Jasność tonu i formy w obrazach Barnetta Newmana

Ikoniczne obrazy z zamkami błyskawicznymi autorstwa Barnett Newman, przedstawiające cienkie, świetliste pionowe pasy otoczone wciągającymi polami koloru, uważane są za jedne z najbardziej emocjonalnych i potężnych dzieł XX wieku. Jednak Newman nie był doceniany za swojego życia. Miał ponad czterdzieści lat, zanim osiągnął dojrzały styl, a gdy po raz pierwszy wystawił swoje obrazy z zamkami, krytycy i kolekcjonerzy powszechnie je odrzucali. Mimo to Newman pozostał skupiony na tym, co chciał przekazać swoją sztuką. Jego długa i trudna droga do sukcesu dała mu wyjątkową perspektywę oraz możliwość samodzielnego zrozumienia sensu i celu życia oraz sztuki. Gdy historia go dogoniła, jego unikalne spojrzenie zaowocowało dziełem artystycznym, które z doskonałą jasnością przekazuje uniwersalne, indywidualne i wzniosłe.

Barnett Newman jako pisarz

Barnett Newman od urodzenia miał pasję do komunikowania się zarówno słowem, jak i obrazem. Jako dziecko wychowujące się na Bronksie wygrał kiedyś konkurs mówienia w szkole. W ostatniej klasie szkoły średniej uczęszczał niemal codziennie na zajęcia w Art Students League. Na studiach realizował swoje pasje, studiując sztukę, specjalizując się w filozofii i pisząc artykuły do szkolnych publikacji. Mimo ogromnego talentu i zapału po ukończeniu studiów Newman nie miał jasnego kierunku, jak wykorzystać swoje pasje w karierze.

Po ukończeniu filozofii w 1927 roku Newman zaczął pracować w rodzinnym biznesie, starając się zaoszczędzić pieniądze, zanim zacznie żyć jako artysta. Jednak gdy dwa lata później doszło do krachu na giełdzie, niemal wszystkie perspektywy dla niego i jego rodziny zostały zniszczone. Stawiając czoła trudnym realiom, Newman zaczął na poważnie walczyć o przetrwanie na wszelkie sposoby. Próbował uczyć jako zastępca i pisał do różnych publikacji na tematy takie jak polityka i historia sztuki. Mimo trudności i poszukiwań kontynuował malowanie i nawiązywał kontakty z innymi podobnie myślącymi duszami, które również szukały swojej drogi. Wśród tych kontaktów była jego żona Annalee, malarze Mark Rothko i Adolph Gottlieb oraz właścicielka galerii Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Kolonia, Niemcy. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

 

Barnett Newman jako filozof

Przez lata 30. i wczesne 40. XX wieku Newman był nieustannie niezadowolony ze swoich wysiłków jako malarz. Miał serce poety i filozofa i szukał sposobu, by wyrazić swoją wewnętrzną naturę poprzez sztukę. Znajdował ukojenie w pisaniu o sztuce, tworząc eseje do katalogów wystaw dla różnych artystów, dzięki współpracy z Betty Parsons. Te pisma, wraz z różnorodnymi doświadczeniami życiowymi i osobistymi zmaganiami, stopniowo doprowadziły go do opracowania głębokiej teorii o naturze człowieczeństwa i celu sztuki.

Wyłożył tę filozofię w dwóch esejach napisanych odpowiednio w 1947 i 1948 roku. Pierwszy esej nosił tytuł The First Man Was an Artist. W nim Newman argumentował, że instynkt poetycki lub artystyczny zawsze poprzedzał instynkt użytkowy u ludzi od zarania dziejów. Twierdził, że rzeźby z błota przedstawiające bogów powstały wcześniej niż ceramika, a poetyckie pomruki i krzyki wyrażające najbardziej pierwotne emocje poprzedzały tak zwane cywilizowane wypowiedzi. „Ceramika jest produktem cywilizacji,” pisał Newman. „Akt artystyczny jest osobistym prawem człowieka.”

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Olej na płótnie. Wymiary całkowite: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 cali). Dar Annalee Newman, z okazji 50. rocznicy National Gallery of Art. 1988.57.2. Kolekcja National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

 

Barnett Newman jako malarz

Drugi ważny esej napisany przez Newmana nosił tytuł The Sublime Is Now. W tym tekście ganił wszystkich wcześniejszych artystów za to, że jedynie gonią za pięknem. Twierdził, że nawet artyści modernistyczni jedynie reinterpretują to, co piękne, tworząc „przeniesienie wartości zamiast tworzenia nowej wizji.” Utrzymywał, że on i jego współcześni dążą do czegoś zupełnie nowego, „całkowicie zaprzeczając, że sztuka ma cokolwiek wspólnego z problemem piękna i gdzie je znaleźć.” Twierdził, że dzieła, które tworzył on i jego koledzy, nie mają związku z niczym historycznym, nostalgicznym czy mitycznym, lecz są „oczywiste” i powstałe „z naszych własnych uczuć.”

Efektem tych rozważań artystycznych był dla Newmana w 1948 roku jego ikoniczny majstersztyk Onement, pierwszy z jego zip paintings. Tytuł dzieła jest grą słów. Odnosi się do słowa atonement, które może oznaczać naprawę czegoś, ale jest też chrześcijańskim odniesieniem do zjednoczenia człowieczeństwa i boskości reprezentowanego przez postać Chrystusa. Jednak pomijając pierwsze dwie litery słowa, Newman nawiązywał także do całości jednostki, jedności, oraz swojej nadrzędnej idei, że całość wszelkiego wzniosłego zrozumienia może być zawarta w jednej osobie lub, na przykład, jednym obrazie.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olej na płótnie i olej na taśmie maskującej na płótnie. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dar Annalee Newman. 390.1992. Kolekcja MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

 

Wyjątkowy wyraz celu

Po namalowaniu Onement Barnett Newman zniszczył wszystkie swoje wcześniejsze prace. Osiągnął estetyczny głos, którego szukał, i od tego momentu kontynuował niszczenie wszelkich dzieł, które nie pasowały do jego konkretnej wizji. Paradoksalnie nie był jedyną osobą, która czuła potrzebę niszczenia swoich prac. Lekcję tę poznał w 1950 roku, gdy zaczął być reprezentowany przez swoją przyjaciółkę Betty Parsons. W ciągu następnych dwóch lat odbyły się dwie jego solowe wystawy w jej galerii. Na obu wystawach jego obrazy zostały pocięte, a krytycy w recenzjach powszechnie wyśmiewali jego dzieła.

Wstrząśnięty nienawiścią, którą doświadczył, Newman wycofał swoje prace z galerii Betty Parsons i całkowicie zaprzestał wystawiania ich przez kolejne cztery lata. Nawet odkupił jeden ze swoich sprzedanych obrazów, pisząc do kolekcjonera: „Warunki jeszcze nie istnieją... które umożliwiłyby bezpośrednie, niewinne podejście do odizolowanego mojego dzieła.” Mimo to kontynuował malowanie swoich obrazów z zamkami, wierząc, że przekazują one czystość i wielkość wzniosłego, indywidualnego ducha. Gdy w końcu zdecydował się ponownie wystawić swoje prace, nadal były one wyśmiewane, a jeden z krytyków na wystawie w 1957 roku obrazu Vir Heroicus Sublimis posunął się nawet do przekleństw i zwrócił uwagę jedynie na jego rozmiar i fakt, że jest czerwony.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olej na płótnie. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Dar pana i pani Ben Heller. 240.1969. Kolekcja MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

 

Następne pokolenie

Pomimo niezrozumienia ze strony publiczności, Newman wytrwał, umacniając swój wyraz poprzez jego uproszczenie. Jego najbardziej udane dzieła składały się tylko z dwóch elementów: tonu i formy. Same zamki nie były tak bardzo formami, jak kształtami. Jednak obrazy były formami w całości. Zamki były właściwie wyrazem cech tonalnych, przesunięciem koloru odróżniającym je od otaczających pól kolorystycznych. Wyrażał też ton w sensie muzycznym, jako jasne, precyzyjne, wydłużone wyrażenie głosu. Poprzez jasne wyrażenie tonu i formy Newman definiował swoje stanowcze przekonanie o wartości umocnienia, indywidualności i uniwersalnej istoty jednostki.

Pomimo szczerości i pasji, w latach 50. jedynym krytykiem wspierającym Barnetta Newmana był Clement Greenberg. Choć jego wsparcie niewiele przekonało środowisko artystyczne do wartości dzieł, odzwierciedlało rosnące zrozumienie młodszego pokolenia dla tego, co reprezentował Barnett Newman. Dla młodych malarzy, zamiast wiązać ich z przeszłością, Newman uwolnił ich, by mogli objąć swoją unikalną indywidualność. Udowodnił, że widzowie mogą podejść do każdego z jego obrazów i spotkać się z nimi tak samo, jak spotykają się z innym człowiekiem: po prostu jedna istotna jednostka spotyka drugą. Pokazał, że obrazy nie muszą odnosić się do siebie nawzajem ani do historii. Udowodnił, że każde dzieło sztuki jest wszechświatem samym w sobie.

 

Barnett Newman - The Third, 1964. Olej na płótnie. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

 

Opóźniony, lecz trwały wpływ

Chociaż minęło wiele lat, zanim Newman, będąc już w wieku sześćdziesięciu lat, zyskał uznanie nowego pokolenia, ostatecznie zdobył szacunek i uznanie, na jakie zasługiwał. Dziś wpływ Barnetta Newmana można dostrzec u wielu współczesnych artystów abstrakcyjnych, którzy stworzyli indywidualne wizje estetyczne oparte na tonie i formie. Na przykład warto rozważyć Tom McGlynn, który stworzył wzniosłą i indywidualną wizję opartą na tonie i formie; lub twórczość Richard Caldicott, która bada powtarzalność i struktury w tworzeniu unikalnie wyjątkowych przestrzeni estetycznych.

Pomimo początkowego niezrozumienia jego dzieł, Barnett Newman jest dziś rutynowo zaliczany do najlepszych abstrakcyjnych ekspresjonistów, artystów pola koloru, a nawet minimalistów. Jednak sam uważał się za niezwiązany z żadną z tych grup. Postrzegał siebie raczej jako odrębny ruch. Niemniej jednak, choć nie był podobny do abstrakcyjnych ekspresjonistów stylem, był orędownikiem wartości osobistego wyrazu. Choć nie był artystą pola koloru, pokazał zdolność cech tonalnych do tworzenia medytacyjnych i kontemplacyjnych form estetycznych. I chociaż nie był minimalistą, przewidująco wyraził wartość upraszczania i redukcji języka wizualnego.

 

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Olej na płótnie. 114 x 84 cali (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

 

Zdjęcie główne: Barnett Newman - Onement I (szczegół), 1948. Olej na płótnie i olej na taśmie maskującej na płótnie. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dar Annalee Newman. 390.1992. Kolekcja MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio