka, Op Art nie jest tym samym co sztuka hiperrealistyczna. W rzeczywistości Op Art, jak go znamy dzisiaj, jest częściej abstrakcyjny, opierając się na kompozycjach geometrycznych, aby przekonać oko, że istnieją nierealne formy i płaszczyzny przestrzenne. Pierwsza technika abstrakcyjna, która została zaprojektowana, aby oszukać oko, nazywała się Pointylizm. Zamiast mieszać kolory wcześniej, malarze pointyliści umieszczali niemieszane kolory obok siebie na płótnie, tworząc iluzję solidnych pól kolorów. Gdy te obrazy są oglądane z daleka, wydaje się, że kolory są wymieszane. Georges Seurat wynalazł pointylizm i opanował ten efekt w obrazach takich jak Latarnia morska w Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Abstrakcyjne iluzje

Koncepcja leżąca u podstaw Punktualizmu ostatecznie dała początek wielu innym technikom, gdy artyści poszukiwali sposobów na oszukanie umysłu, aby dokończyć obraz. Zainspirowała Divisionizm włoskich futurystów oraz czterowymiarowe płaszczyzny Kubizmu. Jednak jej najbardziej udane zastosowanie miało miejsce, gdy została połączona z estetyką abstrakcyjnej geometrii, jak w przypadku abstrakcyjnej geometrii wklęsłej Strukturalna Konstelacja, namalowanej w 1913 roku przez Josefa Albersa.

Zgodnie z jego własnymi wypowiedziami, Albers nie próbował stworzyć iluzji optycznej w tej pracy. Zajmował się prostymi eksperymentami kompozycyjnymi dotyczącymi postrzegania linii i form na powierzchni dwuwymiarowej. Niemniej jednak odkrył, że układ linii, form i kolorów na powierzchni może rzeczywiście zmienić sposób, w jaki umysł postrzega to, co jest rzeczywiste. I chociaż nie próbował celowo oszukiwać widzów swoimi dziełami, spędził całe życie na badaniu tych efektów.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebry i Szachownice

Victor Vasarely, współczesny Albersowi, podejmował jednak świadome wysiłki, aby znaleźć sposoby na oszukiwanie widzów swoją sztuką. Vasarely był zarówno naukowcem, jak i malarzem, a szczególnie interesowało go, w jaki sposób te dwa zajęcia łączą się, aby wpływać na percepcję. Już w latach 20. artysta nauczył się, że poprzez manipulację linią samą w sobie może całkowicie zniekształcić dwuwymiarową powierzchnię w sposób, który oszukuje umysł, sprawiając, że postrzega ją jako przestrzeń trójwymiarową.

Jednym z tematów, do których Vasarely wielokrotnie sięgał w swojej twórczości, była zebra. Paski tego zwierzęcia w rzeczywistości służą do oszukiwania naturalnych drapieżników, które nie potrafią określić, w którym kierunku biegnie zwierzę, z powodu interakcji jego czarnych i białych pasków z otoczeniem. Odkrywając tajemnice tego zjawiska, zastosował je w bardziej złożonych kompozycjach geometrycznych, a do lat 60. stworzył charakterystyczny styl, który zainspirował to, co dzisiaj uważane jest za ruch Modernistycznego Op Art. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Czarny i biały

Jednym z najsłynniejszych artystów iluzji optycznej XX wieku była brytyjska artystka Bridget Riley, która była bezpośrednio inspirowana pracami Victora Vasarely. Riley studiowała w Royal College of Art na początku lat 50. Jej wczesne prace były figuratywne, ale po podjęciu pracy jako ilustratorka w firmie reklamowej zaczęła bardziej interesować się tworzeniem iluzji wizualnych. Zaczęła badać punktualizm, a następnie dywizjonizm, a w końcu rozwinęła swój własny charakterystyczny styl Op Art, oparty głównie na czarno-białej abstrakcji geometrycznej.

Riley odniosła tak wielki sukces w tworzeniu iluzji optycznych w swojej pracy, że widzowie czasami zgłaszali uczucie choroby morskiej lub choroby lokomocyjnej, gdy patrzyli na jej obrazy. To zjawisko fascynowało Riley, która stała się przekonana, że granica między percepcją a rzeczywistością jest rzeczywiście dość krucha, a przekonanie spowodowane iluzją może w rzeczywistości wywołać realne konsekwencje w świecie fizycznym. Riley powiedziała: „Był czas, kiedy znaczenia były skoncentrowane, a rzeczywistość mogła być ustalona; gdy to przekonanie zniknęło, wszystko stało się niepewne i otwarte na interpretację.”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

Responsywne oko

Szczyt ruchu modernistycznego Op Art przypadł na wystawę zatytułowaną The Responsive Eye, która podróżowała po Stanach Zjednoczonych w 1965 roku. Wystawa ta prezentowała ponad 120 dzieł sztuki autorstwa dziesiątek artystów reprezentujących szeroki wachlarz pozycji estetycznych. W pokazie znalazły się wysoce iluzjonistyczne prace Victora Vasarely'ego i Bridget Riley, a także bardziej stonowani abstrakcjoniści geometryczni, tacy jak Frank Stella i Alexander Liberman, oraz rzeźby kinetyczne autorstwa artystów takich jak Wen-Ying Tsai i Carlos Cruz-Diez.

W grupie The Responsive Eye znalazł się również rzeźbiarz Jesús Rafael Soto, który niewątpliwie posunął sztukę Op Art najdalej w kierunku trójwymiarowej percepcji, tworząc cykl prac zatytułowany Penetrables. Te interaktywne kreacje składają się z setek częściowo pomalowanych, zwisających plastikowych rur, przez które widzowie mogą przechodzić. Gdy nie są zakłócane, prezentują uderzającą iluzję, że konkretna forma unosi się w przestrzeni. Jednak gdy widzowie fizycznie wchodzą w interakcję z rzeźbami, iluzja znika, dając wrażenie, że konkretna rzeczywistość może być w rzeczywistości zniekształcona i zmieniana przez ludzki dotyk.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Dziedzictwo Op-Artu

Błogosławieństwem i przekleństwem Op Art jest jego popularność. Kiedy ruch osiągnął szczyt w latach 60., wielu krytyków go nienawidziło, ponieważ jego obrazy były łapczywie przywłaszczane przez twórców kiczu, takich jak koszulki, kubki i plakaty. Ale dla artystów takich jak Victor Vasarely i Jesús Rafael Soto, to właśnie o to chodziło.

Ci twórcy wierzyli, że wartość dzieła sztuki jest określana przez stopień, w jakim widz może uczestniczyć w jego ukończeniu. Tworzyli zjawiska estetyczne, które dostosowują się do każdego nowego widza, tworząc nieograniczone możliwości interpretacyjne. Fakt, że ich sztuka była konsumowana na masową skalę, doskonale wpisywał się w ich koncepcję, która zakłada, że nie powinno być żadnych barier między ludźmi a sztuką, a wszelkie bariery, które wydają się istnieć, istnieją tylko w naszej percepcji.

Obraz wyróżniony: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl na płótnie. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio