Czy Art Brut jest zasadniczo abstrakcyjny, czy raczej ruchem figuratywnym?

Zanim zaczniemy, musimy przyznać, że analizowanie, czy Art Brut powinno być odczytywane jako sztuka figuratywna czy abstrakcyjna, jest nieco szaleństwem. Z definicji Art Brut oznacza sztukę istniejącą poza zakresem zewnętrznych analiz. Jean Dubuffet, który ukuł to pojęcie, opisał Art Brut jako sztukę, która jest „całkowicie czysta, surowa, na nowo tworzona na wszystkich etapach przez jej autora, oparta wyłącznie na jego własnych impulsach. Sztuka, w której manifestuje się jedyna funkcja wynalazczości.” Dubuffet po raz pierwszy opisał Art Brut w liście do swojego przyjaciela, artysty René Auberjonoisa, w latach 40. XX wieku. Opis porównywał surową sztukę do surowego złota, które, jak mówił, podoba mu się „bardziej jako bryłka niż jako koperta zegarka.” Dubuffet zainteresował się surową sztuką podczas czytania książki Artistry of the Mentally Ill, wydanej w 1922 roku przez niemieckiego psychiatry Hansa Prinzhorna. Książka zawiera pierwsze poważne analizy estetyczne dzieł sztuki stworzonych przez pacjentów psychiatrycznych przebywających w instytucjach. Dubuffet zauważył ducha, z jakim ci niewykształceni, nieznani twórcy podchodzili do swojej sztuki, która ignorowała wszelkie formalne, społeczne i akademickie konwencje. Ich sztuka nie była przeznaczona na rynek ani do krytyki czy interpretacji. Nie była stworzona, by być kwestionowaną; ani nawet koniecznie oglądaną. Artyści tworzyli ją, jak mówił Dubuffet, „dla własnego użytku i zachwytu.” Niemniej jednak podejmiemy się naszego szaleństwa i przeanalizujemy Art Brut, ponieważ bez względu na intencje artystów wierzymy, że ich dzieła mogą mieć dla nas jakieś znaczenie i chcemy je lepiej zrozumieć, jeśli to możliwe.

Niezwykły Umysł

Kto może wyznaczyć granice choroby psychicznej? Czasem nasz umysł prowadzi nas w jedną stronę, a instynkty w inną. Czasem obie drogi są absurdalne. Innym razem obie wydają się słuszne. Zanim Hans Prinzhorn stał się sławny jako lekarz, który zapoczątkował poważne badania nad sztuką tworzoną przez osoby uznawane za psychicznie chore, jego umysł nakazał mu opuścić Niemcy i studiować historię sztuki w Wiedniu. Instynkty zaś podpowiedziały mu, by przenieść się do Anglii i zostać zawodowym śpiewakiem. Jednak zanim mógł spełnić swoje marzenie, I wojna światowa, swego rodzaju globalne starcie z pytaniami o zdrowie psychiczne, wezwała go z powrotem do Niemiec, gdzie został chirurgiem wojennym.

Wojna zakończyła się jedenaście lat po tym, jak Prinzhorn ukończył doktorat z historii sztuki. Nie widząc przyszłości w swoich wcześniejszych pasjach i czując się jakby zwiedziony zarówno przez serce, jak i umysł, pozostał w powojennych Niemczech i podjął pracę jako asystent w szpitalu psychiatrycznym. I to właśnie wtedy jego pierwotny instynkt studiowania historii sztuki, choć wtedy wydawał się złudny, okazał się przydatny. Jego zadaniem w szpitalu było przejęcie odpowiedzialności za dużą kolekcję dzieł sztuki stworzonych przez pacjentów psychiatrycznych, zgromadzoną przez kontrowersyjnego psychiatrę Emila Kraepelina, czołowego zwolennika eugeniki. Mając za zadanie powiększenie kolekcji, Prinzhorn zainspirował się do napisania książki opisującej dzieła dziesięciu konkretnych pacjentów psychiatrycznych, których nazwał mistrzami schizofrenii.

Franz Pohl - L'Horizon Ovipare (po lewej) / August Natterer - Hexenkopf (Głowa czarownicy), ok. 1915, Kolekcja Prinzhorn (po prawej), dwa dzieła tzw. mistrzów schizofrenii

Impuls Art Brut

To, co Jean Dubuffet dostrzegł w dziełach tzw. mistrzów schizofrenii, to poczucie antykultury. Wszyscy doświadczamy twórczych impulsów, iskierek energii prowadzących do nagłej chęci zewnętrznego wyrażenia wewnętrznych odczuć. Jednak większość z nas żyje w kulturach, które zniechęcają do podążania za impulsami. Nawet ci z nas, którzy są gotowi i zdolni działać zgodnie z impulsami, nieuchronnie je poprawiają lub cenzurują, aby przedstawić je naszej kulturze w sposób zrozumiały. Dubuffet uważał kulturę za siłę hamującą, która manipuluje kreatywnością, by dopasować ją do ustalonych definicji akceptowalnej sztuki.

Dostrzegł, że od tych pacjentów psychiatrycznych nie oczekiwano przestrzegania tych samych oczekiwań kulturowych co od ogółu społeczeństwa. Nie byli antykulturą w sensie sprzeciwu wobec kultury. Byli antykulturą w sensie braku jakiegokolwiek punktu odniesienia kulturowego. Byli wolni, by ustalać własne standardy artystyczne. Podążali za swoimi artystycznymi impulsami z całkowitą indywidualnością, przyznając autorytet ważności estetycznej wyłącznie sile, którą postrzegali jako inspirującą ich do tworzenia. Czasem była to duch, bóg lub demon, a czasem złożona, wymyślona, często magiczna osobista opowieść. Ale cokolwiek to było, było unikalne i nieokreślone przez akademickie, historyczne czy społeczne idee o sztuce.

Peter Moog - Zniszczenie Jerozolimy (po lewej) / August Klett - Wurmlocher (po prawej), dwa dzieła tzw. mistrzów schizofrenii

Dobra sztuka, zła nauka

Dubuffet mówił, że dzieła tych artystów pochodziły „z ich własnych głębin, a nie z frazesów sztuki klasycznej czy modnej.” Jednak w tym utopijnym założeniu tkwiła wada. Każdy z pacjentów przedstawionych w Artistry of the Mentally Ill był wcześniej produktywnym członkiem społeczeństwa. Byli dorosłymi ludźmi, czasem wykształconymi na poziomie wyższym, często żonatymi lub rozwiedzionymi, gdy zostali umieszczeni w instytucji. Przed chorobą ich własne głębiny były wypełnione oczekiwaniami kulturowymi, w tym frazesami, modami i wieloma możliwymi powodami tworzenia sztuki. Przypuszczenie, że wszyscy byli wolni i nieograniczeni w swoich twórczych wyrażeniach, to skok wyobraźni. Być może tak było. Ale ich prawdziwe intencje zmarły wraz z nimi, pozostając tajemnicą.

Ale Dubuffet musiał o tym wiedzieć. Bo gdy zaczął zbierać przykłady Art Brut, nie ograniczał swojej kolekcji do dzieł pacjentów psychiatrycznych. Zbierał także dzieła więźniów, małych dzieci, artystów samouków, artystów reprezentujących prymitywne kultury oraz każdego innego artystę, którego uważał za istniejącego poza konwencjami głównej, formalnej kultury artystycznej. Musiał zdawać sobie sprawę, że sztuka jest dobra nie dlatego, że stworzył ją ktoś, kto nigdy nie znał konwencji kulturowych, lecz dlatego, że stworzył ją ktoś, kto miał odwagę być indywidualistą mimo nich. I to właśnie starał się osiągnąć w swojej sztuce, próbując wejść w stan prymitywności podczas tworzenia własnych obrazów, mając nadzieję odwrócić skutki kultury na swój rozwój artystyczny, aby powrócić do własnego pierwotnego stanu Art Brut.

Johann Knopf - Lamm Gottes (Baranek Boży), Johann Knopf był jednym z artystów uwzględnionych w Artistry of the Mentally Ill (po lewej) / Jean Dubuffet - Paul Léautaud na krześle z trzciny, 1946. Olej i emalia na płótnie. 130 x 97 cm. Muzeum Sztuki w Nowym Orleanie. © 2019 ADAGP, Paryż i DACS, Londyn (po prawej).

Szersza perspektywa

Jeśli chodzi o pytanie, czy Art Brut powinno być odczytywane jako abstrakcyjne czy figuratywne, wydaje się, że to zależy od tego, o które Art Brut chodzi. Art Brut, jak każda sztuka, może być zarówno abstrakcyjna, jak i figuratywna, być może nawet jednocześnie. Ale w przypadku większości pacjentów przedstawionych w Artistry of the Mentally Ill często twierdzili, że opisują konkretne wizje, które mieli podczas halucynacji. W innych przypadkach pisali obszerne tomy opisujące rozbudowane historie swojego wyimaginowanego życia, a obrazy, które tworzyli, były ilustracjami tych opowieści. W takich przypadkach ich prace powinny być uznane za figuratywne. Były ilustracją ich świata, tak jak go realistycznie postrzegali.

Ale w przypadku Art Brut tworzonego przez Jean Dubuffet i innych artystów, którzy podążali jego śladem, musielibyśmy powiedzieć, że jest w nim coś zasadniczo abstrakcyjnego. Bez względu na pozorny temat, ta sztuka wyłania się prosto ze świata idei. Są tam niepoznawalne idee, które inspirowały artystę podczas aktu tworzenia, oraz idee, które widz może wyciągnąć podczas interpretacji tego, co artysta zaproponował. Ale jest też nadrzędna idea, że możliwe jest przezwyciężenie wpływów kultury i że to, co widzimy, jest wynikiem wysiłków artysty, by dokonać tego szlachetnego czynu.

Zdjęcie główne: Jean Dubuffet - Krowa z delikatnym nosem, 1954. Olej i emalia na płótnie. 88,9 x 116,1 cm. Fundusz Benjamina i Davida Scharpsów. 288.1956. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio