Willem de Kooning - Człowiek wielu sprzeczności

Willem de Kooning jest łatwy do pokochania i łatwy do znienawidzenia. De Kooning to epicka postać w historii abstrakcyjnej sztuki XX wieku, częściowo z powodu jego twórczości, a częściowo z powodu jego osobowości. Urodzony w 1904 roku, zmarł w 1997, jego życie obejmowało cały wiek. Choć przez większość życia nie był obywatelem amerykańskim, to jednak uosabiał amerykański mit. Był pełen werwy i surowy, a jednocześnie wrażliwy. Ciężko pracował i równie intensywnie się bawił. Był błyskotliwym i ciekawym intelektualistą, a także płodnym kochankiem. Przyciągał do siebie ludzi, a potem hojnie ich nagradzał swoją szczerością i otwartością. Był wpływowym twórcą, który pozwalał innym na wpływanie na siebie. W ciągu 70 lat swojej zawodowej pracy malarskiej De Kooning stworzył jedno z najbardziej różnorodnych i emocjonujących dzieł swojego pokolenia. Jednak przeciwnicy De Kooninga twierdzą, że był oszustem, łajdakiem i pijakiem. A do tego dochodzi fakt, że namalował jedno z najdroższych dzieł sztuki sprzedanych do tej pory, abstrakcyjny pejzaż zatytułowany Interchange. Ten obraz myli niektórych widzów, którzy nie rozumieją jego znaczenia, i irytuje innych, którzy uważają go za naśladownictwo dzieł jednej z jego kochanek, Mary Abbott. Ale poza nienawiścią, zazdrością, krytyką, podejrzeniami i miłością pozostaje artysta: ktoś, kto zaczął poważnie zajmować się sztuką w wieku dwunastu lat i nigdy nie przestał tworzyć, nawet gdy w wieku osiemdziesięciu lat dotknęła go choroba Alzheimera.

Czym jest artysta?

18 lutego 1949 roku, w wieku 44 lat, Willem de Kooning został zaproszony przez Barnetta Newmana (lub Barneya, jak go nazywał) do wygłoszenia swojego pierwszego publicznego wykładu. Tematem była rozpacz. De Kooning rozpoczął od słów: „Moje zainteresowanie rozpaczą polega tylko na tym, że czasem sam staję się rozpaczliwy. Bardzo rzadko zaczynam w ten sposób.” De Kooning opisał proces twórczy jako z natury rozpaczliwy, ponieważ wszelkie myślenie i działanie są przeciwieństwem harmonii i zadowolenia. Opisał artystów jako uciśnionych przez idee, pochłoniętych przez nie, wiecznie myślących, wiecznie działających, a więc wiecznie rozpaczliwych.

Wiele z jego własnej rozpaczy wynikało z faktu, że dręczyła go potrzeba tworzenia czegoś nowego i strach przed stagnacją. Pod koniec wykładu De Kooning zdefiniował, kim jest artysta. Powiedział: „Artysta to ktoś, kto również tworzy sztukę. Nie wynalazł jej.” Ale jak artysta może być oryginalny, skoro sztuka to niekończący się proces naśladowania, drobna odmiana tego, co już zostało zrobione? Odpowiedź, według De Kooninga, to szczerość i pokora. Artysta wprowadza innowacje poprzez uczciwe wyrażanie siebie i uznaje, że artyści zawsze są częścią czegoś większego: wspólnoty, historii, ruchu. Innymi słowy, nic, co robi artysta, nie jest dziełem samotnym.

Willem de Kooning - Fire Island, ok. 1946, olej na papierze, 48,3 x 67,3 cm, Kolekcja Rodziny Margulies © Fundacja Willema de Kooninga, Nowy Jork / VEGAP, Bilbao, 2016

Stawanie się Amerykaninem

Willem de Kooning poświęcił się sztuce w młodym wieku. Urodzony w Rotterdamie w Holandii, rzucił szkołę w wieku dwunastu lat i rozpoczął praktykę w firmie projektowej Gidding & Zonen. W następnym roku zaczął pracować w firmie w ciągu dnia, a wieczorami uczęszczał na kursy w Akademii Sztuk Pięknych i Technik w Rotterdamie. W wieku 16 lat De Kooning miał już płatną pracę jako artysta dla domu towarowego. A w wieku 20 lat przeprowadził się do Brukseli, by podjąć pracę w firmie dekoratorskiej.

Mimo tak wczesnych sukcesów, De Kooning nie uważał się jeszcze za artystę. Nie był nawet pewien, czy w ogóle chce tworzyć sztukę piękną. Marzył po prostu o dobrym życiu i ekscytujących przeżyciach. Z tymi myślami w głowie, w wieku 22 lat ukrył się na brytyjskim statku towarowym zmierzającym na wschodnie wybrzeże Ameryki. Gdy statek zacumował, nielegalnie wszedł do kraju i udał się do Hoboken w New Jersey. Tam Instytut Kościoła Marynarzy, organizacja wspierająca Holendrów, przyjęła go pod swój dach. Zapewnili mu miejsce do życia i pomogli znaleźć pracę jako malarz domów.

Willem de Kooning - Bez tytułu (Kobieta w lesie), ok. 1963, olej na papierze, zamontowany na płycie pilśniowej, © Fundacja Willema de Kooninga, Nowy Jork / VEGAP, Bilbao, 2016

Zdobywanie środków do życia

Po zaledwie roku w Ameryce De Kooning znalazł pracę w firmie projektowej w Nowym Jorku i mógł przeprowadzić się na Manhattan. Udało mu się dokonać ogromnego wyczynu – przybyć do Ameryki i zaistnieć w jednym z najbardziej konkurencyjnych miast na świecie. Jednak po przybyciu do miasta zaczął zaprzyjaźniać się z prawdziwymi artystami, takimi jak Stuart Davis, John Graham i Arshile Gorky. Prace tych artystów wydawały się De Kooningowi niezwykle ważne i znaczące, a on stopniowo, przez kolejne lata, przekonywał się, że choć zarabia dobrze, to jeszcze nie stworzył dla siebie właściwego życia.

W 1935 roku, w wieku 31 lat, De Kooning porzucił karierę zawodowego projektanta i zapisał się jako artysta do Works Progress Administration. Podjął pracę jako malarz ścienny w tej grupie. Tam poznał artystę Fernanda Légera i zaczął budować swoją pozycję artysty o wyjątkowo nowoczesnym stylu. Ta decyzja, by poświęcić się wyłącznie sztuce, zmieniła wszystko dla De Kooninga. W ciągu następnych pięciu lat poznał młodą malarkę Elaine Fried, która ostatecznie została jego pierwszą żoną, oraz malarza Franza Kline’a, który stał się jego najbliższym przyjacielem.

Willem de Kooning - Bez tytułu, 1972, z serii 15-75, sitodruk kolorowy na papierze Arches, 61,3 × 91,8 cala, zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie d'Orsay, Boston

Dojrzały De Kooning

Chociaż szybko zyskał renomę intelektualisty wśród poważnych artystów działających w powojennym Nowym Jorku, dopiero w czterdziestce Willem de Kooning osiągnął to, co można uznać za dojrzały styl malarstwa abstrakcyjnego. Po raz pierwszy ujawnił ten styl w 1948 roku, podczas swojej pierwszej solowej wystawy w galerii Charles Egan. Na wystawie znalazły się jego słynne czarne obrazy, które według legendy namalował, ponieważ nie miał pieniędzy na inne pigmenty. Wystawa została pozytywnie przyjęta przez prasę, a nowojorskie MoMA zakupiło jeden z tych czarnych obrazów.

Niestety, 1948 był także rokiem, w którym Arshile Gorky popełnił samobójstwo. Gorky stał się dla De Kooninga głównym mentorem i bliskim przyjacielem. Oboje dzielili wspólny niepokój związany z malarstwem — tę rozpacz wyrażoną tak przejmująco w pierwszym publicznym wykładzie De Kooninga. Mimo niepokoju i straty przyjaciela, De Kooning rozkwitał w kolejnych latach. Współzałożył The Club, znany również jako 8th Street Artists Club, legendarne miejsce spotkań najbystrzejszych umysłów nowojorskiej sceny artystycznej. W 1950 roku ukończył monumentalne płótno Excavation, które przyniosło mu Medal Logana i Nagrodę Zakupu przyznawaną przez Art Institute of Chicago, umacniając jego reputację jako kluczowego członka Szkoły Nowojorskiej i przynosząc mu ogólnokrajowe uznanie.

Willem de Kooning - Obraz, 1948, emalia i olej na płótnie, 108,3 x 142,6 cm, Zdjęcie cyfrowe © Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork

Kobiety De Kooninga

Pod koniec lat 40., gdy odnosił sukcesy jako malarz abstrakcyjny, De Kooning był również przyciągany z powrotem do swoich figuratywnych korzeni. W 1950 roku zaskoczył wielu swoich wielbicieli i przyjaciół, prezentując serię quasi-figuralnych dzieł, które dziś nazywa się jego obrazami Kobieta. Obrazy Kobieta łączyły gesty i stylistyczne elementy jego wcześniejszych prac, ale dodawały pierwotne, figuratywne przedstawienia tego, co De Kooning uważał za ikoniczne wizerunki kobiet.

Energia i gwałtowność jego znaków połączona z groteskowymi obrazami sprawiły, że wielu widzów uważało, iż obrazy Kobieta wyrażają gniew i przemoc wobec kobiet. Jednak De Kooning uważał się za obrońcę kobiet. Miał wielu kochanków i nie uważał, by jego zachowanie lub obrazy były mizoginistyczne. Postrzegał swoje obrazy Kobieta jako mitologiczne, pełne czci i fantazji. Dziś te obrazy są być może jego najsłynniejszymi dziełami. Ale w tamtym czasie wielu artystów i krytyków uważało za herezję, że awangardowy członek abstrakcyjnej Szkoły Nowojorskiej zawraca i wraca do sztuki figuratywnej.

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (po lewej) i Willem Woman, 1949 (po prawej), © Fundacja Willema de Kooninga, Nowy Jork / VEGAP, Bilbao, 2016

Jedyna stała

Około pięć lat po rozpoczęciu serii Kobieta, De Kooning ponownie zmienił styl, tym razem wracając do abstrakcji. Być może zainspirowany pomysłami, które wymieniał z malarką Mary Abbott, zaczął malować to, co nazywał abstrakcyjnymi pejzażami. Te pejzaże powstały w trzech odrębnych okresach, nazwanych odpowiednio Urban, Parkway i Pastoral. Jednak w tych obrazach nie było nic figuratywnego, co sugerowałoby, że De Kooning dosłownie próbował malować pejzaże.

Raczej jego pejzaże przekazują abstrakcyjne odczucie własnej interakcji z naturalnym i zbudowanym środowiskiem. Wyrażają pewien dystans, a może spokój. De Kooning zaczął spędzać lato w Hamptons około 1952 roku, a ostatecznie na stałe przeniósł się do odległej części Long Island w latach 60. Te pejzaże powstały w trakcie tej przemiany i wydają się wyrażać przyciąganie do czegoś poza szaleńczym wyścigiem szczurów Nowego Jorku. Uosabiają też najczęściej cytowane powiedzenie, z którym kojarzy się De Kooning: „Trzeba się zmieniać, by pozostać sobą.”

Willem de Kooning - Japońska wioska, 1971, litografia, 71,8 × 101,6 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Sragow Gallery, Nowy Jork

De Kooning a choroba Alzheimera

W latach 60. i 70. De Kooning nieustannie rozwijał swoje artystyczne działania. Eksperymentował z litografią i rzeźbą oraz stworzył wiele prac na papierze. Swobodnie przechodził między abstrakcją a figuracją, badając różne podejścia i tematy, które podpowiadały mu jego pasje. Pozostał wierny przekonaniu, że tylko on sam może decydować, jaką sztukę tworzy, mówiąc: „To naprawdę absurdalne, by dziś malować obraz, na przykład postać ludzką, farbą, jeśli się nad tym zastanowić... Ale nagle stało się jeszcze bardziej absurdalne, by tego nie robić. Więc obawiam się, że będę musiał podążać za swoimi pragnieniami.”

De Kooning podążał za swoimi pragnieniami aż do końca. Na początku lat 80. rzucił alkohol i leki przeciwdepresyjne, a jego styl malarski zmienił się, stając się bardziej oszczędny i szybszy. Bliscy uważali, że daje oznaki demencji, ale on lekceważył krytykę i z zapałem malował żywe, kolorowe dzieła, które w duchu mistrzów takich jak Matisse były najprostsze i najbardziej oszczędne, jakie kiedykolwiek stworzył. Nawet po pojawieniu się objawów choroby Alzheimera przez kolejne dwa lata nadal malował.

Jeden z ostatnich obrazów Willema de Kooninga, bez tytułu z 1989 roku, olej na płótnie, 72,4 x 55,9 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Keno Auctions

Legenda De Kooninga

Na pierwszy rzut oka życie Willema de Kooninga było niezwykłe: przybył do Ameryki jako pasażer na gapę, przez dziesięciolecia żył jako nielegalny imigrant, a potem zanurzył się w grupie artystów, którzy zmienili świat. A jednak był tylko człowiekiem. Doświadczał wzlotów i upadków, podejmował ryzyko i podążał za sercem. Zmagał się z nałogami, łamał serca kochankom i nie spełniał własnych oczekiwań. Był szczery, prawdziwy i na zawsze dręczony przez wątpliwości. Był zarówno niezwykły, jak i całkowicie zwyczajny.

To, co go wyróżnia, to być może jego wytrwałość. Nigdy nie przestawał się napędzać. Duch tego dwunastoletniego chłopca, który opuścił szkołę, by podążać za karierą twórczą, towarzyszył De Kooningowi przez całe życie i dobrze mu służył. Właśnie dlatego Akademia Sztuk Pięknych i Technik w Rotterdamie, do której De Kooning uczęszczał na kursy wieczorowe jako nastolatek, zmieniła nazwę po jego śmierci na Willem de Kooning Academie. Co może być lepszym świadectwem artysty, który pozostał wierny swojej sztuce, intelektowi, pasji i nieustraszonemu duchowi młodości.

Zdjęcie główne: Willem de Kooning - Excavation, 1950, olej i emalia na płótnie, 206 x 254,6 cm, The Art Institute of Chicago, © The Art Institute of Chicago
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio