Czego nauczyliśmy się od pionierów pola koloru?
Kiedy myślisz o Ekspresjonizmie Abstrakcyjnym, co przychodzi ci na myśl? Czy wyobrażasz sobie malarzy rzucających, kapających, rozpryskujących i rozmazujących farbę na płótnach w emocjonalnie naładowanych gestach? Chociaż Malarstwo Akcji było ogromną częścią Ab-Ex, istniała również bardziej stonowana strona tego ruchu. Malarstwo Pola Kolorów, jak to nazwano, polegało na płaskich, nie-malarskich powierzchniach składających się z kolorowej przestrzeni. W obrazach Pola Kolorów osobowość artysty jest mniej widoczna niż w Malarstwie Akcji. Podczas gdy Malarze Akcji przekazywali swoje własne podświadome machinations poprzez swoją pracę, Malarze Pola Kolorów tworzyli dzieła, które dawały widzom arenę, w której mogli doświadczyć własnych objawień.
Postmalarski Abstrakcjonizm
Termin „malarstwo” odnosi się do cech, które może mieć powierzchnia obrazu, takich jak pociągnięcia pędzla i tekstura, cech, które sprawiają, że ręka artysty jest oczywista w dziele. Na przykład obraz, który charakteryzuje się grubymi warstwami farby, w których pociągnięcia pędzla są wyraźnie widoczne, a indywidualna technika malarza jest oczywista, można określić jako malarski. Post-Malarska Abstrakcja była ruchem, który pojawił się w latach 60., skupiającym malarzy, którzy unikali tworzenia malarskich dzieł.
Termin Post-Painterly Abstraction został ukuty przez krytyka sztuki Clementa Greenberga, który użył go jako tytułu wystawy, która zadebiutowała w 1964 roku w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles. Wystawa ta prezentowała 31 artystów, z których wielu było związanych z ekspresjonizmem abstrakcyjnym. Podczas gdy wcześniejsi malarze ekspresjonizmu abstrakcyjnego, tacy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, tworzyli malarskie obrazy, w których ich indywidualne techniki były wyraźnie widoczne w powierzchni dzieł, Post-Painterly Abstractioniści tworzyli abstrakcyjne prace z płaskimi powierzchniami, gdzie ręka artysty nie była oczywista.
Robert Motherwell- Elegia dla Hiszpańskiej Republiki nr 110, 1971, Akryl z grafitem i węglem na płótnie, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licencjonowane przez VAGA, Nowy Jork, NY
Artyści z Color Field
Wśród post-paintingowych abstrakcjonistów znajdowała się grupa malarzy, która zaczęła być znana jako malarze Color Field. Ich nazwa odnosiła się do tendencji tych artystów do włączania dużych obszarów koloru do swoich dzieł. Ich pola kolorów mogły całkowicie otoczyć widza podczas bliskiego oglądania dzieła sztuki. Nie były to tylko malowane powierzchnie; były to także obszary, w których mogła zachodzić introspekcja.
Malarze Color Field byli rewolucyjni, ponieważ zamiast używać powierzchni jako tła, na którym malowano temat, sprawili, że sama powierzchnia stała się tematem. Unikali form w swoich obrazach. Nie było żadnego wizerunku czegokolwiek. Tło i pierwszy plan były jednością. Pola kolorów nie miały własnego kontekstu, lecz były raczej miejscem, w którym widz mógł połączyć się z czymś osobistym, być może czymś mitycznym, i przekroczyć ograniczenia obrazu.
Frank Stella - Harran II, 1967, farba polimerowa i fluorescencyjna na płótnie, 120 × 240 cali, Muzeum de Young, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Arena na płótnie
Ekspresjonizm abstrakcyjny traktuje płótno jako arenę, w której może się coś wydarzyć. Dramat i emocje pojawiają się w pracach malarzy akcji. Chociaż malarze Color Field również wykorzystują płótno jako arenę, to zamiast ich własnego dramatu, który się tam rozgrywa, jest to miejsce, w którym introspekcja widza może przyczynić się do, a nawet całkowicie stworzyć dramat, który się pojawia. Obrazy Color Field wciągają widza w dzieło, zapraszając go do kontemplacji znacznie więcej niż tylko farby, koloru i powierzchni. Są zapraszani do kontemplacji siebie, używając areny obrazu jako swoistego talizmanu w tej osobistej podróży.
Wymagana jest długotrwała refleksja podczas oglądania obrazu z serii Color Field. Zamiast odczuwać natychmiastowy ładunek emocjonalny z Action Painting, lub czuć harmonię z geometrycznym dziełem abstrakcyjnym, lub odczuwać nostalgię, romans czy radość z dzieła figuratywnego, widzowie obrazów Color Field muszą spojrzeć w głąb siebie w poszukiwaniu nowych objawień. Ale wolność może być również ciężarem. Lęk malarzy akcji często wynika z ich całkowitej wolności do wyrażania swoich wewnętrznych ja. W obrazach Color Field to przerażające poczucie wolności jest przekazywane widzowi.
Pola Emocji Nieobiektywnych
Choć odrzucił tę etykietę, Mark Rothko jest uważany przez wielu za najbardziej wpływowego malarza Color Field. Ikoniczne obrazy Rothko składają się z poziomych pasów koloru, które w sposób amorficzny oddziałują na siebie, mieszając się na krawędziach. Jego obrazy czasami składają się z jasnych odcieni, takich jak pomarańczowy, żółty czy czerwony. Innym razem dominują niebieskie, brązowe i czarne kolory. Widzowie stający w obliczu tych obrazów często są przytłoczeni emocjami, od ekscytacji i radości po smutek, a nawet rozpacz. Rothko powiedział o swojej pracy: „Ludzie, którzy płaczą przed moimi obrazami, przeżywają to samo doświadczenie religijne, które ja miałem, gdy je malowałem.”
Mark Rothko - Pomarańczowy i Żółty, 1956, Olej na płótnie, 180,3 x 231,1 cm, Albright
Tyrolki
Barnett Newman tworzył prace w podobnym stylu do Rothko, ale miały one zupełnie inny wpływ na widzów. Obrazy Color Field Newmana charakteryzują się pionowymi pasami koloru oddzielonymi znacznie cieńszymi pasami koloru, które czasami nazywane są „zipami”. Obrazy zip Newmana czasami mają jeden zip, a czasami kilka. Czasami krawędzie zipów są ostre, innym razem zlewają się z otaczającymi polami kolorów. Pionowość obrazów Newmana i obecność zipów wywołują zupełnie inną emocjonalną reakcję niż prace Rothko.
Coś w zameczkach sprawia, że oko nie może zbyt długo skupić się w jednym miejscu. Pionowa linia może przybierać antropomorficzną jakość, jakby reprezentowała postać lub pas. Przyciąga wzrok, a następnie znowu przemieszcza go w pola kolorów. Prace Newmana przekazują poczucie odwagi i wydają się nieco bardziej niespokojne niż Rothko, z tego powodu. Zapraszają do nerwowej, wysoce nowoczesnej kontemplacji.
Barnett Newman - Onement I, 1948, Olej na płótnie i olej na taśmie maskującej na płótnie, 27 1/4 x 16 1/4 cala (69,2 x 41,2 cm), © 2019 Fundacja Barnetta Newmana / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Unia i Objawienie
Obrazy z serii Color Field Clyfforda Stilla mają zupełnie inną obecność niż obrazy Rothko czy Newmana. Kolorowe przestrzenie w nich wydają się być w stanie przekształcania lub ewolucji. Mają organiczną jakość. Choć nie ma w nich konkretnej formy, obszary zdają się przesuwać i oddziaływać, sugerując możliwość przyszłej formy. Gdzie w obrazach Rothko i Newmana jest poczucie stabilności, obrazy Stilla projektują większe poczucie zmiany. Różnorodne siły łączą się w nich, sugerując, że czas na introspekcję jest ograniczony, ponieważ wszystko jest w ruchu. O swoich obrazach Still powiedział: „To nie są obrazy w zwykłym sensie; to życie i śmierć łączące się w przerażającym zjednoczeniu. Co do mnie, rozpalają ogień; dzięki nim znów oddycham, trzymam złoty sznur, odnajduję swoje własne objawienie.”
Clyfford Still - PH-971, 1957, olej na płótnie, 113 1/4 in. x 148 in. x 2 1/4 in, Kolekcja SFMoMA, © Miasto i Hrabstwo Denver, dzięki uprzejmości Muzeum Clyfforda Stilla / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wylewy emocji
Helen Frankenthaler była jedną z najbardziej innowacyjnych malarek Color Field. Opracowała innowacyjną technikę barwienia swoich niegruntowanych płócien, polegającą na wylewaniu rozcieńczonej farby bezpośrednio na powierzchnię. Wylewając farbę, zamiast rozprowadzać ją narzędziem, całkowicie uniknęła jakiejkolwiek sugestii ręki artysty i stworzyła jeszcze bardziej płaską płaskość. Pozwoliła również farbie rozprzestrzeniać się i wchodzić w interakcje z płótnem w nieoczekiwany sposób. Barwione obszary mogły się przenikać, zmieniać nawzajem i łączyć ze sobą. Efektem techniki plam Frankenthaler były obrazy, które komunikowały poczucie głęboko profanowanych organicznych procesów naturalnych.
Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Akryl na płótnie, 44 x 52 in, © 2019 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wygląd plam
Morris Louis był głęboko wpływany przez technikę plamową Frankenthaler, a on sam zmodyfikował ją, aby rozwinąć swoje własne, charakterystyczne podejście estetyczne. Podobnie jak Frankenthaler, Louis również wylewał rozcieńczoną farbę na swoje płótna, aby uzyskać efekt plam, ale robił to, wykorzystując ściśle chronioną technikę, która rzekomo polegała na czymś w rodzaju składania płótna jak lejek. Powstałe pola kolorów, które stworzył Louis, mają niezwykłą jakość, która przyciąga widza w kierunku mistycznej, introspektywnej przestrzeni myślowej.
Morris Louis - Salient, 1954, żywica akrylowa (Magna) na płótnie, 74 1/2 x 99 1/4 in. (189,2 x 252,1 cm), © 2019 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Trochę więcej atmosfery
Opierając się na pomysłach Frankenthala i Louisa, Jules Olitski opracował swoją unikalną technikę do swoich obrazów z serii Color Field. Nakładał farbę na swoje płótna za pomocą pistoletu natryskowego, delikatnie spryskując warstwy farby na każdą z nich, tworząc świetliste, atmosferyczne pola kolorów, które nawet dzisiaj wydają się futurystyczne. Charakterystyczny styl Olitskiego był również oznaczony ostrymi liniami dodawanymi w pobliżu zewnętrznych krawędzi płótna. Ten gest granicy być może zapowiadał koniec malarstwa Color Field, ponieważ wydaje się niemal ponownie wprowadzać pojęcie tematu przedstawionego w ramach.
Jules Olitski - Patutsky w Raju, 1966, © Jules Olitski Estate/Licensed by VAGA, Nowy Jork
Kontemplacja jako Trwałe Dziedzictwo
Ci pionierzy Kolorowego Pola odnieśli sukces w tworzeniu obrazów, które mogły działać nie tylko jako obiekty sztuki, ale także jako pośrednicy w transcendentalnych estetycznych doświadczeniach widza. Tworząc dzieła, które nie miały innego tematu niż sam kolor, zmienili sposób postrzegania obrazu i wprowadzili malarstwo w nowe mityczne i duchowe krainy. Kontemplacja jest trwałym dziedzictwem pionierów Kolorowego Pola. Dla wielu z nas ich obrazy są talizmanami, prowadzącymi nas ścieżkami do bardziej introspektywnego stanu umysłu.
Obraz wyróżniony: Helen Frankenthaler - Góry i Morze, 1952, olej i węgiel na nieskalibrowanym, niegruntowanym płótnie, 86 3/8 × 117 1/4 cali (219,4 × 297,8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
