Abstrakcja i natura w obrazach Ellswortha Kelly'ego

Kiedy artysta staje się znany z tworzenia określonego rodzaju dzieł, główne przykłady tego rodzaju pracy mają tendencję do stawania się najbardziej wartościowymi dziełami w dorobku artysty. Być może dlatego tak wiele z obrazów Ellswortha Kelly'ego, które znajdujemy w zbiorach muzealnych, ilustruje dziwaczne, monochromatyczne prace, które Kelly stworzył. Przypadkowi obserwatorzy mogą założyć, że to jedyny rodzaj sztuki, który Kelly tworzył. Mogą również założyć, że znaczenie tych dzieł jest czysto abstrakcyjne. Monochromy Kelly'ego można łatwo wziąć za wyrażenia abstrakcji geometrycznej, malarstwa twardych krawędzi, sztuki koncepcyjnej, sztuki pola koloru lub minimalizmu. I chociaż niektóre z tych tendencji mogły rzeczywiście wpłynąć na Kelly'ego w pewnym momencie jego kariery, byłoby bardziej trafne powiedzieć, że to artyści pracujący w tych dziedzinach byli przez niego inspirowani. Kelly był innowatorem. A nieznane wielu, jego obrazy nie były czysto abstrakcyjne, lecz były reprezentacjami form, które znalazł w naturze.

Naturalne korzenie Ellswortha Kelly'ego

Kelly dorastał z osobistym związkiem z naturą. Urodził się w 1923 roku w idyllicznym miasteczku Newburgh w stanie Nowy Jork, 60 mil na północ od Manhattanu. Otoczony lasami, pagórkami i rzeką, rozwinął wczesne zamiłowanie do roślin i zwierząt sąsiedniej dziczy. Po dwóch latach studiów w zakresie sztuki i projektowania w Pratt, Kelly wstąpił do armii. Wraz z kilkoma innymi artystami Kelly był częścią Ghost Army w II wojnie światowej, jednostki, do której był szczególnie dobrze przystosowany, ponieważ jej rolą było wymyślanie i realizowanie operacji kamuflażowych, aby wprowadzać w błąd wrogie oddziały na europejskiej wsi.

 

Ellsworth Kelly - rysunek ołówkiem Ogrodu Tuileries, Paryż, 1949 

 

Po wojnie Kelly spędził kilka lat w Paryżu, kontynuując swoją edukację artystyczną. Chociaż jego wczesne zainteresowanie dotyczyło malarzy figuratywnych, szybko zauważył, że jego osobiste zainteresowanie estetyczne wcale nie dotyczyło ozdobnych prac figuratywnych, ani nawet koniecznie malarstwa. Raczej przyciągały go proste kształty obiektów, które widział wokół siebie. Sporządzał podstawowe szkice form, które go interesowały, takich jak okna, elementy architektoniczne oraz różne elementy naturalne, takie jak kwiaty, krzewy, drzewa, liście i owoce.

 

Ogród Tuilerii dzisiaj 

 

Rysunki Ellswortha Kelly'ego

Cokolwiek przedstawiał, Kelly redukował obiekty swojego zainteresowania do ich najprostszych form. Tworzył studia form i zaczynał wyrażać je w swojej sztuce. Przez całą swoją karierę, szkice, które stworzył na początku swojego życia, zainspirowały ogromną liczbę obrazów, rzeźb, grafik i innych obiektów estetycznych. Chociaż dzieła, które stworzył, często postrzegane są jako pozbawione emocji, minimalistyczne abstrakcje bezsensownych form, prawda jest taka, że odnoszą się one do konkretnego, rzeczywistego języka naturalnych kształtów, który inspirował Kelly'ego.

 

Ellsworth Kelly - Dzika Winorośl, 1960, Ołówek na dwóch arkuszach papieru, 28 1/2 x 45 cali, Kolekcja MoMA

 

W latach 60. stworzył serię rysunków różnych dzikich owoców, warzyw ogrodowych, drzew, gałęzi oraz liści i kwiatów różnych innych roślin. Jego rysunek z 1960 roku zatytułowany Dzikie Winogrono redukuje liście rośliny dzikiego winogrona do ich najprostszych form. W swoim obrazie z 1962 roku Czerwony Biały, Kelly bierze tę dokładną formę i odwraca ją na białym płótnie.

 

Ellsworth Kelly - Czerwony Biały, 1962, Olej na płótnie, 80 1/8 x 90 1/4 cali, Kolekcja SFMOMA

 

W jego rysunku z 1965 roku Grapefruit (pokazanym poniżej jako litografia), Kelly redukuje obraz dojrzałego grejpfruta i kilku liści zwisających z gałęzi. Konglomerat kształtów i koncepcyjny zakres kolorów reprezentowanych przez te elementy manifestuje się w tym samym roku w jego litografii Blue and Yellow and Red-Orange.

 

Ellsworth Kelly - Grapefruit (Pamplemousse), 1965, Jeden z serii dwunastu litografii, 23 7/16 x 20 cali, Kolekcja MoMA

 

Innym z zainteresowań Kelly'ego była relacja widza z przestrzenią, w której prezentowana jest sztuka. W swojej dążeniu do zbadania tego aspektu doświadczenia estetycznego, Kelly dokonał przełomu w swojej pracy, który doprowadził do ikonicznego stylu wizualnego, który uczynił go sławnym: uformowane, monochromatyczne obiekty wiszące na ścianie. Te obiekty nie były naprawdę obrazami; miały bardziej rzeźbiarską naturę, co Kelly uważał za nieistotne. Wczesnym przykładem tego typu pracy jest Yellow Piece. Forma tego dzieła jest dojrzałym wyrazem połączenia jego naturalnych inspiracji i procesu tworzenia wytworzonych zjawisk estetycznych.

 

Ellsworth Kelly - Niebo i żółty oraz czerwono-pomarańczowy (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Litografia, 25 3/8 x 13 13/16 cala.

 

Obrazy Ellswortha Kelly'ego

Żółty kawałek, obok innych prac Kelly'ego o nietypowych kształtach, reprezentuje znaczący skok koncepcyjny. Kształtując płótno, Kelly zrecontextualizował ścianę i otaczającą architekturę. Zamiast tego, aby płótno działało jako tło dla obrazu, sama ściana stała się wsparciem dla dzieła. Zamiast być odizolowanym, ambientowym środowiskiem, w którym ogląda się sztukę, architektura stała się integralną częścią doświadczenia widza. W ten sposób Kelly doskonale wyraził swoje inspiracje. Uczynił galerię naturalnym środowiskiem. Jego sztuka była częścią otoczenia, wyrastając z niego, wspierana przez nie, wzbogacająca je i wzbogacana przez nie. Widzowie spotykali się z nią w ten sam sposób, w jaki mogą spotkać liść, kwiat, łodygę lub jakikolwiek inny naturalny element w ogrodzie lub na polu.

 

Ellsworth Kelly - Żółty kawałek, 1966, farba syntetyczna na płótnie, 75 x 75 cali.

 

Niektóre z jego uformowanych dzieł jeszcze bardziej poszerzyły jego eksplorację przestrzennych relacji estetycznych, wprowadzając rodzaj warstwowego, kolażowego elementu. Te tzw. prace „reliefowe” były warstwowanymi, wielopanelowymi obiektami, które łączyły wymiarowość z uformowanymi płótnami. Te dzieła wychodzą na zewnątrz w przestrzeń między obiektem a widzem, zapraszając do powstania osobistej, niemal antropomorficznej relacji między widzem a dziełem sztuki. Integralną częścią tej relacji jest pytanie, jakie są formalne różnice między widzem a dziełem.

 

Ellsworth Kelly - Czarny nad Niebieskim, 1963, Malowany aluminium, 81 ¾ x 64 ¼ in. x 6 in, Kolekcja SFMOMA

 

Rzeźby

Kelly był również płodnym twórcą tradycyjnych obiektów rzeźbiarskich. Jego rzeźby podążają za tym samym językiem estetycznym co jego inne prace, nawiązując do naturalnych form i kompozycji, które pojawiają się w tak wielu jego szkicach przyrody. W rzeźbie Kelly'ego z 2002 roku Białe Krzywe widzimy ponowne pojawienie się formy pojedynczego płatka kwiatu magnolii, uchwyconej w jego litografii z 1966 roku Magnolia.

 

Ellsworth Kelly - White Curves, 2002, białe aluminium, zlokalizowane w ogrodzie rzeźb Fondation Beyeler, Riehen, Szwajcaria

 

Następnym razem, gdy napotkasz dzieła Ellswortha Kelly'ego, rozważ je z punktu widzenia inspiracji, którą sam wyraził. Zamiast traktować jego prace jakby były bezemocjonalnymi, czysto abstrakcyjnymi obiektami geometrycznymi, potraktuj je jako wyraz wizualnego języka natury, który istnieje wokół nas. Jak powiedział Kelly: „rysowanie roślin zawsze prowadziło mnie do moich obrazów i rzeźb. Cała moja praca pochodzi z percepcji. Nie jestem artystą geometrycznym.”

 

Obraz wyróżniony: Ellsworth Kelly Magnolia, 1966, Litografia, 24 1/4 x 34 3/4" Wszystkie obrazy © Ellsworth Kelly, wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio