Josef Albers i Interakcja Koloru

W całej historii modernizmu trwała rozmowa między artystami, która starała się określić, jaki jest najważniejszy element malarstwa. Niektórzy mówią, że forma. Niektórzy mówią, że linia. Niektórzy mówią, że powierzchnia. Niektórzy mówią, że temat. Poprzez swoją sztukę, pisma i swoje wysoce wpływowe stanowiska nauczycielskie, Josef Albers poświęcił niemal całą swoją karierę badaniu tezy, że najważniejszym elementem w malarstwie jest kolor. Jego badania wpłynęły na minimalizm, malarzy Color Field, ekspresjonizm abstrakcyjny, Op Art i nadal inspirują nowe pokolenie artystów abstrakcyjnych. Choć Albers zmarł w 1976 roku, jego przełomowa książka na ten temat, Interakcja koloru, wciąż uważana jest za najważniejszy tekst, który młodzi artyści powinni przeczytać, gdy starają się zrozumieć skomplikowane sposoby, w jakie ludzkie oczy postrzegają kolor.

Josef Albers i Bauhaus

Albers urodził się w 1888 roku i był nauczycielem, zanim został profesjonalnym artystą. Swoją karierę rozpoczął, ucząc ogólnych zajęć dla uczniów szkół podstawowych w pobliżu małego niemieckiego miasteczka, w którym dorastał. W 1919 roku Bauhaus otworzył swoje podwoje w Weimarze w Niemczech, oferując edukację, jakiej nigdy wcześniej nie proponowano. Założyciele Bauhausu zamierzali, aby było to miejsce, w którym artyści i projektanci będą wspólnie się kształcić w poszukiwaniu rozwoju perspektywy na sztukę totalną. Albers zapisał się do Bauhausu w następnym roku, w 1920, mając 32 lata. Pięć lat później został pierwszym studentem zaproszonym do dołączenia do Bauhausu jako mistrz instruktor.

Josef Albers - Studium dla Tenayuca, 1940, Ołówek na papierze, 6 × 11 ½ cali, Kolekcja SFMOMA. © Fundacja Josefa i Anni Albers / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Podczas pobytu w Bauhausie, Albers sformułował swoje poglądy nie tylko na tworzenie sztuki, ale także na nauczanie sztuki. Chociaż osobiście był bardzo skoncentrowany na technice, zdawał sobie sprawę, że nie spędzi czasu na zajęciach ucząc techniki. Zamiast tego postanowił skupić się na nauczaniu sposobu myślenia o sztuce. Zajął się przemyślanym, naukowym podejściem do swojej sztuki i wierzył, że najważniejszą rzeczą, jaką może dać studentom, jest sposób postrzegania świata inaczej niż wcześniej. Jego zadeklarowanym celem jako nauczyciela było „otworzyć oczy.”

Kiedy presja nazistowska zamknęła Bauhaus w 1933 roku, Albers przyjechał do Ameryki i uczył w nowo otwartym Black Mountain College w Karolinie Północnej. W 1950 roku opuścił to stanowisko i objął kierownictwo w dziale projektowania na Uniwersytecie Yale. Po drodze jego uczniami byli między innymi ci, którzy stali się jednymi z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, w tym Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse i Cy Twombly.

Josef Albers -Tenayuca, 1943, Olej na masonicie, 22 ½ x 43 ½ cali, Kolekcja SFMOMA. © Fundacja Josefa i Anni Albers / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Interakcja koloru

Jedną z krytyk, które wielu artystów, krytyków i widzów skierowało pod adresem Albersa, jest to, że jego prace wydają się bezosobowe. Powód tego z pewnością ma związek z naukowym podejściem Albersa do jego sztuki. Na przykład, na odwrocie wielu jego dzieł szczegółowo opisuje dokładne kolory, które wykorzystuje dany utwór. Ale w pracach Albersa obecna jest także głęboka emocja i spora dawka psychologii. Albers interesował się tym, jak kolory oddziałują na siebie nawzajem oraz jak ten wpływ wpływa na ludzką percepcję. Jednym z kluczowych odkryć, które poczynił, jest to, że ludzie są łatwo podatni na iluzję, co uważał za łatwe do zademonstrowania poprzez swoją sztukę.

W 1963 roku, będąc na Yale, Albers napisał książkę zatytułowaną Interakcja koloru, która szczegółowo opisywała wszystkie jego odkrycia dotyczące tego, jak kolory oddziałują na siebie. Książka zawiera szczegółowe lekcje, eksperymenty i grafiki wyjaśniające, jak niektóre kolory neutralizują lub zmieniają inne kolory, jak światło wpływa na odcień oraz jak to, co nazwał „normalnym ludzkim okiem”, nie było w stanie uchwycić pewnych zjawisk kolorystycznych z powodu ograniczeń jego zdolności percepcyjnych. Jeśli rozważymy tę książkę na poziomie koncepcyjnym, podobnie jak jego obrazy, lekcje dotyczą nie tyle koloru, co faktu, że ludzie są ograniczeni w tym, co mogą postrzegać, a jeśli artyści mogą zrozumieć te ograniczenia, mogą potencjalnie rozszerzyć zakres percepcyjny tych, którzy stykają się z ich pracami.

"Hołd dla Kwadratu"

Oprócz swoich prac na temat koloru, Albers poświęcił 27 lat swojego życia na stworzenie serii obrazów zatytułowanej Hołd dla kwadratu. Ta seria demonstrowała jego teorię koloru poprzez eksplorację różnych kolorowych kwadratów. Używając jednego geometrycznego kształtu w kółko, był w stanie zbadać ogromny zakres zjawisk percepcyjnych, które można osiągnąć po prostu zestawiając różne kolory razem w ograniczonym zakresie kompozycji przestrzennych.

Kiedy Albers zaczął tworzyć swoje obrazy Homage to the Square w 1949 roku, nawet artyści w dużej mierze je ignorowali. Świat sztuki w tamtym czasie był zdominowany przez monumentalne, gesturalne obrazy akcji. Obrazy Albersa były stosunkowo małe i tak kontrolowane. Były zaprojektowane. Albers raz zdefiniował projektowanie jako „planowanie i organizowanie, porządkowanie, odnoszenie się i kontrolowanie. Krótko mówiąc, obejmuje wszystkie środki przeciwstawiające się nieporządkowi i przypadkowości.” W czasach, gdy ekspresjonizm abstrakcyjny był dominującym stylem, zaprojektowane, pozornie bezemocjonalne obrazy były jak herezja.

Do lat 60. XX wieku świat sztuki dogonił Albersa, a on stał się tak samo szanowanym artystą, jak był już jako edukator, pisarz i filozof. Część tego szacunku pochodziła od serii zleceń, które otrzymał na realizację dużych prac publicznych, niektóre w formie elementów architektonicznych, a inne w formie murali. Jednym z najwcześniejszych dzieł architektonicznych Albersa był mur, który stworzył dla Harkness Commons Graduate Center na Uniwersytecie Harvarda. Jego murale obejmowały prace dla budynku Time and Life w nowojorskim Rockefeller Center, Pan Am Center oraz Corning Glass Building. W 1971 roku, w wieku 83 lat, Albers został pierwszym żyjącym artystą, który otrzymał zaszczyt zorganizowania wystawy indywidualnej w nowojorskim Muzeum Sztuki Metropolitalnej. 

Josef Albers - Cegła, 1950, 71⁄2 × 8 stóp, 2,3 × 2,5 m, Harkness Commons Graduate Center, Uniwersytet Harvarda. © Fundacja Josefa i Anni Albers / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Trwałe wrażenie

Na początku swojego szkolenia, Albers był głęboko poruszony przez impresjonistów, szczególnie przez punktalistów, którzy badali „wrażenie” koloru tworzone, gdy kolory komplementarne były umieszczane obok siebie w małych kropkach, zamiast faktycznie mieszać kolory wcześniej. W wierszu napisanym do przyjaciela o nawyku ludzi, którzy podążają za tłumem, zamiast myśleć samodzielnie, Albers napisał kiedyś: „Każdy odczuwa swoje miejsce przez swojego sąsiada.” Jak obraz impresjonistyczny oglądany z daleka, Albers postrzegał społeczeństwo jako wiele jednostek mieszających się razem, aby stworzyć jeden wspólny obraz.

Poświęcił swoje życie podążaniu unikalną ścieżką, izolując swoją własną wizję i pozostając jej wiernym. Studiując to, czego nauczył się o tym, jak poszczególne kolory wpływają na siebie, gdy są blisko siebie, oraz o zdolności ludzi do bycia oszukiwanym przez iluzję, możemy docenić nie tylko jego dzieła sztuki i jego lekcje o malarstwie, ale także coś fundamentalnego o nas samych.

Obraz wyróżniający: Josef Albers - Portale, Budynek Time Life, 1961. © Fundacja Josefa i Anni Albers / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio