Jasność tonu i formy w obrazach Barnetta Newmana

Ikoniczne obrazy z zamkami Barnetta Newmana, z cienkimi, świetlistymi pionowymi pasami otoczonymi immersyjnymi polami koloru, uważane są za jedne z najbardziej emocjonalnych i potężnych dzieł XX wieku. Jednak Newman nie był doceniany w swoim czasie. Miał czterdzieści lat, zanim osiągnął swój dojrzały styl, a kiedy po raz pierwszy wystawił swoje obrazy z zamkami, krytycy i kolekcjonerzy powszechnie je nienawidzili. Niemniej jednak, Newman pozostał skoncentrowany na tym, co chciał przekazać swoją sztuką. Jego długa i trudna droga do sukcesu dała mu unikalną perspektywę oraz możliwość samodzielnego rozważenia znaczenia i celu życia oraz sztuki. Kiedy historia dogoniła Newmana, jego unikalna perspektywa zaowocowała artystycznym dorobkiem, który z doskonałą klarownością komunikuje to, co uniwersalne, indywidualne i wzniosłe.

Barnett Newman pisarz

Barnett Newman urodził się z pasją do komunikacji, zarówno poprzez słowa, jak i obrazy. Jako dziecko dorastające w Bronksie raz wygrał konkurs mówienia w szkole. Kiedy był uczniem ostatniej klasy szkoły średniej, brał udział w zajęciach prawie każdego dnia tygodnia w Art Students League. Na studiach wykorzystał swoje pasje, studiując sztukę, specjalizując się w filozofii i pisząc artykuły do publikacji szkolnych. Ale pomimo swojego ogromnego talentu i zapału, po ukończeniu studiów Newman znalazł się w sytuacji, w której brakowało mu wyraźnego kierunku, jak dokładnie wykorzystać swoje pasje w karierze.

Po ukończeniu studiów z zakresu filozofii w 1927 roku, Newman zaczął pracować w rodzinnej firmie, starając się zaoszczędzić pieniądze przed rozpoczęciem życia artysty. Jednak gdy dwa lata później nastąpił krach na giełdzie, niemal wszystkie perspektywy dla niego i jego rodziny zostały zniszczone. Stawiając czoła surowej rzeczywistości, Newman z zapałem postanowił przetrwać wszelkimi możliwymi sposobami. Próbował pracy jako nauczyciel zastępczy i pisał dla wielu publikacji na tematy takie jak polityka i historia sztuki. Podczas zmagania i poszukiwań kontynuował malowanie i nawiązywał kontakty z innymi podobnie myślącymi duszami, które również zmagały się ze znalezieniem swojej drogi. Wśród tych kontaktów była jego żona Annalee, malarze Mark Rothko i Adolph Gottlieb, oraz właścicielka galerii Betty Parsons.

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Kolonia, Niemcy. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Barnett Newman filozof

W latach 30. i na początku 40. Newman był nieustannie niezadowolony ze swoich wysiłków jako malarz. Miał serce poety i filozofa i szukał sposobu, aby wyrazić swoją wewnętrzną naturę poprzez sztukę. Ukojenie znajdował w pisaniu o sztuce, pisząc eseje do katalogów wystaw dla różnych innych artystów, dzięki swojemu stowarzyszeniu z Betty Parsons. Te pisma, wraz z jego różnorodnymi doświadczeniami życiowymi i osobistymi zmaganiami, stopniowo doprowadziły go do opracowania głębokiej teorii na temat natury ludzkości i celu sztuki.

On wyjaśnił tę filozofię w dwóch esejach, które napisał w 1947 i 1948 roku. Pierwszy esej nosił tytuł Pierwszy człowiek był artystą. W nim Newman argumentował, że instynkt poetycki, czy artystyczny, zawsze poprzedzał instynkt użytkowy u ludzi, od początku czasów. Twierdził, że gliniane rzeźby bogów poprzedzały ceramikę, a poetyckie pomruki i krzyki wyrażające najbardziej pierwotne emocje poprzedzały tzw. cywilizowane wypowiedzi. „Ceramika jest produktem cywilizacji,” napisał Newman. „Akt artystyczny jest osobistym prawem człowieka.”

Barnett Newman - Dionizjusz, 1949. Olej na płótnie. Wymiary ogólne: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 cali). Dar Annalee Newman, na cześć 50. rocznicy Narodowej Galerii Sztuki. 1988.57.2. Kolekcja Narodowej Galerii Sztuki. © 2019 Fundacja Barnetta Newmana / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Barnett Newman malarz

Drugim ważnym esejem, który napisał Newman, był zatytułowany Sublime Is Now. W tym utworze skrytykował wszystkich dawnych artystów za to, że po prostu gonią za pięknem. Nawet artyści modernistyczni, argumentował, jedynie reinterpretowali to, co było piękne, tworząc „transfer wartości zamiast tworzenia nowej wizji.” Twierdził, że on i jego współcześni dążyli do czegoś całkowicie nowego, „całkowicie negując, że sztuka ma jakiekolwiek związki z problemem piękna i gdzie je znaleźć.” Podkreślił, że prace, które on i oni tworzyli, nie miały żadnego związku z czymkolwiek historycznym, nostalgicznym czy mitycznym, lecz były „oczywiste” i powstały „z naszych własnych uczuć.”

Wynik całego tego filozofowania objawił się dla Newmana artystycznie w 1948 roku, kiedy stworzył swoje ikoniczne dzieło Onement, pierwsze z jego obrazów zip. Tytuł utworu to gra słów. Odnosi się do słowa zadośćuczynienie, które może oznaczać naprawienie czegoś, ale jest także odniesieniem chrześcijańskim do połączenia ludzkości i boskości reprezentowanego przez postać Chrystusa. Jednak pomijając pierwsze dwie litery tego słowa, Newman odnosił się również do totalności jednostki, jedności, oraz do swojej ogólnej idei, że całość wszelkiego wzniosłego zrozumienia może być zawarta w jednej osobie, a nawet w jednym obrazie.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olej na płótnie i olej na taśmie maskującej na płótnie. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dar Annalee Newman. 390.1992. Kolekcja MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Jednoznaczne Wyrażenie Celu

Po namalowaniu Onement Barnett Newman zniszczył wszystkie swoje wcześniejsze prace. Osiągnął estetyczny głos, którego szukał, a od tego momentu kontynuował niszczenie wszelkich dzieł, które nie pasowały do jego specyficznej wizji. Ironią jest to, że nie był jedyną osobą, która czuła potrzebę zniszczenia swojej pracy. Nauczył się tej niefortunnej lekcji w 1950 roku, kiedy zaczął być reprezentowany przez swoją przyjaciółkę Betty Parsons. W ciągu następnych dwóch lat zorganizował dwie wystawy indywidualne w jej galerii. Na obu wystawach jego obrazy były pocięte, a w recenzjach krytycy powszechnie wyśmiewali te prace.

Wstrząśnięty nienawiścią, jaką doświadczył, Newman wycofał swoje prace z Betty Parsons i całkowicie zaprzestał wystawiania swoich dzieł przez następne cztery lata. Nawet odkupił jeden ze swoich obrazów, który został sprzedany, pisząc do kolekcjonera: „Warunki jeszcze nie istnieją . . . które mogłyby umożliwić bezpośrednie, niewinne podejście do odizolowanego kawałka mojej pracy.” Ale nadal malował swoje obrazy z zamkami, wierząc, że komunikują one czystość i wielkość wzniosłego, indywidualnego ducha. Kiedy jednak w końcu zdecydował się ponownie wystawić swoje prace, nadal były one wyśmiewane, a jeden z krytyków wystawy obrazu Vir Heroicus Sublimis z 1957 roku posunął się nawet do przeklinania na temat dzieła i zwrócenia uwagi tylko na jego rozmiar i fakt, że jest czerwony.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olej na płótnie. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Dar pana i pani Ben Heller. 240.1969. Kolekcja MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Następne pokolenie

Mimo publicznego niezrozumienia jego wysiłków, Newman wytrwał, utrwalając swoje wyrażenie poprzez jego uproszczenie. Jego najbardziej udane prace składały się tylko z dwóch elementów: tonu i formy. Same zipsy nie były tak naprawdę formami, jak kształtami. Ale obrazy były formami w swojej całości. Zipsy były w rzeczywistości tylko wyrazami jakości tonalnych, zmiana koloru odróżniała je od otaczających pól kolorystycznych. Wyrażał również ton w sensie muzycznym, jako wyraźne, precyzyjne, wydłużone wyrażenie głosu. Poprzez swoje jasne wyrażenie tonu i formy, Newman zdefiniował swoje nieugięte przekonanie o wartości wzmocnienia, idiosynkrazji i uniwersalnej istoty jednostki.

Pomimo swojej szczerości i pasji, w całych latach 50. tylko jeden krytyk wspierał Barnetta Newmana, a był to Clement Greenberg. Choć jego wsparcie niewiele zrobiło, aby przekonać środowisko artystyczne o wartości jego pracy, odzwierciedlało rosnące zrozumienie, jakie młodsze pokolenie miało dla tego, co reprezentował Barnett Newman. Dla młodych malarzy, zamiast wiązać ich z przeszłością, Newman uwolnił ich, aby mogli przyjąć swoją unikalną indywidualność. Udowodnił, że widzowie mogą podchodzić do każdego z jego obrazów i spotykać je w dokładnie taki sam sposób, w jaki spotkaliby innego człowieka: po prostu jeden istotny byt spotykający inny. Udowodnił, że obrazy nie muszą odnosić się do siebie nawzajem i nie muszą odnosić się do historii. Pokazał, że każde dzieło sztuki jest wszechświatem w sobie.

Barnett Newman - Trzeci, 1964. Olej na płótnie. © 2019 Fundacja Barnetta Newmana / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Opóźniony, ale trwały wpływ

Mimo że minęło wiele lat, zanim nowa generacja mogła połączyć się z ideami Newmana, w końcu zdobył on szacunek i uznanie, na które zasługiwał. Dziś wpływ Barnetta Newmana można dostrzec u wielu współczesnych artystów abstrakcyjnych, którzy stworzyli idiosynkratyczne wizje estetyczne oparte na tonie i formie. Na przykład rozważ Toma McGlynna, który stworzył sublime i idiosynkratyczną wizję opartą na tonie i formie; lub prace Richarda Caldicotta, które badają powtarzalność seryjną i struktury w tworzeniu unikalnie pojedynczych przestrzeni estetycznych.

Mimo początkowego nieporozumienia dotyczącego jego pracy, Barnett Newman jest obecnie rutynowo zaliczany do najlepszych abstrakcyjnych ekspresjonistów, artystów Color Field, a nawet minimalistów. Jednak uważał się za osobę nieprzypisaną do żadnej z tych grup. Uważał się raczej za ruch sam w sobie. Niemniej jednak, chociaż nie był podobny do abstrakcyjnych ekspresjonistów pod względem stylu, był sztandarem wartości osobistej ekspresji. Chociaż nie był artystą Color Field, wykazał zdolność tonalnych jakości do tworzenia medytacyjnych i kontemplacyjnych form estetycznych. A chociaż nie był minimalistą, przenikliwie wyraził wartość upraszczania i redukowania języka wizualnego.

Barnett Newman - Czarny Ogień I, 1963. Olej na płótnie. 114 x 84 cali (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Fundacja Barnetta Newmana / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Obraz wyróżniający: Barnett Newman - Onement I (szczegół), 1948. Olej na płótnie i olej na taśmie maskującej na płótnie. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dar Annalee Newman. 390.1992. Kolekcja MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio