Błyskotliwe Przykłady Sztuki Minimalnej

Minimalizm jest łatwy do nieporozumienia. Częściowo dlatego, że artyści, krytycy, historycy sztuki i teoretycy sztuki często nie zgadzają się co do celów i definiujących cech minimalizmu. Niektórzy z największych nazwisk minimalizmu odmawiają nawet utożsamiania się z tą etykietą. Inni twierdzą, że tworzą sztukę minimalną, chociaż ich prace wydają się sprzeciwiać etosowi minimalizmu. Zamiast tracić czas na walkę o semantykę, zachowujemy otwarty umysł. Wcześniej opisaliśmy minimalizm jako perspektywę, że "mniej znaczy więcej". Nie mamy na myśli, że w sztuce minimalnej dzieje się mniej, ani że jest mniej do cieszenia się, ale że sztuka minimalna robi więcej z mniejszą ilością. Wspaniałe dzieło sztuki minimalnej wyróżnia się jako coś konkretnego, co może być docenione przez każdego w dowolnym czasie i w dowolnym kontekście po prostu za to, czym jest.

Forma i kolor

Kiedy Ellsworth Kelly zmarł w grudniu 2015 roku w wieku 92 lat, był jednym z najbardziej wpływowych malarzy minimalizmu. Może się to nie wydawać po spojrzeniu na jego obrazy, ale Kelly był kontrowersyjny nawet wśród innych artystów. Obrazy Kelly'ego nie zawierały poczucia kompozycji, tematu ani identyfikowalnego znaczenia (symbolicznego lub innego). Być może kontrowersje wynikały z ich prostoty. A może pojawiły się, ponieważ widzowie mieli trudności ze zrozumieniem dzieł, które odnosiły się tylko do siebie.

Ellsworth Kelly - Żółty kawałek, 1966, farba syntetyczna na płótnie, 75 x 75 cali, © 2020 Ellsworth Kelly

Od wczesnych lat swojej kariery Kelly koncentrował się na kształtach geometrycznych i wzorach oraz monochromatycznej palecie kolorów. Aby uniknąć treści i tematów, czasami eksperymentował z przypadkiem, używając losowych wyborów kolorów, aby dyktować kierunek swoich obrazów. W 1966 roku miał przełom. Zaczął formować swoje płótna, zaczynając od obrazu zatytułowanego Yellow Piece. Zamiast malować, na przykład, geometryczny kształt na prostokątnym płótnie, stworzył płótno, które już miało kształt formy, którą chciał namalować, a następnie pomalował całe płótno monochromatycznie. To był definiujący teoretyczny skok. Zamiast formy, która była kontekstualizowana i zawarta w kształcie (prostokąt), sama forma stała się obiektem.

Frank Stella - Harran II, 1967, farba polimerowa i fluorescencyjna farba polimerowa na płótnie, 120 × 240 cali, Muzeum de Young, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Nowe początki

Malarz Frank Stella jest kolejnym minimalistycznym artystą, który badał praktykę kształtowanych płócien. Praca Stelli Harran II jest kształtowym dziełem, które przedstawia serię jaskrawo kolorowych łuków zawartych w serii kwadratów i łukowatych trójkątów. Dziś to dzieło jest ikoniczne wśród dorobku Stelli. Doskonale ilustruje to, co zaczęto uważać za jego charakterystyczny język wizualny: wycięte, jaskrawo kolorowe kształty połączone z innymi kształtami.

Ale przed pracą z kształtowanymi płótnami, Stella wniósł jeszcze głębszy wkład w minimalizm dzięki swoim tzw. czarnym obrazom, które przedstawiały czarne linie w geometrycznym wzorze. W zasadzie te obrazy nie zawierają nic więcej niż farbę na płaskiej powierzchni. To może brzmieć oczywiście, ale to, co reprezentowały teoretycznie, to narodziny minimalizmu: idea obrazów jako obiektów, a nie przedstawień czegoś innego.

Przed ujawnieniem, że obraz nie musi być obrazem, ale może być samodzielnym obiektem, sztuka trójwymiarowa odnosiła się do obrazów, rzeźb, assemblage'ów i być może instalacji. Ta nowa kategoria, "obiekt", nie była żadną z tych rzeczy. Była nową teoretyczną kategorią zjawisk estetycznych.

Donald Judd - Żelazo ocynkowane 17, 1973, © Donald Judd

Konkretne obiekty

Esej artysty Donalda Judda, zatytułowany Obiekty Specyficzne, najlepiej wyraża tę nową kategorię zjawisk estetycznych. W nim Judd wyjaśnił, że te nowe obiekty sztuki w żaden sposób nie odnosiły się do czasu, społeczeństwa, duchowości ani niczego innego. Były to obiekty estetyczne bez użytecznego celu. Pisaliśmy wcześniej o tym momencie w historii sztuki, ponieważ oznaczał on koniec początku abstrakcji. Specyficzne obiekty Judda wykorzystują abstrakcyjny język estetyczny, ale ponieważ są czysto obiektywne, są w rzeczywistości dosłowne. Kiedy Kazimir Malevich namalował czarny kwadrat, uznano to za abstrakcję, ponieważ odnosiło się do idei. Miał znaczenie wykraczające poza bycie kwadratem. Kwadratowe obiekty Judda odnoszą się tylko do tego, czym są. Nie mają znaczenia poza własnym istnieniem. Są oceniane według swoich własnych właściwości. Są warte swojej własnej ważności tak samo jak każdy inny obiekt w istnieniu.

Richard Caldicott - Bez tytułu (14), 2013, wydruk chromogeniczny (C Print), 20 x  24 cale

Twarde krawędzie

Oprócz tego, co odnosi się do sztuki, ważnym elementem estetycznym, który został przypisany sztuce minimalnej, jest to, co nazywa się „twardą krawędzią”. To idea, że kolory na powierzchni zajmują przestrzeń obok siebie w bezszwowy sposób. Idealna twarda krawędź nadaje minimalnemu dziełu sztuki wrażenie, że zostało wyprodukowane, a nie ręcznie wykonane, co wyklucza odniesienia do osobowości artysty.

Brent Hallard - Węzeł (Różowy), 2015, Akryl na anodowanym aluminium, 13.8 x 13.8 in

Doskonałym przykładem twardej krawędzi można znaleźć w pracach współczesnego amerykańskiego artysty Brenta Hallarda. Prace Hallarda kontynuują rozmowę minimalistyczną, badając geometrię poprzez monochromatyczne kolory, dokładność i precyzję. Jednak technika Hallarda nie jest przemysłowa. Używa tradycyjnych mediów artystycznych, takich jak markery i akwarele, aby tworzyć swoje prace na papierze i aluminium. A w jego dziełach istnieje osobisty język, który odnosi się nie tylko do pracy, ale także do artysty, wprowadzając poczucie obecności artysty.

Innym współczesnym artystą o twardych krawędziach jest brytyjski artysta Richard Caldicott. Podobnie jak Hallard, Caldicott aktualizuje tradycje artystów takich jak Frank Stella i Donald Judd. Jako artysta multidyscyplinarny, Caldicott włącza elementy rysunku, fotografii i rzeźby do swojej pracy. Łączy techniki ręczne z procesami mechanicznymi/przemysłowymi, takimi jak druk atramentowy. Obiekty tworzone przez Caldicotta istnieją niezależnie od jakichkolwiek zewnętrznych odniesień. Są produktami procesów. Nie są ani obiektem, ani malowidłem, a jednak posiadają zdolność interakcji z przestrzenią, jak malowidło.

Agnes Martin - Przyjaźń, 1963, Złota folia i olej na płótnie, 6' 3" x 6' 3", © 2020 Spadek po Agnes Martin / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Linie są po to, aby je przekraczać

To, nad czym współcześni minimalisty elaborują, to pojęcie, że minimalizm nie jest sztywnym zbiorem zasad. Obraz może być uznawany za minimalny, nawet jeśli jest również emocjonalny, alegoryczny, ręcznie robiony lub nie jest z definicji „specyficznym obiektem”. Chociaż Stella i Judd dołożyli wszelkich starań, aby oddzielić swoją pracę od jakiegokolwiek poczucia symbolizmu, emocji czy osobowości, nie wszyscy artyści związani z klasycznym minimalizmem podeszli do tego w ten sam sposób.

Agnes Martin przyjęła symbolizm w swojej pracy. Osobista ekspresja była istotną częścią jej praktyki, a poczucie transcendencji, które odczuwała podczas pracy, było czymś, co otwarcie miała nadzieję, że widzowie również poczują. Kluczowy moment w twórczości Martin uchwycony jest w jej obrazie Przyjaźń. Jego silny element emocjonalny łączy go z Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym. Jednak jego estetyka ustanawia go jako dzieło sztuki minimalistycznej. Pisaliśmy wcześniej o tym, jak Martin uważała linię za reprezentację niewinności i o tym, jak miała nadzieję, że jej uczucia przekażą się widzom jej pracy. Chociaż Przyjaźń ma poczucie obiektowości, wyraźnie odnosi się również do czegoś alegorycznego. Podobnie jak sama Martin, działa jako rodzaj mostu między Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym a Minimalizmem.

Obraz wyróżniony: Frank Stella - Jill, 1959, emalia na płótnie, 90 3/8 x 78 3/4 cali, © 2020 Frank Stella / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio