Minimalistyczna rzeźba jako nieskazitelna kontemplacja przestrzeni

Czy Minimalistyczna rzeźba jest określona przez zestaw reguł? Czy sukces minimalistycznej rzeźby zależy od jej własnych cech, czy od tego, jak współdziała z otoczeniem? Krytyk sztuki Guillaume Apollinaire kiedyś stwierdził, że rzeźba musi przedstawiać formy z natury, inaczej jest architekturą. Artysta minimalistyczny Robert Morris opisał rzeźbę jako zajmującą środkową część kontinuum „niepotrzebnych trójwymiarowych rzeczy”, od pomników po ozdoby. Pomijając wartość komiczną, żadne z tych stwierdzeń nie pomaga zrozumieć prawdziwej, pełnej natury rzeźby, zwłaszcza minimalistycznej. Zamiast utknąć w akademickich definicjach, uważamy, że minimalistyczną rzeźbę najlepiej zrozumieć, zachowując otwarty umysł i uważnie przyglądając się artystom, którzy wytyczyli jej ścieżki.

Ojciec założyciel minimalistycznej rzeźby

Ronald Bladen od wczesnych lat wykazywał się znakomitymi umiejętnościami w rysunku i malarstwie. Jednak to jego prace rzeźbiarskie przyniosły mu sławę i szacunek. Na początku lat 60. Bladen odszedł od malarstwa abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które tworzył, i zaczął tworzyć duże drewniane obiekty. Niektóre formy były rozpoznawalne, jak olbrzymie X, inne abstrakcyjne. Nie precyzował dokładnie, czym są te obiekty, po prostu wskazywał, że stara się stworzyć coś, co ma „obecność”.

Jedna z najwcześniejszych minimalistycznych rzeźb Bladena nosiła tytuł White Z. Nie była ani geometryczna, ani figuratywna. Była abstrakcyjna, monochromatyczna, o ostrych krawędziach i złożona. Reagowała na światło, była dotykalna i stała na podłodze. Nie była zredukowana z większej formy, lecz zbudowana z mniejszych form. Posiadała własny gestalt: zorganizowaną całość, która stała się bardziej znacząca niż suma jej części.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

W 1966 roku prace Bladena zostały pokazane na wystawie Primary Structures, obok Donalda Judda, Sola Lewitta, Dana Flavina, Carla Andre i dziesiątek innych artystów minimalistycznych. Ta wystawa uważana jest za moment przełomowy w historii minimalizmu. Bladen miał na niej jedną pracę, trzyczęściową rzeźbę zatytułowaną Three Elements.

Praca miała niemal monumentalne rozmiary. Przemieniła samą naturę przestrzeni, którą zajmowała. Przestrzeń to po prostu obszar, w którym coś istnieje i się porusza. Three Elements stworzyła nowe przestrzenie w obrębie przestrzeni. Stała się przestrzenią. Wymusiła refleksję nie tylko nad własnym kształtem, ale także nad kształtem otoczenia i innych elementów w jego pobliżu.

Ronald Bladen - Three Elements, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Wartości rzeźbiarskie

Pomimo niezaprzeczalnej „czegoś” w rzeźbach Bladena, niektórzy krytycy i widzowie tamtych czasów, a także niektórzy artyści, nie uważali ich za rzeźby. Istniejące definicje rzeźby zdawały się nie pasować do tego, czym te obiekty były. To właśnie dlatego te prace były tak rewolucyjne i idealnie pasowały do ówczesnej, rodzącej się teorii minimalizmu. Wymagały one ograniczenia samych definicji sztuki.

Zamiast definiować rzeźbę jako coś figuratywnego, lub geometrycznego, lub coś wyrzeźbionego z jakiegoś materiału albo odlanego z innego, te obiekty wymagały innego wyjaśnienia. Przedefiniowały rzeźbę jako coś charakteryzowanego nie przez to, czym jest, lecz przez to, czym nie jest. Obraz to estetyczny przedmiot składający się z powierzchni służącej jako podpora dla farby, której cel zawarty jest lub przekazywany przez farbę na powierzchni. Architektura to budowla przeznaczona do zamieszkania. Rzeźba nie jest ani jednym, ani drugim. To estetyczny przedmiot, który nie jest obrazem ani architekturą, ale istnieje w przestrzeni trójwymiarowej.

Donald Judd - Untitled specific objects, © Donald Judd

Związek rzeźby ze ścianą

Jednym z największych wyzwań, jakie minimalizm postawił przed rzeźbą, było pytanie, czy rzeźba musi być umieszczona na ziemi. Robert Morris kiedyś stwierdził, że rzeźby muszą być absolutnie umieszczone na ziemi, ponieważ tylko tam mogą być poddane działaniu grawitacji, co jest istotną cechą rzeźby. Jednak niektóre z najsłynniejszych obiektów rzeźbiarskich stworzonych przez artystów związanych z minimalizmem faktycznie wiszą na ścianie lub w inny sposób wykorzystują ścianę jako podporę.

Donald Judd nazwał swoje rzeźbiarskie prace Specific Objects. Zdefiniował je jako ani obrazy, ani rzeźby. Wiele z jego najsłynniejszych Specific Objects wisi na ścianie. To trójwymiarowe obiekty, mają określony kształt, posiadają skalę, oddziałują ze światłem i są dotykalne. Mają kolor i powierzchnię, jak wszystkie materialne rzeczy, ale ich cel nie jest określony przez te elementy ani nic konkretnego przez nie nie jest przekazywane.

Czy są rzeźbami, czy nie? Bez względu na semantyczne gry, które chcemy prowadzić, prace Judda są wyraźnie rzeźbiarskie z natury. Jednak wieszając je na ścianie, postawiono nowe pytania o relacje przestrzenne. Zamiast używać przestrzeni galerii do kontekstualizacji dzieł sztuki, te dzieła sztuki rekontextualizowały przestrzenie, w których były umieszczone. Zamieszkiwały środowisko i jednocześnie je porządkowały. Prosiły widzów o rozważenie dodatkowych przestrzeni, które części dzieł tworzyły swoją obecnością. Kwestionowały nawet rolę architektury, przyczepiając się do niej. Choć nie były zmuszone do ziemi przez grawitację, zwracały na nią uwagę, demonstrując opór wobec niej.

Ellsworth Kelly - Praca, © Ellsworth Kelly

Kształt zmiany

Prace innych artystów minimalistycznych, takich jak Ellsworth Kelly i John McCracken, również kwestionowały istniejące definicje rzeźby. Kształtne, monochromatyczne powierzchnie Kelly’ego wisiały na ścianie i były pokryte farbą, ale były znacznie bliższe istocie rzeźby niż malarstwa. Monochromatyczne „deski” McCrackena opierały się o ścianę, korzystając z niej jako podpory jak obraz, ale przede wszystkim opierały się na podłodze.

Chociaż każdy z tych minimalistycznych artystów starał się zdefiniować to, co robi i odniósł się do debaty o tym, jak definiować swoje rzeźbiarskie dzieła, nadal pozostaje wiele miejsca na dalsze dyskusje na ten temat. Współczesny artysta minimalistyczny Daniel Göttin jest jednym z wielu artystów, którzy nadal eksplorują tę luźno zdefiniowaną strefę estetyczną. Artysta interdyscyplinarny, Göttin tworzy murale, instalacje i geometryczne, trójwymiarowe abstrakcyjne obiekty, które wiszą na ścianie.

Jego obiekty ścienne mają powierzchnie pomalowane lub pokryte innymi przemysłowymi materiałami, ale nie są definiowane przez swoje malowane powierzchnie, a powierzchnie nie przekazują niczego konkretnego. Są rzeźbiarskie, a jednak wiszą płasko na ścianie. Za nimi i w ich wnętrzu tworzy się i redefiniuje przestrzeń, a nasze doświadczenie otaczającej przestrzeni jest rekontextualizowane przez ich obecność.

John McCracken - praca, © John McCracken

Prostota nie jest prosta

Jedną z kluczowych lekcji, jakie uczy nas minimalistyczna rzeźba, jest to, że semantyka etykietowania jest nieistotna. Znaczenie, które odnajdujemy w tych dziełach, pochodzi mniej z tego, jak je nazywamy, a bardziej z tego, w jaki sposób zapraszają nas do rozważania przestrzeni. Dzięki nim wracamy do czystości tego prostego objawienia, że one, tak jak my, zamieszkują przestrzeń, zakłócają przestrzeń, zawierają przestrzeń, definiują przestrzeń, kontekstualizują przestrzeń i wprowadzają porządek w przestrzeń.

Pomimo swojej prostoty, są nieskończenie złożone w swojej zdolności do wyzwania i angażowania nas. Jak zauważył Robert Morris, „Prostota kształtu niekoniecznie oznacza prostotę doświadczenia.”

Zdjęcie wyróżnione: Daniel Göttin - Untitled E, 2005, folia aluminiowa na falistej tekturze, 25 x 25 cali.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio