Minimalistyczna rzeźba jako nieskazitelna kontemplacja przestrzeni

Czy rzeźba minimalistyczna jest definiowana przez zestaw zasad? Czy sukces rzeźby minimalistycznej ma związek z jej własnymi właściwościami, czy zależy od tego, jak oddziałuje z otoczeniem? Krytyk sztuki Guillaume Apollinaire kiedyś zadeklarował, że rzeźba musi przedstawiać formy z natury, w przeciwnym razie jest architekturą. Artysta minimalistyczny Robert Morris opisał rzeźbę jako zajmującą środkową część kontinuum „bezużytecznych trójwymiarowych rzeczy”, które rozciągają się od pomników do ornamentów. Pomijając wartość komediową, żadne z tych stwierdzeń nie pomaga nam zrozumieć prawdziwej, pełnej natury rzeźby, szczególnie rzeźby minimalistycznej. Zamiast potykać się o akademickie definicje, wierzymy, że rzeźbę minimalistyczną najlepiej można zrozumieć, zachowując otwarty umysł i uważnie przyglądając się artystom, którzy wytyczyli jej ścieżki.

Ojciec Założyciel Rzeźby Minimalistycznej

Ronald Bladen wykazał się wzorowymi umiejętnościami w rysunku i malarstwie od najmłodszych lat. Jednak to jego prace rzeźbiarskie przyniosły mu sławę i szacunek. Na początku lat 60. Bladen zmienił swoją praktykę, rezygnując z malarstwa abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które tworzył, i zaczął tworzyć duże obiekty drewniane. Niektóre formy były rozpoznawalne, jak gigantyczne X, a inne były abstrakcyjne. Nie precyzował dokładnie, czym były te obiekty, po prostu zaznaczył, że starał się stworzyć coś, co miało "obecność."

Jednym z najwcześniejszych minimalistycznych dzieł rzeźbiarskich Bladena była praca zatytułowana Biała Z. Nie była ani geometryczna, ani figuralna. Była abstrakcyjna, monochromatyczna, o ostrych krawędziach i skomplikowana. Reagowała na światło, była dotykowa i stała na podłodze. Nie była zredukowana z większej formy, lecz raczej skonstruowana z mniejszych form. Posiadała własny gestalt: zorganizowaną całość, która stała się bardziej znacząca niż suma jej części.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

W 1966 roku prace Bladena zostały uwzględnione w wystawie Primary Structures, obok Donalda Judda, Sola LeWitta, Dana Flavina, Carla Andre oraz dziesiątek innych artystów minimalistycznych. Ta wystawa uznawana jest za moment przełomowy w historii minimalizmu. Bladen miał jedną pracę na wystawie, rzeźbę składającą się z trzech części zatytułowaną Three Elements.

Praca była niemal monumentalna pod względem skali. Przemieniła samą naturę przestrzeni, którą zajmowała. Przestrzeń to tylko obszar, w którym istnieją i poruszają się rzeczy. Trzy Elementy stworzyły nowe przestrzenie w obrębie jednej przestrzeni. Stała się przestrzenią. Wymusiła kontemplację nie tylko nad własnym kształtem, ale także nad kształtem swojego otoczenia i innych mieszkańców swoich okolic.

Ronald Bladen - Trzy elementy, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Wartości rzeźbiarskie

Mimo niezaprzeczalnej "czegoś" w rzeźbach Bladena, niektórzy krytycy i widzowie w tamtym czasie, a także niektórzy artyści, nie uważali ich za rzeźby. Obowiązujące definicje rzeźby wydawały się nie mieć zastosowania do czegokolwiek, czym te rzeczy były. To właśnie dlatego te prace były tak rewolucyjne i tak doskonale pasowały do wschodzącej teorii minimalizmu tamtego czasu. Wymagały one uproszczenia samych definicji sztuki.

Zamiast definiować rzeźbę jako coś figuralnego, lub geometrycznego, lub coś wyrzeźbionego z jakiegoś materiału czy odlanego z innego materiału, te obiekty wymagały innego wyjaśnienia. Pr redefiniowały rzeźbę jako coś charakteryzującego się nie tym, czym jest, ale tym, czym nie jest. Obraz jest obiektem estetycznym, który składa się z powierzchni działającej jako podpora dla farby, której cel zawarty jest w lub komunikowany przez farbę na powierzchni. Architektura to struktura przeznaczona do zamieszkania. Rzeźba nie jest ani jednym, ani drugim. To obiekt estetyczny, który nie jest obrazem i nie jest architekturą, ale istnieje w przestrzeni trójwymiarowej.

Donald Judd - Bez tytułu obiekty specyficzne, © Donald Judd

Relacja rzeźby do ściany

Jednym z największych wyzwań, jakie Minimalizm postawił przed rzeźbą, było pytanie, czy rzeźba musi być umieszczona na ziemi. Robert Morris kiedyś zadeklarował, że rzeźby absolutnie muszą być umieszczone na ziemi, ponieważ tylko na ziemi mogą być poddawane działaniu grawitacji, co jest istotną cechą rzeźbiarską. Jednak niektóre z najsłynniejszych obiektów rzeźbiarskich stworzonych przez artystów związanych z Minimalizmem faktycznie wiszą na ścianie lub w inny sposób wykorzystują ścianę jako wsparcie.

Donald Judd nazywał rzeźbiarskie dzieła, które stworzył, Obiektami Specyficznymi. Zdefiniował je jako ani obrazy, ani rzeźby. Wiele z jego najsłynniejszych Obiektów Specyficznych wisi na ścianie. Są to obiekty trójwymiarowe, mają wyraźny kształt, posiadają skalę, oddziałują ze światłem i są dotykowe. Posiadają kolor i powierzchnię, jak wszystkie materialne rzeczy, ale ich cel nie jest definiowany przez te elementy, ani nic nie jest przez nie koniecznie komunikowane.

Czy są to rzeźby, czy nie? Jakiekolwiek gry semantyczne chcielibyśmy prowadzić, prace Judda są wyraźnie rzeźbiarskie z natury. Jednak wieszając je na ścianie, postawiono nowe pytania dotyczące relacji przestrzennych. Zamiast wykorzystywać przestrzeń galerii do kontekstualizacji dzieł sztuki, te dzieła sztuki re-kontekstualizowały przestrzenie, w których były zainstalowane. Zarówno zamieszkiwały otoczenie, jak i je reorganizowały. Prosiły widzów o rozważenie dodatkowych przestrzeni, które części dzieł tworzyły dzięki swojej obecności. Nawet kwestionowały rolę architektury, przyczepiając się do niej. Choć nie były zmuszone do opadania na ziemię przez grawitację, zwracały uwagę na grawitację, demonstrując opór wobec niej.

Ellsworth Kelly - Work, © Ellsworth Kelly

Kształt zmiany

Dzieła innych artystów minimalistycznych, takich jak Ellsworth Kelly i John McCracken, również kwestionowały istniejące definicje rzeźby. Uformowane, monochromatyczne powierzchnie Kelly'ego wisiały na ścianie i były pokryte farbą, ale były znacznie bardziej zgodne z istotą rzeźby niż z malarstwem. Monochromatyczne "deski" McCrackena opierały się o ścianę, wykorzystując ją jako wsparcie, jak mogłoby to być w przypadku obrazu, ale przede wszystkim polegały na podłodze.

Choć każdy z tych artystów minimalistycznych podjął pewne starania, aby zdefiniować to, co robią, oraz aby odnieść się do debaty na temat tego, jak definiować ich rzeźbiarskie dzieła sztuki, wciąż pozostaje wiele miejsca na dalszą dyskusję na ten temat. Współczesny artysta minimalistyczny Daniel Göttin jest jednym z wielu artystów, którzy nadal eksplorują tę luźno zdefiniowaną strefę estetyczną. Artysta multidyscyplinarny, Göttin tworzy murale, instalacje oraz geometryczne, trójwymiarowe obiekty abstrakcyjne, które wiszą na ścianie.

Jego obiekty ścienne mają powierzchnie, które są albo malowane, albo pokryte innymi przemysłowymi mediami, ale nie są definiowane przez swoje malowane powierzchnie, a powierzchnie nie komunikują niczego konkretnego. Są rzeźbiarskie, a jednak wiszą płasko na ścianie. Za nimi i w ich wnętrzu przestrzeń jest tworzona i redefiniowana, a nasze doświadczenie otaczającej przestrzeni jest re-kontekstualizowane przez ich obecność.

John McCracken - work, © John McCracken

Prostota nie jest prosta

Jedną z kluczowych lekcji, jakie uczy nas rzeźba minimalistyczna, jest to, że semantyka etykietowania jest nieistotna. Znaczenie, które odnajdujemy w tych dziełach, pochodzi mniej z tego, jak je nazywamy, a bardziej z sposobów, w jakie zapraszają nas do kontemplowania przestrzeni. Dzięki nim wracamy do czystości tego prostego objawienia, że one, podobnie jak my, zamieszkują przestrzeń, zakłócają przestrzeń, zawierają przestrzeń, definiują przestrzeń, kontekstualizują przestrzeń i wprowadzają porządek w przestrzeni.

Mimo swojej prostoty, są nieskończenie złożone w swojej zdolności do wyzwania i angażowania nas. Jak zauważył Robert Morris, „Prostota kształtu niekoniecznie równa się prostocie doświadczenia.”

Obraz wyróżniony: Daniel Göttin - Bez tytułu E, 2005, Folia aluminiowa na tekturze falistej, 25 x 25 cali.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio