Matka Chrzestna Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego - Betty Parsons

Betty Parsons zmarła 35 lat temu, kiedy miałem 13 lat. Nigdy jej nie poznałem. Teoretycznie, mogłem ją spotkać, gdybym wiedział, że powinienem spróbować. Ale nie miałem pojęcia, że istniała, aż było już za późno. Wyobrażam sobie, że wiele osób żałuje, że nie poznało Parsons. Była rewolucjonistką sztuki nowoczesnej. Choć podejrzewam, że nie miała pojęcia, że to się stanie, jej przykład zainspirował mnie, a wierzę, że wielu członków mojego pokolenia, do dążenia do nowych modeli autentyczności i wyjątkowości w sztuce. Od non-profitowych kolektywów artystycznych, przez przestrzenie projektowe prowadzone przez artystów, po eksperymentalne muzea, świat sztuki dzisiaj tętni życiem ludzi i miejsc, które cenią wielką sztukę ponad wielki zysk. Parsons jest osobą, której dziękuję za to dziedzictwo. Ale była szeroko opisywana, w najbardziej prestiżowych magazynach artystycznych, przez znacznie bardziej utalentowanych pisarzy niż ja. Nie ma nic nowego, co mógłbym o niej powiedzieć. Ale ponieważ była wyjątkowa w sposób, który docenia moja dusza, mimo wszystko czuję się skłonny spróbować. Jej przydomek, "matka chrzestna ekspresjonizmu abstrakcyjnego", pojawił się w artykułach w ARTnews z 1979 roku, napisanym przez Grace Lichtenstein. Przydomek odnosił się do tego, jak Parsons wierzyła w, pielęgnowała i pokazywała prace Marka Rothko, Hansa Hofmanna, Jacksona Pollocka, Clyfforda Stilla i Barnetta Newmana, kiedy nikt inny w Ameryce tego nie robił. Ten artykuł ujawnia również złożoność i głębię, jaką Parsons posiadała jako artystka, koneserka i osoba prowadząca biznes. Tymczasem wywiad nagrany z Parsons w 1977 roku przez artystkę Helène Aylon i opublikowany w całości przez Judith Stein w Art in America Magazine w 2013 roku, w dużej mierze ujawnia, co było niezwykłego w Parsons jako człowieku. Najlepszym sposobem, w jaki czuję, że mogę oddać hołd Parsons, jest skupienie się na tych dwóch profilach, stworzonych przez tych, którzy naprawdę znali ją za życia. Oto, wybrane z nich, dziesięć cytatów, które uczyniły Parsons moim osobistym bohaterem, ponieważ przypominają mi, co jest ważne w tworzeniu i docenianiu sztuki.

"Dzięki Bogu, że dzisiaj nie ma żadnych 'izmów'. Nienawidzę mody."

Często staramy się nazywać dzisiejsze ruchy. Dlaczego to robimy? Ponieważ etykiety ułatwiają sprzedaż produktów, szczególnie osobom bez dużego wykształcenia lub prawdziwego uznania. Zamiast wierzyć w trendy, Parsons stawiał na to, co było dobre, i czerpał radość z tego, co było inne.

"Zawsze fascynowała mnie to, co nazywam 'niewidzialną obecnością'. Najtrwalszą rzeczą na tym świecie jest to, co niewidzialne; nigdy się od tego nie uwolnisz."

Niektórzy artyści myślą, że mogą odnieść sukces tylko wtedy, gdy posiadają rynkową tożsamość lub gdy tworzą sztukę konkretnie na temat popularny wśród współczesnej publiczności. Parsons skupiła się na nieznanym. Zamiast promować sztukę oczywistą, przyciągała ją sztuka, która ujawniała to, co ukryte.

"Wierzę w napięcie. Jeśli malujesz obraz, a on nie ma napięcia, nie ma też ekscytacji."

Napięcie w dziele sztuki może pochodzić z czegoś, co jest dla widza nierozpoznawalne. Może też pochodzić z czegoś, co uważane jest za wulgarne lub prymitywne. Innym razem napięcie wynika z czegoś, co po prostu nie uważamy za piękne. Zamiast odwracać wzrok od tych rzeczy, Parsons je zaakceptowała, dostrzegając w nich możliwości do wyzwania samej siebie i rozwoju.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Interesują mnie ważne obrazy, a nie dom."

Parsons pokazała prace w pomieszczeniach z nagimi białymi ścianami i nagimi podłogami. Nie podjęła dodatkowych starań, aby przekonać kolekcjonerów do zakupu. Postrzegała swoją pracę jako mającą dwie części: promowanie integralności artysty oraz przekonywanie publiczności, że praca jest ważna z powodów niezwiązanych z tym, jak dobrze może wyglądać nad ich kanapami.

"Nie chcę być obładowany tymi wszystkimi bogactwami—nudziłyby mnie na śmierć."

Parsons urodziła się w wyższych sferach, ale odrzuciła atrybuty bogactwa. Po utracie wszystkiego w Wielkiej Depresji, zaczęła od zera. Przez następne pięćdziesiąt lat często miała trudności z opłaceniem rachunków. Sprzedawała wystarczająco dużo prac (swoich oraz artystów, których reprezentowała), aby utrzymać światła, i uważała to za definicję finansowego sukcesu.

"Abstrakcyjny świat uważano za zimny, ponieważ nie miał postaci. Ale miał ogień, energię, naturę, światło, przestrzeń - koncentrował się na wszystkich tych wartościach."

Parsons miała pewność, by wierzyć w swój własny gust. Rozumiała abstrakcję na długo przed większością Amerykanów. Ufała swojej wizji, niezależnie od tego, co mówił lub robił reszta świata sztuki.

"Zawsze byłem dziesięć lat przed swoją epoką. To jest historia mojego życia."

Kiedy nie odnosisz sukcesów finansowych, kuszące jest myślenie, że to dlatego, iż to, co robisz, nie ma wartości. Parsons zrozumiał, że czasami powodem, dla którego nikt nie kupuje twojej pracy, jest to, że jej nie rozpoznają, ponieważ jest z przyszłości.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Zawsze identyfikuj się ze sztuką; nigdy nie identyfikuj się z artystą."

Parsons gardzi niektórymi artystami, ale uwielbia ich prace. Rozumiała, że artyści nie muszą być sympatyczni, towarzyscy ani uroczy. Artyści nie są sprzedawcami ani politykami. Ich prace mówią same za siebie.

"[Artyści, których reprezentuję] stają się coraz bardziej wolni i kreatywni w miarę postępu. Zawsze to wspierałem."

Niektórzy galerzyści zachęcają artystów do znalezienia stylu, który się sprzedaje, a następnie trzymania się go. Parsons stawiała wyzwania artystom, których pokazywała. Wierzyła, że dynamizm i rozwój są kluczowe dla poprawy, a sprzedaż jest najmniej ważnym aspektem kariery artystycznej.

"Wszyscy jesteśmy częścią wszystkiego."

Parsons była często pytana o swoje przekonania na temat kwestii społecznych. Ten cytat był jej odpowiedzią na jedno z takich pytań. Wiedziała, że sztuka ma zdolność do ujawniania rzeczywistości, że nasze uniwersalia znacznie przewyższają te rzeczy, które nas dzielą. Ten cytat miał na mnie największy wpływ. Warto go powtarzać nieustannie, ponieważ tak łatwo jest zapomnieć.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Obraz wyróżniony: Betty Parsons - Pomarańczowy, 1956, akryl na płótnie, © 2018 Spadek po Betty Parsons, dzięki uprzejmości Alexander Gray Associates, Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio