Sztuka iluzji optycznej, która naznaczyła XX wiek

Rzeczywistość nie zawsze jest stała; przynajmniej tak może się wydawać ludzkiemu umysłowi. To, w co wierzymy, opiera się w pewnym stopniu na tym, co postrzegamy, ale to, co postrzegamy, bywa też czasem uwarunkowane tym, w co wierzymy. Sztuka iluzji optycznej, zwana w skrócie Op Art, to styl estetyczny, który celowo wykorzystuje tę osobliwość ludzkiego postrzegania, dającą oku zdolność oszukiwania mózgu. Poprzez manipulację wzorami, kształtami, kolorami, materiałami i formami, artyści Op dążą do stworzenia zjawisk, które mylą oko, wprowadzając widzów w błąd, by widzieli więcej niż jest naprawdę. A ponieważ wiara może być równie wpływowa jak fakt, Op Art stawia pytanie, co jest ważniejsze: postrzeganie czy prawda.

Krótka historia sztuki iluzji optycznej

Op Art ma swoje korzenie w technice zwanej trompe-l'œil, co po francusku oznacza oszukać oko. Najwcześniejsze wzmianki o takich tendencjach w sztuce sięgają starożytności, gdy starożytni greccy artyści próbowali tworzyć obrazy tak realistyczne, że ludzie dosłownie wierzyli, iż ich obrazy są prawdziwe. Technika ta wielokrotnie przechodziła okresy popularności i zapomnienia na przestrzeni wieków, osiągając szczyt w XIX wieku dzięki obrazom trompe-l'œil, takim jak Ucieczka przed krytyką, namalowanym w 1874 roku przez Pere Borrella del Caso, przedstawiającym hiperrealistyczny obraz dziecka wychodzącego z ramy obrazu.

Pere Borrell del Caso - Ucieczka przed krytyką, 1874. Olej na płótnie. Kolekcja Banco de España, Madryt, © Pere Borrell del Caso

Chociaż również mająca na celu oszukanie oka, sztuka Op nie jest tym samym co hiperrealizm. W rzeczywistości Op Art, jaki znamy dzisiaj, jest częściej abstrakcyjny, opierając się na geometrycznych kompozycjach, by przekonać oko, że istnieją nierealne formy i przestrzenne płaszczyzny. Pierwszą techniką abstrakcyjną zaprojektowaną do oszukiwania oka był pointylizm. Zamiast mieszać kolory wcześniej, malarze pointyliści umieszczali niemieszane kolory obok siebie na płótnie, tworząc iluzję jednolitych pól barw. Gdy obrazy te ogląda się z daleka, wydaje się, że kolory są zmieszane. Pointylizm wynalazł Georges Seurat i opanował efekt w obrazach takich jak Latarnia morska w Honfleur.

Georges Seurat - Latarnia morska w Honfleur, 1886. Olej na płótnie. Wymiary: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 cala), oprawiony: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 cala). Kolekcja Państwa Paula i Mrs. Mellon

Abstrakcyjne iluzje

Koncepcja leżąca u podstaw pointylizmu ostatecznie dała początek wielu innym technikom, gdy artyści szukali sposobów na oszukanie umysłu, by ten dopełnił obraz. Zainspirowała ona dywizjonizm włoskich futuryzmu oraz czterowymiarowe płaszczyzny kubizmu. Jednak jej najskuteczniejsze zastosowanie nastąpiło, gdy połączono ją z estetyką abstrakcji geometrycznej, jak w przypadku abstrakcyjnego geometrycznego rytunku Konstruktywna konstelacja, namalowanego w 1913 roku przez Josefa Albersa.

Według jego własnych słów, Albers nie próbował tworzyć iluzji optycznej tym dziełem. Zajmował się prostymi eksperymentami kompozycyjnymi dotyczącymi postrzegania linii i form na dwuwymiarowej powierzchni. Niemniej jednak odkrył, że układ linii, form i kolorów na powierzchni może rzeczywiście zmieniać sposób, w jaki umysł postrzega to, co jest rzeczywiste. I chociaż nie zamierzał świadomie oszukiwać widzów swoimi dziełami, poświęcił całe życie badaniu tych efektów.

Josef Albers - Konstruktywna konstelacja, 1913. Białe linie wyryte na czarnym tle na drewnie. © 2019 Fundacja Josefa i Anni Albersów

Zebry i szachownice

Victor Vasarely, współczesny Albersa, jednak świadomie dążył do znalezienia sposobów na oszukanie widzów swoją sztuką. Vasarely był równie naukowcem, co malarzem, i szczególnie interesowały go sposoby, w jakie te dwie dziedziny łączą się, wpływając na postrzeganie. Już w latach 20. XX wieku artysta nauczył się, że samą manipulacją linią może całkowicie zniekształcić dwuwymiarową powierzchnię w sposób, który oszukuje umysł, by postrzegał ją jako przestrzeń trójwymiarową.

Jednym z tematów, do których Vasarely często wracał w swojej twórczości, była zebra. Paski tego zwierzęcia służą do oszukiwania naturalnych drapieżników, które nie potrafią określić, w którą stronę zwierzę biegnie, z powodu współdziałania czarno-białych pasów z otoczeniem. Gdy odkrywał tajemnice tego zjawiska, stosował je w bardziej złożonych kompozycjach geometrycznych, a w latach 60. XX wieku stworzył charakterystyczny styl, który zainspirował to, co dziś uważa się za modernistyczny ruch Op Art.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Czerń i biel

Jedną z najsłynniejszych artystek iluzji optycznej XX wieku była brytyjska artystka Bridget Riley, która była bezpośrednio zainspirowana pracami Victora Vasarely. Riley studiowała w Royal College of Art na początku lat 50. Jej wczesne prace były figuratywne, ale po podjęciu pracy jako ilustratorka w agencji reklamowej zaczęła interesować się tworzeniem iluzji wzrokowych. Zaczęła badać pointylizm, potem dywizjonizm, a w końcu wypracowała własny charakterystyczny styl Op Art, oparty głównie na czarno-białej abstrakcji geometrycznej.

Riley odniosła taki sukces w tworzeniu iluzji optycznych, że widzowie czasem zgłaszali uczucie choroby morskiej lub zawrotów głowy podczas oglądania jej obrazów. Zjawisko to fascynowało Riley, która była przekonana, że granica między postrzeganiem a rzeczywistością jest naprawdę krucha, a wiara wywołana iluzją może faktycznie wywołać realne skutki w świecie fizycznym. Riley powiedziała: „Był czas, gdy znaczenia były skupione, a rzeczywistość mogła być ustalona; gdy taka wiara zniknęła, rzeczy stały się niepewne i otwarte na interpretację.”

Bridget Riley przed jednym ze swoich wielkoformatowych, hipnotycznych obrazów Op Art, © Bridget Riley

Reagujące oko

Szczyt modernistycznego ruchu Op Art nastąpił wraz z wystawą zatytułowaną The Responsive Eye, która w 1965 roku podróżowała po Stanach Zjednoczonych. Wystawa prezentowała ponad 120 dzieł sztuki autorstwa dziesiątek artystów reprezentujących szeroki zakres stanowisk estetycznych. Pokaz obejmował wysoce iluzjonistyczne prace Victora Vasarely i Bridget Riley, a także bardziej stonowanych abstrakcjonistów geometrycznych, takich jak Frank Stella i Alexander Liberman, oraz rzeźby kinetyczne autorstwa Wen-Ying Tsai i Carlosa Cruz-Dieza.

W grupie The Responsive Eye znalazł się także rzeźbiarz Jesús Rafael Soto, który być może posunął Op Art najdalej w sferę trójwymiarowego postrzegania, tworząc cykl dzieł zwany Penetrables. Te interaktywne dzieła składają się ze setek częściowo pomalowanych, zwisających plastikowych rurek, przez które widzowie mogą przechodzić. Gdy pozostają nieruszone, tworzą uderzającą iluzję unoszącej się w przestrzeni formy. Jednak gdy widzowie fizycznie wchodzą w interakcję z rzeźbami, iluzja znika, dając wrażenie, że konkretna rzeczywistość może być rzeczywiście zniekształcona i zmieniona przez dotyk człowieka.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Dziedzictwo Op Art

Ci twórcy wierzyli, że wartość dzieła sztuki zależy od stopnia, w jakim widz może uczestniczyć w jego dopełnieniu. Tworzyli zjawiska estetyczne, które dostosowują się do każdego nowego widza, tworząc nieograniczone możliwości interpretacji. Fakt, że ich sztuka była konsumowana na masową skalę, idealnie wpisywał się w ich koncepcję, według której nie powinno być bariery między ludźmi a sztuką, a wszelkie bariery, które wydają się istnieć, istnieją tylko w naszym postrzeganiu.

Zdjęcie główne: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl na płótnie. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio