Błyskotliwe Przykłady Sztuki Minimalnej

Minimalizm jest łatwy do niezrozumienia. Częściowo dlatego, że artyści, krytycy, historycy sztuki i teoretycy sztuki często nie zgadzają się co do celów i cech definiujących minimalizm. Niektórzy z największych przedstawicieli minimalizmu odmawiają nawet kojarzenia się z tą etykietą. Inni twierdzą, że tworzą sztukę minimalistyczną, choć ich prace zdają się przeczyć etosowi minimalizmu. Zamiast tracić czas na spory semantyczne, zachowujemy otwarty umysł. Wcześniej opisaliśmy minimalizm jako perspektywę, w której „mniej znaczy więcej”. Nie mamy na myśli, że w sztuce minimalistycznej dzieje się mniej lub że jest mniej do podziwiania, lecz że sztuka minimalistyczna robi więcej przy użyciu mniej. Wielkie dzieło sztuki minimalistycznej wyróżnia się jako coś konkretnego, co może być docenione przez każdego, w dowolnym czasie i kontekście, po prostu za to, czym jest.

Forma i kolor

Kiedy Ellsworth Kelly zmarł w grudniu 2015 roku w wieku 92 lat, był jednym z najbardziej wpływowych malarzy minimalizmu. Może nie wydawać się to oczywiste, patrząc na jego obrazy, ale Kelly był kontrowersyjny nawet wśród innych artystów. Jego obrazy nie zawierały poczucia kompozycji, tematu ani rozpoznawalnego znaczenia (symbolicznego czy innego). Być może kontrowersje wynikały z ich prostoty. A może z tego, że widzowie mieli trudności ze zrozumieniem dzieł, które odnosiły się tylko do samych siebie.

Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, farba syntetyczna na płótnie, 75 x 75 cali, © 2020 Ellsworth Kelly

Od początku swojej kariery Kelly skupiał się na kształtach geometrycznych i wzorach oraz monochromatycznej palecie barw. Aby unikać treści i tematów, czasem eksperymentował z przypadkiem, używając losowych wyborów kolorów do kierowania swoimi obrazami. W 1966 roku dokonał przełomu. Zaczął formować swoje płótna, zaczynając od obrazu zatytułowanego Yellow Piece. Zamiast malować na przykład geometryczny kształt na prostokątnym płótnie, stworzył płótno już w kształcie formy, którą chciał namalować, a następnie pomalował całe płótno monochromatycznie. Był to decydujący krok teoretyczny. Zamiast formy kontekstualizowanej i zawartej w kształcie (prostokącie), sama forma stała się obiektem.

Frank Stella - Harran II, 1967, farba polimerowa i fluorescencyjna na płótnie, 120 × 240 cali, Muzeum de Young, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Nowe początki

Malarz Frank Stella to kolejny artysta minimalistyczny, który badał praktykę formowanych płócien. Jego Harran II to dzieło o kształcie przedstawiającym serię jaskrawo kolorowych łuków zawartych w serii kwadratów i łukowatych trójkątów. Dziś to dzieło jest ikoniczne wśród twórczości Stelli. Doskonale ukazuje to, co stało się jego charakterystycznym językiem wizualnym: wycięte, jaskrawo kolorowe kształty połączone z innymi kształtami.

Jednak zanim zaczął pracować z formowanymi płótnami, Stella wniósł jeszcze głębszy wkład w minimalizm swoimi tzw. czarnymi obrazami, które przedstawiały czarne linie w geometrycznym wzorze. W istocie te obrazy zawierają nic więcej niż farbę na płaskiej powierzchni. Może to brzmieć oczywiście, ale to, co reprezentowały teoretycznie, to narodziny minimalizmu: idea obrazów jako obiektów, a nie przedstawień czegoś innego.

Przed odkryciem, że obraz nie musi być obrazem, lecz może być samodzielnym, niezależnym obiektem, sztuka trójwymiarowa odnosiła się do obrazów, rzeźb, assemblage i być może instalacji. Ta nowa kategoria, „obiekt”, nie była żadną z tych rzeczy. Była nową kategorią teoretyczną zjawisk estetycznych.

Donald Judd - Galvanized Iron 17, 1973, © Donald Judd

Specyficzne obiekty

Esej artysty Donalda Judda zatytułowany Specific Objects najlepiej wyraził tę nową kategorię zjawisk estetycznych. Judd wyjaśnił w nim, że te nowe obiekty sztuki w żaden sposób nie odnosiły się do czasu, społeczeństwa, duchowości ani niczego innego. Były to obiekty estetyczne bez użytkowego celu. Pisaliśmy już o tym momencie w historii sztuki, ponieważ oznaczał on koniec początku abstrakcji. Specyficzne obiekty Judda wykorzystują abstrakcyjny język estetyczny, ale ponieważ są czysto obiektywne, są w rzeczywistości dosłowne. Kiedy Kazimir Malewicz malował czarny kwadrat, uważano to za abstrakcję, ponieważ odnosiło się do idei. Miał znaczenie wykraczające poza bycie kwadratem. Kwadratowe obiekty Judda odnoszą się tylko do tego, czym są. Nie mają znaczenia poza własnym istnieniem. Są oceniane według własnych właściwości. Są godne własnego znaczenia tak samo jak każdy inny obiekt istniejący.

Richard Caldicott - Untitled (14), 2013, odbitka chromogeniczna (C Print), 20 x 24 cali

Ostre krawędzie

Poza tym, do czego odnosi się sztuka, ważnym elementem estetycznym przypisywanym sztuce minimalistycznej jest tzw. „ostra krawędź”. To idea, że kolory na powierzchni zajmują przestrzeń obok siebie w sposób bezszwowy. Idealna ostra krawędź nadaje dziełu minimalistycznemu wrażenie, że zostało wyprodukowane, a nie wykonane ręcznie, co wyklucza odniesienia do osobowości artysty.

Brent Hallard - Knot (Pink), 2015, akryl na anodowanym aluminium, 13,8 x 13,8 cala

Doskonały przykład ostrej krawędzi można znaleźć w pracach współczesnego amerykańskiego artysty Brent Hallard. Prace Hallarda kontynuują rozmowę o minimalizmie, badając geometrię poprzez monochromatyczne kolory, dokładność i precyzję. Jednak technika Hallarda nie jest przemysłowa. Używa tradycyjnych mediów artystycznych, takich jak markery i akwarele, do tworzenia swoich dzieł na papierze i aluminium. W jego twórczości pojawia się osobisty język, który odnosi się nie tylko do dzieła, ale także do artysty, przywracając poczucie obecności twórcy.

Innym współczesnym artystą stosującym ostrą krawędź jest brytyjski artysta Richard Caldicott. Podobnie jak Hallard, Caldicott odświeża tradycje artystów takich jak Frank Stella i Donald Judd. Jako artysta interdyscyplinarny, Caldicott łączy elementy rysunku, fotografii i rzeźby w swoich pracach. Miesza techniki ręczne z procesami mechanicznymi/przemysłowymi, takimi jak druk atramentowy. Obiekty tworzone przez Caldicotta istnieją niezależnie od jakichkolwiek zewnętrznych odniesień. Są produktami procesów. Nie są ani obiektami, ani obrazami, a jednak posiadają zdolność oddziaływania na przestrzeń tak jak obraz.

Agnes Martin - Friendship, 1963, złota blaszka i olej na płótnie, 6' 3" x 6' 3", © 2020 Fundacja Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Linie są po to, by je przekraczać

To, co współcześni minimalisci rozwijają, to przekonanie, że minimalizm nie jest sztywnym zbiorem zasad. Obraz może być uznany za minimalistyczny, nawet jeśli jest też emocjonalny, alegoryczny, wykonany ręcznie lub nie jest z definicji „specyficznym obiektem”. Chociaż Stella i Judd dokładały wszelkich starań, by oddzielić swoje prace od symbolizmu, emocji czy osobowości, nie wszyscy artyści kojarzeni z klasycznym minimalizmem podchodzili do tego w ten sam sposób.

Agnes Martin akceptowała symbolikę w swojej twórczości. Osobisty wyraz był istotną częścią jej praktyki, a poczucie transcendencji, które odczuwała podczas pracy, było czymś, co otwarcie miała nadzieję, że widzowie również poczują. Przełomowy moment w twórczości Martin uchwycony jest w jej obrazie Friendship. Jego silny element emocjonalny łączy go z abstrakcyjnym ekspresjonizmem. Jednak jego estetyka ustanawia go jako dzieło sztuki minimalistycznej. Pisaliśmy już o tym, jak Martin uważała linię za symbol niewinności i jak miała nadzieję, że jej uczucia przekażą się widzom jej dzieł. Choć Friendship ma poczucie bycia obiektem, wyraźnie odnosi się też do czegoś alegorycznego. Podobnie jak sama Martin, działa jako swego rodzaju pomost między abstrakcyjnym ekspresjonizmem a minimalizmem.

Zdjęcie główne: Frank Stella - Jill, 1959, emalia na płótnie, 90 3/8 x 78 3/4 cali, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio