Czego nauczyliśmy się od pionierów pola koloru?

Kiedy myślisz o abstrakcyjnym ekspresjonizmie, co przychodzi ci na myśl? Czy wyobrażasz sobie malarzy rzucających, kapiących, rozpryskujących i rozmazujących farbę na płótnach w pełnych emocji gestach? Choć malarstwo akcji było ogromną częścią Ab-Ex, istniała także bardziej stonowana strona tego nurtu. Malarstwo pola koloru, jak je nazywano, polegało na płaskich, niemal nie-malarskich powierzchniach złożonych z kolorowej przestrzeni. W obrazach malarstwa pola koloru osobowość artysty jest mniej widoczna niż w malarstwie akcji. Podczas gdy malarze akcji przekazywali swoje podświadome mechanizmy poprzez swoje dzieła, malarze pola koloru tworzyli prace, które dawały widzom przestrzeń do przeżywania własnych objawień.

Post-malarska abstrakcja

Termin „malarski” odnosi się do cech, jakie może mieć powierzchnia obrazu, takich jak pociągnięcia pędzla i faktura, cech, które ujawniają rękę artysty w dziele. Na przykład obraz z grubymi warstwami farby, na którym pociągnięcia pędzla są wyraźnie widoczne, a indywidualna technika malarza jest oczywista, można nazwać malarskim. Post-malarska abstrakcja to nurt, który pojawił się w latach 60. XX wieku, skupiający malarzy unikających tworzenia dzieł o wyraźnie malarskim charakterze.

Wyrażenie Post-malarska abstrakcja zostało ukute przez krytyka sztuki Clementa Greenberga, który użył go jako tytułu wystawy, która miała premierę w 1964 roku w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles. Na tej wystawie zaprezentowano 31 artystów, z których wielu było związanych z abstrakcyjnym ekspresjonizmem. Podczas gdy wcześniejsi malarze abstrakcyjnego ekspresjonizmu, tacy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, tworzyli obrazy malarskie, w których ich indywidualne techniki były wyraźnie widoczne na powierzchni dzieł, post-malarscy abstrakcjoniści tworzyli abstrakcyjne prace o płaskich powierzchniach, gdzie ręka artysty nie była widoczna.

Robert Motherwell - Elegia dla Republiki Hiszpańskiej nr 110, 1971, akryl z grafitem i węglem na płótnie, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licencjonowane przez VAGA, Nowy Jork, NY

Malarze pola koloru

Wśród post-malarskich abstrakcjonistów była grupa malarzy, którzy stali się znani jako malarze pola koloru. Ich nazwa odnosiła się do tendencji tych artystów do włączania dużych powierzchni koloru do swoich dzieł. Ich pola koloru mogły całkowicie otoczyć widza podczas dokładnego oglądania dzieła. Nie były to tylko malowane powierzchnie; były to także przestrzenie, w których mogła zachodzić introspekcja.

Malarze pola koloru byli rewolucyjni, ponieważ zamiast używać powierzchni jako tła do malowania tematu, sprawili, że sama powierzchnia stała się tematem. Unikali form w swoich obrazach. Nie było obecne żadne przedstawienie czegokolwiek. Tło i pierwszy plan były jednym. Pola koloru nie miały własnego kontekstu, lecz były miejscem, w którym widz mógł nawiązać kontakt z czymś osobistym, być może czymś mitycznym, i przekroczyć ograniczenia obrazowości.

Frank Stella - Harran II, 1967, farba polimerowa i fluorescencyjna na płótnie, 120 × 240 cali, Muzeum de Young, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Arena na płótnie

Abstrakcyjny ekspresjonizm traktuje płótno jako arenę, na której coś może się wydarzyć. W dziełach malarzy akcji pojawia się dramat i emocje. Podczas gdy malarze pola koloru również wykorzystują płótno jako arenę, zamiast własnego dramatu rozgrywającego się na niej, jest to miejsce, gdzie introspekcja widza może przyczynić się do powstania lub nawet całkowicie stworzyć wyłaniający się dramat. Obrazy pola koloru wciągają widza w dzieło, zapraszając go do rozważania znacznie więcej niż tylko farby, koloru i powierzchni. Zapraszają do rozważania samego siebie, używając areny obrazu jako swego rodzaju talizmanu na tej osobistej drodze.

Wymagane jest długotrwałe skupienie podczas oglądania obrazu pola koloru. Zamiast doświadczyć natychmiastowego impulsu z malarstwa akcji, czy poczuć harmonię z dzieła geometrycznej abstrakcji, lub odczuć nostalgię, romans czy radość z dzieła figuratywnego, widzowie obrazów pola koloru muszą zwrócić się do wnętrza, by odkryć nowe objawienia. Ale wolność może być też ciężarem. Niepokój malarzy akcji często wynika z ich całkowitej swobody wyrażania swojego wnętrza. W przypadku obrazów pola koloru ten obawiany poczucie wolności jest przekazywane widzowi.

Pola nieobiektywnej emocji

Chociaż odrzucał to określenie, Mark Rothko jest przez wielu uważany za najbardziej wpływowego malarza pola koloru. Ikoniczne obrazy Rothko składają się z poziomych pasów koloru, które oddziałują na siebie w amorficzny sposób, mieszając się na krawędziach. Jego obrazy czasem zawierają jasne barwy, takie jak pomarańcz, żółć czy czerwień. Innym razem dominują błękity, brązy i czerń. Widzowie stykający się z tymi obrazami często ogarniają silne emocje, od podekscytowania i radości po powagę, a nawet rozpacz. Rothko mówił o swojej twórczości: „Ludzie, którzy płaczą przed moimi obrazami, przeżywają to samo religijne doświadczenie, które miałem, malując je.”

Mark Rothko - Pomarańcz i żółć, 1956, olej na płótnie, 180,3 x 231,1 cm, Galeria Sztuki Albright-Knox, Buffalo, NY, USA

Linie zamykające

Barnett Newman tworzył dzieła podobne do Rothko, ale wywoływały one zupełnie inne reakcje u widzów. Obrazy pola koloru Newmana cechują pionowe pasy koloru oddzielone znacznie cieńszymi pasami, czasem nazywanymi „zamkami”. Obrazy z zamkami Newmana czasem mają jeden zamek, czasem kilka. Krawędzie zamków bywają ostre, innym razem mieszają się z otaczającymi polami koloru. Pionowość obrazów Newmana i obecność zamków wywołują zupełnie inne emocje niż dzieła Rothko.

Coś w zamkach sprawia, że oko nie skupia się zbyt długo w jednym miejscu. Pionowa linia może nabrać cech antropomorficznych, jakby przedstawiała postać lub tor. Przyciąga wzrok, a potem kieruje go z powrotem na pola koloru. Dzieła Newmana wyrażają pewność siebie i wydają się nieco bardziej niespokojne niż prace Rothko. Zapraszają do nerwowego, wysoce nowoczesnego rodzaju rozważań.

Barnett Newman - Onement I, 1948, olej na płótnie i olej na taśmie maskującej na płótnie, 69,2 x 41,2 cm, © 2019 Fundacja Barnetta Newmana / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Zjednoczenie i objawienie

Obrazy pola koloru Clyfforda Stilla mają zupełnie inną obecność niż dzieła Rothko czy Newmana. Kolorowe przestrzenie w nich zdają się być w stanie przemiany lub ewolucji. Mają organiczny charakter. Choć nie ma w nich żadnej konkretnej formy, obszary te zdają się przesuwać, oddziaływać na siebie i sugerować możliwość przyszłej formy. Tam, gdzie obrazy Rothko i Newmana mają poczucie stabilności, obrazy Stilla wyrażają raczej poczucie zmiany. W nich łączą się różne siły, sugerując, że czas na introspekcję jest ograniczony, ponieważ wszystko jest w ruchu. Still mówił o swoich obrazach: „To nie są obrazy w zwykłym sensie; to życie i śmierć łączące się w przerażającym związku. Dla mnie rozpalają ogień; dzięki nim znów oddycham, trzymam złoty sznur, odnajduję własne objawienie.”

Clyfford Still - PH-971, 1957, olej na płótnie, 287,6 x 376 x 5,7 cm, kolekcja SFMoMA, © Miasto i Hrabstwo Denver, dzięki uprzejmości Muzeum Clyfforda Stilla / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Wylewy emocji

Helen Frankenthaler była jedną z najbardziej innowacyjnych malarek pola koloru. Opracowała nowatorską technikę barwienia niegruntowanych płócien przez wylewanie rozcieńczonej farby bezpośrednio na powierzchnię. Poprzez wylewanie farby zamiast rozprowadzania jej narzędziem, całkowicie unikała jakichkolwiek śladów ręki artysty i tworzyła jeszcze bardziej płaską powierzchnię. Pozwalała też farbie rozlewać się i oddziaływać z płótnem w nieoczekiwany sposób. Barwione obszary mogły się przenikać, zmieniać nawzajem i łączyć. Efektem techniki barwienia Frankenthaler były obrazy, które przekazywały poczucie głęboko znaczących, organicznych procesów naturalnych.

Helen Frankenthaler - Kanion, 1965, akryl na płótnie, 112 x 132 cm, © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Wygląd barwiony

Morris Louis był głęboko zainspirowany techniką barwienia Frankenthaler i zmodyfikował ją, aby rozwinąć własne charakterystyczne podejście estetyczne. Podobnie jak Frankenthaler, Louis również wylewał rozcieńczoną farbę na swoje płótna, aby uzyskać efekt barwienia, ale robił to, stosując ściśle strzeżoną, charakterystyczną technikę, która rzekomo polegała na składaniu płótna niczym lejek. Powstałe pola koloru stworzone przez Louisa mają niezwykłą jakość, która przyciąga widza do mistycznej, introspektywnej przestrzeni myśli.

Morris Louis - Salient, 1954, żywica akrylowa (Magna) na płótnie, 189,2 x 252,1 cm, © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Trochę więcej atmosfery

Bazując na pomysłach Frankenthaler i Louisa, Jules Olitski opracował własną unikalną technikę do swoich obrazów pola koloru. Nakładał farbę na płótna pistoletem natryskowym, lekko spryskując kolejne warstwy farby, tworząc świetliste, atmosferyczne pola koloru, które nawet dziś wydają się futurystyczne. Charakterystyczny styl Olitskiego cechowały także ostre linie dodawane w pobliżu krawędzi płótna. Ten gest ramy być może zapowiadał koniec malarstwa pola koloru, gdyż zdaje się niemal przywracać pojęcie tematu przedstawionego w ramie.

Jules Olitski - Patutsky w raju, 1966, © Majątek Julesa Olitskiego/Licencjonowane przez VAGA, Nowy Jork

Rozważanie jako trwałe dziedzictwo

Ci pionierzy malarstwa pola koloru odnieśli sukces, tworząc obrazy, które mogły działać nie tylko jako przedmioty sztuki, ale także jako pośrednicy w transcendentalnych estetycznych doświadczeniach widza. Tworząc dzieła, których jedynym tematem był sam kolor, zmienili sposób postrzegania obrazu i przenieśli malarstwo w nowe, mityczne i duchowe sfery. Rozważanie jest trwałym dziedzictwem pionierów pola koloru. Dla wielu z nas ich obrazy są talizmanami, prowadzącymi nas ścieżkami ku bardziej introspektywnemu stanowi ducha.

Zdjęcie główne: Helen Frankenthaler - Góry i morze, 1952, olej i węgiel na niegruntowanym, niepodkładowanym płótnie, 219,4 × 297,8 cm, © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio