Matka Chrzestna Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego - Betty Parsons

Betty Parsons zmarła 35 lat temu, gdy miałem 13 lat. Nigdy jej nie poznałem. Teoretycznie, chyba mógłbym się z nią spotkać, gdybym wiedział, że warto spróbować. Ale nie miałem pojęcia, że istnieje, aż było za późno. Wyobrażam sobie, że wiele osób żałuje, że nie poznało Parsons. Była rewolucjonistką sztuki nowoczesnej. Choć podejrzewam, że nie miała pojęcia, że tak będzie, jej przykład zainspirował mnie, i wierzę, że wielu przedstawicieli mojego pokolenia, do dążenia do nowych wzorców autentyczności i wyjątkowości w sztuce. Od niekomercyjnych kolektywów artystycznych, przez prowadzone przez artystów przestrzenie projektowe, po eksperymentalne muzea – dzisiejszy świat sztuki tętni ludźmi i miejscami, które cenią wielką sztukę ponad wielki zysk. To Parsons zawdzięczam to dziedzictwo. Jednak o niej napisano już wiele, w najbardziej prestiżowych magazynach artystycznych, przez o wiele bardziej doświadczonych pisarzy niż ja. Nie mam nic nowego do dodania o niej. Ale ponieważ była wyjątkowa w sposób, który docenia moja dusza, mimo to czuję się skłonny spróbować. Jej przezwisko, „matka watahy ekspresjonizmu abstrakcyjnego”, pojawiło się w artykuł w ARTnews z 1979 roku, napisanym przez Grace Lichtenstein. Przydomek odnosił się do tego, jak Parsons wierzyła w twórczość Marka Rothko, Hansa Hofmanna, Jacksona Pollocka, Clyfforda Stilla i Barnetta Newmana, pielęgnowała ją i pokazywała, gdy nikt inny w Ameryce tego nie robił. Ten artykuł ukazuje także złożoność i głębię, jaką Parsons posiadała jako artystka, miłośniczka sztuki i osoba zajmująca się biznesem. Tymczasem wywiad nagrany z Parsons w 1977 roku przez artystkę Helène Aylon i opublikowany w całości przez Judith Stein w magazynie Art in America w 2013 roku w dużym stopniu odsłania, co było niezwykłego w Parsons jako człowieku. Najlepszym sposobem, w jaki czuję, że mogę oddać hołd Parsons, jest skupienie się na tych dwóch portretach, stworzonych przez tych, którzy naprawdę ją znali za życia. Oto, wybrane z nich, dziesięć cytatów, które uczyniły Parsons moją osobistą bohaterką, ponieważ przypominają mi, co jest ważne w tworzeniu i docenianiu sztuki.

„Dzięki Bogu, dziś nie wydaje się, by istniały jakieś »izmy«. Nienawidzę mód.”

Często próbujemy nazywać dzisiejsze ruchy. Dlaczego to robimy? Bo etykiety ułatwiają sprzedaż produktów, zwłaszcza osobom bez większej wiedzy czy prawdziwego uznania. Zamiast wierzyć w trendy, Parsons stawiała na to, co dobre, i czerpała radość z tego, co inne.

„Zawsze fascynowało mnie to, co nazywam »niewidzialną obecnością«. Najtrwalszą rzeczą na tym świecie jest niewidzialne; nigdy się od niego nie uwolnisz.”

Niektórzy artyści uważają, że mogą odnieść sukces tylko wtedy, gdy mają rozpoznawalną tożsamość lub tworzą sztukę na popularny temat współczesnej publiczności. Parsons skupiała się na nieznanym. Zamiast promować sztukę oczywistą, przyciągała ją sztuka odsłaniająca to, co ukryte.

„Wierzę w napięcie. Jeśli malujesz obraz i nie ma w nim napięcia, nie ma w nim ekscytacji.”

Napięcie w dziele może pochodzić z czegoś w nim, co jest dla widza nierozpoznawalne. Albo z czegoś, co uważane jest za wulgarne lub prostackie. Innym razem napięcie wynika z czegoś, co po prostu nie uważamy za piękne. Zamiast odwracać wzrok od tych rzeczy, Parsons je akceptowała, widząc w nich okazję do wyzwania i rozwoju.

Betty Parsons - Zielony #1, 1971, akryl na płótnie, © 2018 Majątek Betty Parsons, za zgodą Alexander Gray Associates, Nowy Jork

„Interesują mnie ważne obrazy, nie do domu.”

Parsons pokazywała prace w pomieszczeniach z gołymi białymi ścianami i gołymi podłogami. Nie podejmowała dodatkowych starań, by przekonać kolekcjonerów do zakupu. Postrzegała swoją rolę jako dwuetapową: promowanie uczciwości artysty oraz przekonanie publiczności, że dzieło jest wartościowe z powodów niezwiązanych z tym, jak dobrze wygląda nad ich kanapą.

„Nie chcę być obciążona tym całym bogactwem – znudziłoby mnie to na śmierć.”

Parsons urodziła się w wyższych sferach, ale odrzuciła oznaki bogactwa. Po utracie wszystkiego podczas Wielkiego Kryzysu zaczęła od zera. Przez następne pięćdziesiąt lat często miała trudności z opłaceniem rachunków. Sprzedawała wystarczająco dużo prac (swoich i artystów, których reprezentowała), by utrzymać światło, i uważała to za definicję finansowego sukcesu.

„Świat abstrakcji uważano za zimny, bo nie miał postaci. Ale miał ogień, energię, naturę, światło, przestrzeń – skupiał się na tych wszystkich wartościach.”

Parsons miała pewność, by wierzyć we własny gust. Rozumiała abstrakcję na długo przed większością Amerykanów. Ufała własnej wizji, niezależnie od tego, co mówił lub robił reszta świata sztuki.

„Zawsze byłam o dziesięć lat przed swoim czasem. To historia mojego życia.”

Gdy nie odnosisz sukcesów finansowych, łatwo pomyśleć, że to dlatego, że to, co robisz, nie ma wartości. Parsons zdawała sobie sprawę, że czasem powodem, dla którego nikt nie kupuje twoich prac, jest to, że ich nie rozpoznaje, bo są z przyszłości.

Betty Parsons - Wyzwanie, 1976, akryl na płótnie (po lewej) / Sputnik, 1961, akryl na płótnie (po prawej), © 2018 Majątek Betty Parsons, za zgodą Alexander Gray Associates, Nowy Jork

„Zawsze utożsamiaj się ze sztuką; nigdy z artystą.”

Parsons nie cierpiała niektórych artystów, ale uwielbiała ich dzieła. Rozumiała, że artyści nie muszą być sympatyczni, towarzyscy ani czarujący. Artyści to nie sprzedawcy ani politycy. Ich prace mówią same za siebie.

„[Artyści, których reprezentuję] stają się coraz swobodniejsi i bardziej twórczy z czasem. Zawsze ich do tego zachęcałam.”

Niektórzy właściciele galerii zachęcają artystów, by znaleźli styl, który się sprzedaje, a potem się go trzymali. Parsons stawiała wyzwania artystom, których pokazywała. Wierzyła, że dynamika i rozwój są kluczem do doskonalenia się, a sprzedaż jest najmniej ważnym aspektem kariery artystycznej.

„Wszyscy jesteśmy częścią wszystkiego.”

Parsons często pytano o jej poglądy na sprawy społeczne. Ten cytat był jej odpowiedzią na jedno z takich pytań. Wiedziała, że sztuka ma zdolność ukazywania prawdy, że nasze uniwersalia znacznie przewyższają to, co nas dzieli. Ten cytat wywarł na mnie największy wpływ. Warto go powtarzać nieustannie, bo łatwo o nim zapomnieć.

Betty Parsons - Requiem, 1963, akryl na płótnie, © 2018 Majątek Betty Parsons, za zgodą Alexander Gray Associates, Nowy Jork

Zdjęcie główne: Betty Parsons - Pomarańczowy, 1956, akryl na płótnie, © 2018 Majątek Betty Parsons, za zgodą Alexander Gray Associates, Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio