Czy malarstwo kropkowe jest pozostałością po punktualizmie?

Dot malarstwo może brzmieć niewinnie, ale ma długą, nacechowaną, czasem kontrowersyjną historię. Neoimpresjonistyczny artysta Georges Seurat wstrząsnął światem sztuki obrazem złożonym z kropek w 1886 roku. Nie chodzi o to, że namalował obraz przedstawiający kropkę, choć Kazimierz Malewicz zrobił to dekady później, malując Czarny krąg. Raczej Seurat stworzył obraz złożony z tysięcy kropek. Nazwany Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte, był pierwszym przykładem nowej techniki wynalezionej przez Seurata, która stała się znana jako pointylizm. Seurat oparł swoją technikę kropek na teoretycznych pismach fizyka Ogdena Rooda. W swojej książce z 1879 roku Nowoczesna chromatyka Rood opisał teorię zwaną mieszaniem optycznym, która zakłada, że z daleka ludzkie oko miesza kolory, tworząc w umyśle wrażenie jednolitych pól barw. W ten sposób, wyjaśniał Rood, umysł postrzega kolory jaśniejsze i bardziej żywe niż te, które faktycznie istnieją. Seurat miał nadzieję wywołać ten sam efekt na obrazie, umieszczając obok siebie maleńkie kropki niezmieszanych kolorów, licząc, że z daleka widzowie zmieszają je w oczach i dostrzegą bardziej świetliste i żywe połączenie niż to, które mógłby przygotować wcześniej. Recenzje Niedzielnego popołudnia na wyspie Grande Jatte nie były pochlebne. Krytycy byli oburzeni, a wielu awangardowych artystów nawet go potępiło. Jednak dla kilku wizjonerów zwiastowało to świt nowej epoki. Dziś obrazy z kropek pomagają definiować dzieła wielu artystów. Czy są oni współczesnymi intelektualnymi potomkami Seurata i pointylistów? A może po prostu podziwiają dumną i skromną kropkę: maleńką protoformę najbardziej ikonicznego symbolu w ludzkim estetycznym słowniku — koła?

Współczesne malarstwo z kropek

Większość współczesnych malarzy kropek podchodzi do nich z osobistej perspektywy. Nie interesuje ich tylko zdolność kropek do wpływania na percepcję. Zajmują się także formalnymi aspektami kropki, takimi jak jej wartość jako kształtu oraz to, co może przekazać w kwestii koloru i kompozycji. Brytyjski artysta Damien Hirst namalował tysiące obrazów z kropek w trakcie swojej kariery. Używa kropki jako sposobu badania koloru. Twierdzi, że jego obrazy z kropek dają możliwość obcowania z kontrastami i zestawieniami barw wolnymi od innych zmartwień. Podobnie jak wczesno XX-wieczni suprematyści, Hirst używa kół, choć małych, by przekazać czystość.

Japońska artystka Yayoi Kusama podchodzi do kropek z bardziej metafizycznej perspektywy. Włącza grochy do swoich prac jako formy trójwymiarowe, temat, treść i symbole transcendentalne. Pokrywa powierzchnie grochami, tworzy ubrania pokryte grochami, a nawet wypełnia całe przestrzenie kropkami. Kusama mówi: „Groch ma formę słońca, które jest symbolem energii całego świata i naszego życia, a także formę księżyca, który jest spokojny. Okrągły, miękki, kolorowy, bezsensowny i nieświadomy. Grochy nie mogą być same; jak komunikatywne życie ludzi, dwie lub trzy kropki tworzą ruch... Grochy są drogą do nieskończoności.”

Damien Hirst - Obraz z kropek. © Damien Hirst

Rytm, kultura i kropki

Abstrakcyjna malarka z Kalifornii, Tracey Adams, uważa kropki za objawiające prawdę. Wykształcona dyrygentka, używa kropek pojedynczo i w wzorach na swoich obrazach jako sposobu przekazywania rytmów oraz zapewnienia równowagi i symetrii w swoich kompozycjach wizualnych. Z kolei inni artyści używają kropek, by ukryć treść i znaczenie swoich obrazów. Gdy australijscy Aborygeni zaczęli malować duchowe płótna w latach 70. XX wieku, obawiali się, że malując swoje obrazy na płótnie zamiast na piasku, jak czynili to przez wieki, obcy poznają ich tajemne rytuały. Dlatego wymyślili unikalny język estetyczny oparty na kropkach, które stosują w swoich obrazach, by ukryć święte obrazy.

Roy Lichtenstein może być jednym z najbardziej znanych i kontrowersyjnych malarzy kropek epoki modernizmu. W 1961 roku zaczął tworzyć obrazy naśladujące komiksy. Obrazy zawierały oryginalne kropki Ben-Day z komiksów, używane w druku jako tani sposób na dodanie koloru do obrazów. Powiększył obrazy komiksowe i kropki Ben-Day do ogromnych rozmiarów, czyniąc kropki głównym elementem estetycznym dzieła. Jednak nie były one ważne ze względu na zdolność do nadawania koloru czy cieniowania, lecz ze względu na odniesienie do nowoczesnej technologii i kultury popularnej. Krytycy wyśmiewali Lichtensteina nie za kropki, lecz za to, że przywłaszczał sobie kulturę niską dla swojej sztuki. Podobnie jak w przypadku Seurata, obawiali się jego wyzwania dla ustalonej hierarchii gustu.

Roy Lichtenstein - Uwodzicielska dziewczyna. © Majątek Roya Lichtensteina

Marzenia o grochach

Historia tego, czy modernistyczni i współcześni malarze kropek są powiązani z dziedzictwem pointylizmu, zaczyna się około 50 lat przed tym, jak Georges Seurat namalował Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte. Zaczyna się od pochodzenia grochów. Około 1835 roku w obecnych Czechach powstał taniec zwany polką. W zapisie nutowym rytm polki wyrażany jest jako seria równomiernie rozmieszczonych, pojedynczych nut połączonych belką. Na nutach wyglądają jak symetryczne wzory kropek. W ciągu kilku dekad od rozprzestrzenienia się polki w Europie i Stanach Zjednoczonych, wzór grochów zaczął pojawiać się na tkaninach i ubraniach, a do lat 70. XIX wieku stał się wszechobecny.

Twierdzenie, że pointylizm był inspirowany tańcem ludowym, byłoby czystą spekulacją. Jednak może istnieć pewne powiązanie. W 1879 roku ilustrator i drukarz Benjamin Day Jr. wpadł na pomysł nowej techniki drukarskiej, która używała małych, jednakowych kropek do cieniowania obrazu drukowanego. Technika ta stała się znana jako wspomniane wcześniej kropki Ben-Day. Czy Benjamin Day Jr. zauważył ruch grochów na strojach tancerzy polki i zainspirował się efektem kolorystycznym wirujących kropek? Może tak, może nie. W każdym razie kropki Ben-Day pojawiły się pięć lat przed pointylizmem.

Tracey Adams - (r)evolucja 36, encaustyka, kolaż i olej na papierze, 2015. © Tracey Adams

Zrozumieć sens

Gdy Georges Seurat po raz pierwszy pokazał Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte na Salonie Société des Artistes Indépendants w 1886 roku, najpilniejszą kontrowersję wywołało to, że Seurat podchodził do malarstwa z naukowego, a nie artystycznego punktu widzenia. Pomysł, że artyści powinni rozkładać doświadczenie estetyczne na filozoficzne lub techniczne elementy, wywołał podział wśród neoimpresjonistów. Niektórzy byli zainspirowani tą ideą. Inni uważali ją za jałową i akademicką.

Jednak z perspektywy widzów główną kontrowersją było to, że według wielu osób pointylizm po prostu nie działał. Seurat proponował dwie rzeczy: po pierwsze, że dwa istniejące kolory zmieszają się w oku, gdy są oglądane z daleka, i zostaną odebrane jako trzeci, nieistniejący kolor; po drugie, że postrzegany kolor będzie bardziej świetlisty i żywy niż gdyby został zmieszany wcześniej. Wielu widzów nie potrafiło oderwać się od intelektualnej świadomości kropek na tyle długo, by rozważyć domniemane efekty estetyczne. Szok nowości zatrzymał ich na analizie techniki.

Georges Seurat - Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte

Sedno sprawy: Seurat próbował

Wkrótce po wynalezieniu pointylizmu Seurat przestał być tak rygorystycznym purystą. Zaczął używać tej techniki jako uzupełnienia bardziej tradycyjnych metod mieszania kolorów. Być może zauważył, że technika przeszkadza jego obrazom, zamiast je rozświetlać. Jednak porównując współczesnych malarzy kropek do pointylistów, główną kwestią nie jest to, czy Seurat z powodzeniem udowodnił teorie wyrażone w Nowoczesnej chromatyce. Chodzi o to, że Seurat zdołał wzbudzić coś nowego. Ledwie zaczął rozwijać swój styl w kierunku bardziej ekspresyjnego efektu, gdy pojawili się dywizjoniści, którzy poszli jeszcze dalej w czysto analityczne pojęcia podniesione przez pointylizm. Ten podział, między analitycznym a ekspresyjnym, pomógł zdefiniować i ukierunkować uzupełniające się drogi, które od tamtej pory obrał modernizm.

Dziedzictwo pointylizmu wpłynęło na artystów w sposób niezwiązany bezpośrednio z kropkami. Damien Hirst jest jego częścią, ponieważ dąży do zrozumienia koloru jako cechy formalnej, niezależnej od innych kwestii. Roy Lichtenstein jest jego częścią, ponieważ podważył status quo świata sztuki. Tracey Adams i Yayoi Kusama są jego częścią, ponieważ badają, jak nasze oczy i umysły odnoszą się do wzorów w świecie wizualnym. A być może w bardzo szerokim sensie wszyscy współcześni artyści sięgający po nieznane należą do linii dziedzictwa Georges’a Seurata i pointylistów, ponieważ kwestionują, jak możemy dążyć do odkrywania nowego.

Zdjęcie główne: Yayoi Kusama - Dynia. © Yayoi Kusama
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Bracio